Les peintres de la Renaissance et du Baroque ont souvent utilisé les modes de peinture sfumato, clair-obscur et plus tard ténebroso non seulement pour donner une impression tridimensionnelle à leurs peintures, mais aussi pour créer une atmosphère dramatique.
Après le déclin de popularité du mouvement pictorialiste, le nouveau style du modernisme photographique est entré en vogue et l’intérêt du public s’est déplacé vers des images plus ciblées. Edward Steichen, Imogen Cunningham et Edward Weston ont été parmi les premiers photographes considérés comme des pionniers de la photographie discrète. Le portrait de J. P. Morgan de Steichen (1903), Pastoral–Moonlight (1907), publié dans Camera Work No. 20, Succulent de Cunningham (1920) et Pepper No. 30 de Weston (1930) sont considérés comme les premières photographies discrètes.
Dans l’art, le noir a regagné une partie du territoire qu’il avait perdu au cours du 19ème siècle. Le peintre russe Kasimir Malevitch, membre du mouvement suprématiste, a créé le Carré noir en 1915, est largement considéré comme la première peinture purement abstraite. Il a écrit: « L’œuvre peinte n’est plus simplement l’imitation de la réalité, mais est cette réalité même… Ce n’est pas une démonstration de capacité, mais la matérialisation d’une idée. »
Peinturemodifier
L’antagonisme entre la lumière et l’ombre est un principe de base d’une image visuelle, quelle que soit sa nature. Léonard de Vinci a été le pionnier de la technique du sfumato afin d’adoucir la transition des zones plus claires aux zones plus sombres dans certaines de ses peintures. Dans ses notes sur la peinture, il souligne que la lumière et l’ombre doivent s’entremêler « sans lignes ni frontières, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point ». Le Sfumato implique généralement l’utilisation de nombreuses couches translucides pour créer un spectre de tonalité progressif de l’obscurité à la lumière, éliminant ainsi les contours nets indésirables. La technique est mise en valeur dans la Joconde (1503-1506, Musée du Louvre, Paris).
D’autre part, le clair-obscur, une autre technique de peinture à l’huile, utilise de forts contrastes tonaux entre la lumière et l’obscurité pour modéliser des formes tridimensionnelles, souvent avec un effet dramatique. La première utilisation d’ombres tridimensionnelles claires-sombres – connues sous le nom de « skiagraphie » ou « peinture d’ombres » dans la Grèce antique – est traditionnellement attribuée au peintre athénien du Ve siècle avant JC, Apollodore (in De Gloria Atheniensum, Plutarque).
Léonard de Vinci, à travers sa Vierge aux Rochers (1483-1486, Louvre, Paris), a influencé l’utilisation du clair-obscur pour créer l’illusion de profondeur; cependant, le terme est le plus souvent associé aux œuvres créées dans le maniérisme et le baroque. À la Renaissance, la technique est devenue essentielle pour tous les peintres « religieux » qui ont suivi les visions de Bridget de Suède, qui prétendait avoir vu la lumière du Christ. Dans les peintures avec des scènes religieuses, les artistes de la Renaissance ont réaffecté cette lumière sainte comme source d’illumination prédominante, en s’appuyant fortement sur la technique du clair-obscur. Cette approche de composition a été largement utilisée dans la Cène du Tintoret (1592-1594). Si le clair-obscur religieux de la Renaissance a servi à créer des scènes calmes et calmes, des peintres tels que Caravage, Baglione, Véronèse et Georges de La Tour, ont eu tendance à utiliser ce style pour un effet dramatique.
Dans le baroque, la peinture reposait beaucoup sur l’utilisation des ombres pour leur effet dramatique. Caravage a accompli l’illumination dramatique dans sa plus grande mesure avec sa méthode appelée ténébrisme – une technique qui s’est répandue en Europe sous le nom de caravagisme. Les œuvres d’Adam Elsheimer ont marqué un tournant entre le clair-obscur et le ténébrisme.
À première vue, une peinture de ténébrisme pourrait ressembler beaucoup à celle utilisant de puissants effets de clair-obscur. Cependant, il existe une différence entre les deux styles: le clair-obscur est une technique d’ombrage utilisée notamment pour donner aux objets l’illusion du volume, tandis que le ténébrisme est une technique de composition qui utilise des ombres très sombres, dans lesquelles certaines zones de la peinture sont préservées de manière sombre (parfois noire), ne permettant qu’une ou deux zones d’intérêt d’être fortement éclairées; en même temps, le passage de la lumière à l’obscurité n’est pas progressif. Le style a été utilisé pour un effet purement dramatique (d’où le terme « illumination dramatique »), et il n’y avait aucune implication dans la tentative de créer l’illusion de la tridimensionnalité.
Ce style a été victime de nombreuses critiques négatives dans le baroque, les critiques accusant les artistes d’utiliser cette méthode pour « cacher » les erreurs des peintures. Tout d’abord, l’art de Caravage, qui abordait le nouveau style artistique de la manière la plus radicale, était visé. Comme Caravage, Rembrandt a également été accusé de cacher ses défauts dans la peinture des nuances.
Le ténébrisme a donné à l’obscurité une valeur positive, à la fois iconique et symbolique, créant ainsi une nouvelle esthétique. L’obscurité était équivalente à la lumière, car elle conditionnait la gloire et la majesté de cette dernière. Les symboles de la lumière et des ténèbres se sont exprimés dans les œuvres du Tintoret, du Caravage, de Georges de La Tour et de Rembrandt.
Photographiemodifier
Dans la photographie de l’un des portraitistes les plus en vue, le Canadien Yousuf Karsh (1908-2002), la lumière ne fait que souligner le visage; elle peut le mettre en valeur plus ou moins intensément, mais d’un point de vue artistique, la lumière joue un rôle secondaire dans la scène avec le sujet principal. Ses portraits contiennent de grandes zones de noir, et le sujet apparaît comme une tache dans ce néant achromatique. Rien ne rivalise avec la mise en valeur des zones des visages de ses sujets, ce qui confère aux portraits une aura presque mystique.
Ainsi, dans le portrait de Winston Churchill, qui selon The Economist est le « portrait le plus reproduit de l’histoire de la photographie » et a été décrit comme l’un des » portraits les plus emblématiques jamais photographiés « , seul son visage est mis en évidence, tandis que sa tête est soulignée par une autre source de lumière très faible, venant de l’arrière; dans le portrait de Jean Sibelius, la lumière est encore plus réduite, la moitié du visage étant sombre; dans Helen Keller avec Polly Thompson, les deux sujets sont vêtus de noir et le fond est également entièrement noir, de sorte que la photographie donne une impression de détachement, de dissolution; Jasper Johns semble émerger d’un océan noir; le portrait de l’écrivain français François Mauriac n’est profilé que de demi-profil, seule une ligne presque abstraite apparaissant sur le fond noir.
Le fort contraste entre le noir et le blanc et l’utilisation de ce contraste pour dépasser les portraits classiques, est caractéristique de tous ces portraits, créant ainsi une atmosphère dramatique, énigmatique, mystique, utilisant abondamment le soi-disant « noir actif ». Yousuf Karsh est considéré comme l’un des artistes contemporains qui adoptent le style photographique discret de la manière la plus efficace, étant qualifié de « l’un des grands photographes de portrait du 20ème siècle » par le magazine Time.
Parmi les autres exemples remarquables qui traitent de la photographie aux teintes noires, citons Blind (1916) de Paul Strand, où le sujet est délibérément ombré afin de créer l’atmosphère sombre de l’image, et où le signe « Aveugle » est allumé; Mt. d’Ansel Adams. Moran, Parc national de Teton, la lumière naturelle ne tombe que sur le sommet de la montagne, tandis que le reste de la photo est un mélange de tons gris foncé; certaines photographies d’Edward Weston illustrent également le style discret, telles que Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), Feuille de chou (1931); Filles de joie de Brassaï, Quartier Italie (1932).; Le Nehru de Bresson Annonce La mort de Gandhi, (1948). En 1944, Robert Capa prend des photos de Picasso à la lumière naturelle qui ne met en valeur que la moitié droite de son visage, laissant la partie gauche à l’ombre.
Irving Penn (1917-2009) a pris plusieurs photographies discrètes du trompettiste et compositeur de jazz américain Miles Davis.
Parmi les photographes postmodernistes, l’Australien Bill Henson photographie des nus controversés dans discret, Elad David travaille principalement avec des nus masculins et dans certains d’entre eux, seuls les bustes – sans tête – de jeunes hommes, sont mis en évidence, laissant tout le reste en noir. Un autre artiste qui a créé une série de photos discrètes exposées dans de nombreuses expositions à travers le monde est le photographe finlandais Juha Arvid Helminen. Il a nommé sa série The Invisible Empire, et fait référence au bouclier que la couleur noire offre, comme un masque entre qui nous sommes vraiment et la façon dont la société nous perçoit.