Les Meilleures Suites Animées Disney Jamais Créées (Et Vous Pouvez Toutes Les Diffuser!)

Le 22 novembre 2019, nous entrons tous dans l’inconnu. Disney publiera Frozen 2, un mouvement créatif risqué, peu importe la façon dont vous découpez l’iceberg. C’est la toute première suite musicale de the ubiquitous studio jamais sortie en salles, elle poursuit l’histoire d’un classique moderne qui a parfaitement terminé son arc, elle doit évoquer des chansons qui doivent en quelque sorte rivaliser avec le banger de « Let it Go », et elle fait face à l’hostilité de la société contre l’aventure gelée de l’ouvreur de coco Olaf (que j’aimerai toujours, cher lecteur). C’est beaucoup de pression à supporter! Et cela m’a fait réfléchir: Y a-t-il eu des suites Disney à succès?

Comme il s’avère: Ouais! Alors que la plupart des titres les plus emblématiques de Disney ont gagné des monstruosités directement en vidéo qui sont plus Disney que Disney + (cloué!), la Maison des Souris a réussi quelques revisites de haute qualité en cours de route. Maintenant, pour votre plus grand plaisir (tous sont actuellement disponibles sur Disney +, à l’exception de Ralph Breaks the Internet, qui est actuellement sur Netflix et arrive à Disney + le 11 décembre 2020), profitez de certaines des meilleures suites Disney jamais réalisées.

Remarque: Je suis resté avec du contenu « maison Disney » uniquement, ce qui signifie pas de films Star Wars, Marvel ou Pixar (car, avouons-le, ce serait injuste).

Ralph casse Internet

Épave-Il Ralph est parfait. Un chef-d’œuvre qui racontait absolument un arc parfait du début à la fin pour son personnage principal (John C. Reilly) et n’avait absolument pas besoin de suite. Et pourtant, Disney nous en a donné un. Et ils ont absolument justifié son existence en empruntant le playbook de leurs collègues / rivaux en animation: Pixar. Alors que la franchise Toy Story continuait de fonctionner en vertu de sa volonté de rehausser toutes ses couleurs – plus d’obscurité, plus d’humour, plus de décors d’action – Ralph casse Internet. C’est, en apparence, un film familial pour les enfants. Un film qui abandonne les points de référence des jeux vidéo d’arcade de la génération X de son prédécesseur pour des références Internet prêtes pour la Génération Z (mon dieu, est-ce que j’aime les Yesss Buzzfeed de Taraji P. Henson). Et pourtant, c’est aussi un film qui culmine avec un monstre viscéralement terrifiant fait, littéralement, des insécurités et des tendances obsessionnelles de Ralph vis-à-vis de son amie Vanellope (Sarah Silverman). Et j’adore chaque seconde. Son scénario, de l’écrivain Phil Johnston et de la nouvelle venue de la franchise Pamela Ribon, est-il aussi étanche que le premier? Aucun. Et je ne suis pas sûr que ça devrait l’être. J’aime à quel point Ralph brise Internet est grand, audacieux, large et carrément désordonné. Il y a beaucoup de choses en tête – des crises existentielles à la politique de genre en passant par la gravidité inutile des médias contemporains – et nous méritons de tout vivre et d’aller de l’avant. De plus, il présente l’une des séquences de comédie les plus crackerjack de Disney dans toute l’histoire du studio en se moquant de toute l’histoire du studio. Vanellope rend visite à chaque princesse Disney, exprimée en grande partie par leurs acteurs originaux, et c’est un putain de bon moment plein de bonnes blagues.

Aladdin et le Roi des voleurs

Le retour de Jafar est mauvais. Woof, c’est mauvais. Et si cela vous empêchait d’explorer le troisième film d’animation de la franchise Aladdin, je ne vous en voudrais pas. Mais je vous implore de donner une chance à Aladdin et au Roi des Voleurs. D’une part, Robin Williams est de retour en tant que Génie, après avoir quitté amèrement le rôle avant le retour de Jafar en raison de mauvais sang sur l’utilisation par Disney de sa ressemblance dans le matériel promotionnel (Dan Castellaneta, alias Homer Simpson, l’a joué entre-temps). Et nous, en tant que société, pourrions utiliser une grande partie de Robin Williams ayant une balle absolue que possible. Pour un autre, il combine le plaisir et le faste que vous attendez d’un mariage Aladdin / Jasmine avec une force mystérieuse et intrigante de méchanceté qui ne nous laisse pas oublier le bord inhérent à la trame de fond d’Aladdin comme, vous savez, un voleur dang. Les scénaristes Mark McCorkle et Robert Schooley se rapprochent de Casablanca comme une suite Disney DTV leur le permettra, remplissant leur récit de délicieux harengs rouges, de dangereux MacGuffins, de révélations d’alliés et de méchants perdus depuis longtemps, et même quelques explorations de problèmes de classe. Et enfin, alors que sa musique ne peut jamais atteindre les sommets d’Alan Menken, Howard Ashman et Tim Rice, les morceaux font leur travail et, par la suite, ajoutent au milieu général de la partition d’Aladdin tout en essayant de nouvelles choses pour la taille. En particulier, le numéro d’ouverture « Il y a une fête ici à Agrabah » constitue une introduction parfaite aux charmes du Roi des Voleurs. Cela vous donne Williams qui fait toutes sortes de travaux vocaux qui sautent aux yeux sur une tonalité mineure jaunâtre, une mélodie « Friend Like Me ». C’est apaisant, mais nouveau.

Le Roi Lion 1½

Oubliez le slog CGI inutile de Jon Favreau en 2019. C’est la véritable adaptation du Roi Lion dont nous avons tous besoin. Le Roi Lion 1½ a un titre inhabituel, certes — mais ce n’est pas un engouement passager. C’est le seul moyen précis de résumer la chronologie du film. Car, voyez-vous, il s’agit de la version Rosencrantz et Guildenstern Sont morts du Roi Lion original (approprié, étant donné la dette narrative du Roi Lion envers Hamlet), recentrant le récit original du classique de 1994 à deux personnages mineurs qui comptent vraiment: Timon et Pumbaa. Nathan Lane et Ernie Sabella (en ce qui concerne Billy Eichner et Seth Rogen, qui sont les points brillants du nouveau LK) reprennent leurs rôles comme une confortable paire de pantoufles. C’est juste agréable d’entendre ces deux personnages se chamailler et se frayer un chemin ad lib à travers toutes sortes de manigances de vaudeville. Et Le Roi Lion 1½ se penche vraiment dans le vaudeville, l’ambiance Marx Brothers de tout cela, à partir d’un lieu autoréférentiel cocu (Timon et Pumbaa regardent littéralement le film original dans un théâtre!) et de passer à la comédie à partir de là. J’aime l’audace de ce film de revisiter des moments emblématiques de son prédécesseur juste pour nous montrer à quel point ils importaient peu sans Timon et Pumbaa, et à quel point ils traitent ces séquences de manière irrévérencieuse une fois qu’elles y sont arrivées. À quelques exceptions étonnamment riches: le réalisateur Bradley Raymond et l’écrivain Tom Rogers ne sont pas seulement là pour fabriquer une machine à blagues savamment huilée. Ils sont en fait intéressés à donner à Timon et Pumbaa des défauts, des arcs et des peurs, en faisant d’eux des protagonistes que j’aimerais suivre dans d’autres films à venir. Peuvent-ils interrompre la prise suivante de Favreau, style MST3K?

Fantasia 2000

Comment pouvez-vous même faire une suite à Fantasia, le projet passion de Walt Disney de 1940 qui est une série avant-gardiste sans intrigue et borderline de vignettes animées sur certaines de nos pièces de musique classique les plus célèbres? Eh bien by en créant une nouvelle série de vignettes animées d’avant-garde sans intrigue et borderline sur certaines de nos pièces de musique classique les plus célèbres. J’ai vu Fantasia 2000, sorti contre-intuitivement en 1999, au tout nouveau théâtre IMAX de ma ville natale. Et ce fut une expérience transformatrice, voire écrasante. Même à ce jeune âge, j’étais un énorme dork de la musique, en particulier à propos de « Rhapsody in Blue » de George Gershwin. »Et ne le sauriez-vous pas Fant Fantasia 2000 présente le chef-d’œuvre teinté de jazz de Gershwin, accompagné d’une animation frappante, belle, colorée, stylisée et carrément amusante (d’autres pièces emblématiques incluent la Cinquième Symphonie de Beethoven, Faste and Circumstance d’Elgar et la Suite Firebird de Stravinsky). Les mots ne peuvent pas vraiment rendre justice à l’impact guttural de ces œuvres d’art musicales. C’est un moyen efficace et divertissant de faire découvrir la musique classique aux jeunes. C’est un argument convaincant pour le pouvoir inhérent qui reste à l’intersection entre l’animation en tant que médium créatif et technique – en particulier par rapport au prédécesseur de 1940. Et c’est juste cinema du cinéma pur. Il n’y a pas besoin d’artifices narratifs, de justification de choix visuels ou de prétention à la compréhension intellectuelle traditionnelle. Lorsque la combinaison de ces sons avec ces images vous frappe, cela fournit quelque chose que rien d’autre ne peut jamais faire. Il y a aussi de très bons morceaux entre Steve Martin et Mickey Mouse. Je ne peux pas laisser ça sans mention.

The Rescuers Down Under

Parmi les nombreux plaisirs sincères dans The Rescuers Down Under, la suite australienne de 1990 de lovely The Rescuers de 1977, vous pouvez entendre les icônes hollywoodiennes Bob Newhart et Eva Gabor (dans sa dernière performance à l’écran) reprendre leurs rôles de Bernard et Bianca, un couple de souris dédié à partir à l’aventure et se plaisanter légèrement les uns avec les autres. Et si votre cœur n’explose pas avec la salubrité de tout cela, je ne veux pas vous connaître. Vous obtenez également des performances délicieuses de légendes hollywoodiennes comme John Candy, George C. Scott (donnant tout ce qu’il faut au méchant braconnier) et la superstar du doublage Frank Welker – tous au service d’une câpre riche en émotions, mais au rythme effréné. C’est aussi, d’un point de vue formel, une démonstration vraiment sous-estimée de compétences technologiques et d’une créativité impressionnante. C’était le premier film d’animation entièrement généré par ordinateur au monde, développé en partie par Pixar. Et ses animateurs s’amusent avec leurs nouveaux jouets, rendant richement l’outback australien avec des couleurs vibrantes et de beaux modèles de personnages fluides. Sa séquence d’ouverture, une poussée rapide dans l’arrière-pays marquée propulsivement avec des textures australiennes de Bruce Broughton, vous met sur pied. Et son récit, alternant entre de jolis animaux parlants et une menace environnementale étonnamment adulte, vous reprend et vous inspire. Aux autres studios qui essaient de produire des suites animées de qualité, je dis ceci: Ce n’est pas une suite. C’est une suite.

Un film extrêmement loufoque

Même si vous ne regardez jamais ce film, vous devez l’admettre: C’est facilement l’un des meilleurs « sous-titres de suite » jamais écrits. D’Un Film Loufoque à Un Film Extrêmement Loufoque? C’est des trucs de haute qualité, mon ami. Et pourtant, c’est une touche de mensonge. Un peu comme Ralph Brise Internet, Un film extrêmement loufoque est moins « extrêmement loufoque » et plus « incisif, à la limite sadique, intéressé à examiner la douleur familiale déchirante au centre d’un chien de dessin animé destiné aux enfants. »Ne vous méprenez pas — il y a beaucoup de trucs loufoques dans la suite, surtout pour ceux qui aiment revisiter la nostalgie alimentée par Mountain Dew du début des années 2000 (le point culminant se déroule aux X-Games!) et ceux qui aiment les potshots à la prétention des universités (l’intérêt amoureux de Goofy est un bibliothécaire intellectuel exprimé par friggin ‘ Bebe Neuwirth!). Mais l’intrigue d’un film extrêmement loufoque – un scénario de Billy Madison dans lequel Goofy (Bill Farmer) doit aller à l’université en même temps que son fils Max (Jason Marsden) – est provoquée par la douleur profonde, douloureuse et destructrice de la disparition de son enfant quand il s’éloigne. Max lui manque tellement qu’il provoque un horrible accident et perd son emploi sur son lieu de travail, et Max lui manque tellement qu’il le survole et le submerge à l’université — un endroit où Max cherche désespérément à trouver sa propre identité et son sens de l’indépendance. Suis-je un peu trop dramatique sur les drames d’un film extrêmement loufoque? Peut-être. Mais lorsque vous lancez la suite et que vous commencez à pleurer lorsque Max s’en prend à son père, et que son père (loufoque, le chien mignon que les enfants apprécient) abandonne totalement la vie et rentre à la maison, ne venez pas me pleurer. En fait, venez pleurer pour moi. Je sais ce que c’est que de pleurer pendant un Film Extrêmement Loufoque, et je suis heureux d’aider.

À Propos De L’Auteur