de bästa Disney animerade uppföljare som någonsin gjorts (och du kan strömma dem alla!)

den 22 November 2019 flyttar vi alla in i det okända. Disney kommer att släppa Frozen 2, Ett riskabelt kreativt drag oavsett vilken väg du skär isberget. Det är den allestädes närvarande studioens första någonsin teatraliskt släppta musikaliska uppföljare, den fortsätter historien till en modern klassiker som avslutade sin båge perfekt, den måste framkalla låtar som på något sätt måste konkurrera med banger-ness av ”Let it Go” och det står inför den samhälleliga fientligheten mot Coco opener Olafs Frozen Adventure (som jag, kära läsare, alltid kommer att älska). Det är mycket press att leva upp till! Och det fick mig att tänka: har det varit några framgångsrika Disney-uppföljare?

som det visar sig: Ja! Medan många av Disneys mest ikoniska titlar fick några direkt – till-video-monster som är mer Disney-än Disney+ (spikade det!), gjorde musen huset hantera några högkvalitativa återbesök på vägen. Nu, för ditt tittande nöje (alla dessa är för närvarande tillgängliga på Disney+, förutom Ralph Breaks the Internet, som för närvarande finns på Netflix och kommer till Disney+ 11 December 2020), njut av några av de bästa Disney-uppföljarna som någonsin gjorts.

notera: Jag har bara fastnat med” Disney in-house ” – innehåll, vilket betyder inga Star Wars, Marvel eller Pixar-filmer (för låt oss möta det, det skulle vara orättvist).

Ralph bryter Internet

Wreck-It Ralph är perfekt. Ett mästerverk som absolut berättade för en perfekt början till slutbåge för sin titelkaraktär (John C. Reilly) och absolut inte behövde en uppföljare. Och ändå gav Disney oss en. Och de motiverade absolut sin existens genom att låna playbook av sina kollegor/rivaler i animation: Pixar. När Toy Story-franchisen fortsatte att fungera på grund av sin vilja att höja alla sina färger-mer mörker, mer humor, mer actionuppsättningar-så bryter Ralph också Internet. Detta är uppenbarligen en familjefilm för barn att njuta av. En film som diken Gen-X-lutande arcade videospel referenspunkter av sin föregångare för Gen-Z ready Internet referenser (min godhet, älskar jag Taraji P. Hensons Buzzfeed-skewering Yesss). Och ändå är det också en film som climaxes med ett visceralt skrämmande monster som består av, bokstavligen, Ralphs osäkerhet och obsessiva tendenser angående hans vän Vanellope (Sarah Silverman). Och jag älskar varje jävla sekund av det. Är dess manus, från återkommande författare Phil Johnston och franchise nykomling Pamela Ribon, som skottsäker tight som den första? Nej. Och jag är inte säker på att det borde vara. Jag älskar hur stor, djärv, bred, och rent rörigt Ralph bryter Internet är. Det har mycket att tänka på-från existentiella kriser till könspolitik till den onödiga grittiness av samtida medier-och vi förtjänar att uppleva allt och gå med på resan. Dessutom har den en av Disneys mest crackerjack komedi-sekvenser i studionens hela historia genom att göra narr av studionens hela historia. Vanellope besöker varje Disney-prinsessa, uttryckt i stor utsträckning av sina ursprungliga skådespelare, och det är en jävla bra tid full av jävla bra skämt.

Aladdin och kungen av tjuvar

Jafars återkomst är dålig. Woof, är det dåligt. Och om det stängde av dig från att utforska den tredje animerade filmen i Aladdin-franchisen, skulle jag inte skylla på dig. Men jag ber er att ge Aladdin och tjuvarnas kung en chans. För en är Robin Williams tillbaka som Genie, efter att ha bittert lämnat rollen innan Jafar återvände på grund av dåligt blod över Disneys användning av hans likhet i reklammaterial (Dan Castellaneta, aka Homer Simpson, spelade honom under tiden). Och vi, som ett samhälle, skulle kunna använda mycket av Robin Williams som har en absolut boll som möjligt. För en annan kombinerar den den roliga och pomp du kan förvänta dig av ett Aladdin/Jasmine bröllop med en mystisk och spännande skurkstyrka som inte låter oss glömma den inneboende kanten i Aladdins backstory som du vet en dang tjuv. Manusförfattare Mark McCorkle och Robert Schooley kommer så nära Casablanca som en Disney DTV-uppföljare gör det möjligt för dem att få, fylla sin berättelse med härliga röda sill, farliga MacGuffins, uppenbarelser av förlorade allierade och skurkar och till och med några utforskningar av klassfrågor. Och slutligen, medan musiken aldrig kan nå toppen av Alan Menken, Howard Ashman och Tim Rice, gör låtarna sitt jobb och då och lägger till den allmänna miljön av Aladdins poäng medan de försöker några nya saker på för storlek. I synnerhet öppningsnummer” det finns en fest här i Agrabah ” fungerar som en perfekt introduktion till tjuvkungens charm. Det ger dig Williams gör alla typer av intryck hoppande röst över en jaunty, mindre nyckel, ”vän som mig”-esque melodi. Det känns lugnande, men ändå nytt.

Lejonkungen 1 msk

glöm Jon Favreaus onödiga 2019 CGI slog. Detta är den sanna Lion King-anpassningen vi alla behöver. Lejonkungen 1 oc har en ovanlig titel, för att vara säker – men det är ingen förbipasserande vurm. Det är det enda korrekta sättet att sammanfatta filmens tidslinje. För, du ser, det här är Rosencrantz och Guildenstern är döda versionen av den ursprungliga Lejonkungen (lämplig, med tanke på Lejonkungens berättande skuld till Hamlet), som nyligen Centrerar den ursprungliga berättelsen om 1994-klassikern till två mindre tecken som verkligen betyder något: Timon och Pumbaa. Nathan Lane och Ernie Sabella (med avseende på Billy Eichner och Seth Rogen, som är de lysande fläckarna i den nya LK) återvänder till sina roller som ett bekvämt par tofflor. Det känns bara trevligt att höra dessa två tecken bicker och ad lib sig igenom alla typer av vaudeville-känsla shenanigans. Och Lejonkungen 1 Bisexuell lutar verkligen in i vaudeville, Marx Brothers vibe av allt, från en gök-bonkers självrefererande plats (Timon och Pumbaa tittar bokstavligen på originalfilmen i en teater!) och gå vidare komiskt därifrån. Jag älskar den här filmens djärvhet i att återkomma ikoniska stunder från sin föregångare bara för att visa oss hur lite de spelade roll utan Timon och Pumbaa, och hur irreverent de behandlar dessa sekvenser när de kommer dit. Med några överraskande rika undantag: regissören Bradley Raymond och författaren Tom Rogers är inte bara här för att tillverka en smart oljad skämtmaskin. De är faktiskt intresserade av att ge Timon och Pumbaa brister, bågar och rädslor, vilket gör dem huvudpersoner som jag skulle älska att följa i andra filmer som kommer. Kan de avbryta Favreaus nästa, MST3K-stil?

Fantasia 2000

Hur kan du till och med göra en uppföljare till Fantasia, Walt Disneys 1940 passion project som är en plotlös, borderline avantgarde-serie animerade vignetter som är inställda på några av våra mest berömda bitar av klassisk musik? Tja … genom att göra några nya plotless, borderline avantgarde-serier av animerade vignetter till några av våra mest berömda bitar av klassisk musik. Jag såg Fantasia 2000, släppt kontraintuitivt 1999, på min hemstads varumärke spankin’ new IMAX theatre. Och det var en transformativ, till och med överväldigande upplevelse. Även vid den unga åldern, jag var en enorm musik dork, särskilt om George Gershwin s ”Rhapsody In Blue.”Och skulle du inte veta det-Fantasia 2000 har Gershwins jazzfärgade mästerverk, åtföljt av slående, vacker, färgstark, stiliserad och rent rolig animering (andra ikoniska bitar inkluderar Beethovens femte symfoni, Elgar’ s Pomp and Circumstance och Stravinskys Firebird Suite). Ord kan inte riktigt göra rättvisa åt den gutturala inverkan som dessa musikaliska konstverk ger. Det är ett effektivt, underhållande sätt att introducera klassisk musik till ungdomar. Det är ett övertygande fall för den inneboende kraften kvar i skärningspunkten mellan animering som ett kreativt och tekniskt medium-särskilt jämfört med föregångaren 1940. Och det är bara… ren biograf. Det finns inget behov av berättande contrivances, rättfärdigande för visuella val eller förevändning för traditionell intellektuell förståelse. När kombinationen av dessa ljud med dessa bilder träffar dig, det ger något Ingenting annat någonsin kan. Åh, det finns också mycket bra bitar mellan Steve Martin och Mickey Mouse. Kan inte lämna det som nämns.

The Rescuers Down Under

bland de många uppriktiga nöjen i Rescuers Down Under, 1990 Australian-set uppföljaren till 1977 ’ s lovely The Rescuers, du får höra Hollywood ikoner Bob Newhart och Eva Gabor (i hennes sista skärm prestanda) reprisera sina roller som Bernard och Bianca, en mus par dedikerade till att gå på äventyr och lätt bantering med varandra. Och om ditt hjärta inte exploderar med hälsosamheten i allt detta, vill jag inte känna dig. Du får också härliga föreställningar från Hollywood-legender som John Candy, George C. Scott (ger den skurkaktiga tjuvskytten allt) och röstverkande superstjärnan Frank Welker-alla utför i tjänst av en känslomässigt rik, men ändå fleetly paced caper. Det är också, ur formell synvinkel, en verkligt underskattad uppvisning av teknisk skicklighet och imponerande kreativitet. Det var den första helt datorgenererade animerade filmen som gjordes i världen, delvis utvecklad av Pixar. Och dess animatörer har friggin kul med sina nya leksaker, som rikt gör den australiensiska outbacken med livfulla färger och vackra, flytande karaktärsmodeller. Dess öppningssekvens, ett snabbt rörligt tryck genom outbacken gjorde framdrivande med Australiensiska texturer av Bruce Broughton, wallops dig på dina fötter. Och dess berättelse, som växlar mellan söta pratande djur och ett överraskande vuxen miljöhot, plockar upp dig och inspirerar dig. Till andra studior försöker producera kvalitet animerade uppföljare, jag säger detta: det är inte en uppföljare. Detta … är en uppföljare.

en extremt fånig film

även om du aldrig tittar på den här filmen måste du erkänna detta: det är lätt en av de bästa ”uppföljningsundertexterna” som någonsin skrivits. Från en fånig film till en extremt fånig film? Det är högkvalitativa saker där, vän. Och ändå är det en touch av en lögn. Inte till skillnad från Ralph Breaks the Internet, en extremt Goofy film är mindre ”extremt goofy” och mer ” incisively, borderline sadistiskt intresserad av att undersöka den hjärtskärande familjära smärtan i mitten av en tecknad hund som är avsedd för barn att njuta av.”Missförstå mig inte-det finns många fåniga saker i uppföljaren, speciellt för dem som älskar att återvända till Mountain Dew-fueled nostalgi i början av 2000-talet (klimaxet äger rum på friggin’ X-Games!) och de som älskar potshots vid pretentiösheten i college academia (Goofy’ s love interest är en intellektuell bibliotekarie uttryckt av friggin ’ Bebe Neuwirth!). Men en extremt fånig filmens plot-ett Billy Madison-esque scenario där Goofy (Bill Farmer) måste gå på college samtidigt som hans son Max (Jason Marsden) – initieras av den djupa, sorgliga, destruktiva smärtan av Goofy som saknar sitt barn när han flyttar bort. Han saknar Max så mycket att han orsakar en hemsk olycka och förlorar sitt jobb på sin arbetsplats, och han saknar Max så mycket att han svävar och överväldigar honom på college-en plats där Max desperat försöker hitta sin egen identitet och känsla av självständighet. Är jag lite överdramatisk om dramatiken i en extremt fånig film? Kanske. Men när du kastar på uppföljaren och börjar gråta när Max slår ut mot sin far, och hans far (Goofy, de söta hundbarnen tycker om) ger helt upp livet och går hem, kom inte och gråt till mig. Kom och gråt till mig. Jag vet hur det är att gråta under en extremt Goofy film, och jag är glad att hjälpa till.

om författaren