renässans-och barockmålare har ofta använt sfumato, chiaroscuro och senare tenebroso-målningslägena inte bara för att ge ett tredimensionellt intryck i sina målningar utan också för att uppnå en dramatisk atmosfär.
efter nedgången i popularitet Pictorialism rörelsen, den nya stilen av fotografisk Modernism kom på modet, och allmänhetens intresse flyttas till mer skarpt fokuserade bilder. Edward Steichen, Imogen Cunningham och Edward Weston var bland de första fotograferna som ansågs pionjärer för lågmäld fotografering. Steichens porträtt av J. P. Morgan (1903), Pastoral – Moonlight (1907), publicerad i kameraarbete nr 20, Cunninghams Saftiga (1920) och Westons peppar nr 30 (1930) anses vara de tidigaste lågmälda fotografierna.
i konst återfick black en del av det territorium som det hade förlorat under 19th century. Den ryska målaren Kasimir Malevich, en medlem av Suprematiströrelsen, skapade Svarta torget 1915, anses allmänt vara den första rent abstrakta målningen. Han skrev: ”det målade verket är inte längre bara en imitation av verkligheten, utan är just denna verklighet … Det är inte en demonstration av förmåga, men materialiseringen av en ide.”
Målningredigera
motsättningen mellan ljus och skugga är en grundläggande princip för en visuell bild, oavsett dess natur. Leonardo da Vinci banade väg för sfumato-tekniken så att han kunde mildra övergången från ljusare områden till mörkare i några av hans målningar. I sina anteckningar om målning framhäver han att ljus och skugga ska blandas ”utan linjer eller gränser, på sätt som rök eller bortom fokusplanet”. Sfumato innebär vanligtvis att man använder många genomskinliga lager för att skapa ett gradvis tonspektrum från mörkt till ljus, vilket eliminerar de oönskade skarpa konturerna. Tekniken betonas i Mona Lisa (1503-1506, Musxubbie du Louvre, Paris).
å andra sidan använder chiaroscuro, en annan oljemålningsteknik, starka tonkontraster mellan ljus och mörk för att modellera tredimensionella former, ofta till dramatisk effekt. Den första användningen av ljus-mörka tredimensionella skuggor-känd som ”skiagraphia” eller ”skuggmålning” i Antikens Grekland – tillskrivs traditionellt den atenska målaren från femte århundradet f.Kr., Apollodorus (i de Gloria Atheniensum, Plutarch).
Leonardo da Vinci, genom sin jungfru av klipporna (1483-1486, Louvren, Paris), påverkade användningen av chiaroscuro för att skapa en illusion av djup; termen är dock oftast förknippad med de verk som skapats i Mannerism och barock. I renässansen blev tekniken väsentlig för alla ”religiösa” målare som följde visionerna från Bridget of Sweden, som påstod sig ha sett Kristi ljus. I målningarna med religiösa scener omfördelade Renässansartisterna detta heliga ljus som den dominerande belysningskällan och förlitar sig starkt på chiaroscuro-tekniken. Denna kompositionsmetod har använts i stor utsträckning i Tintorettos sista måltid (1592-1594). Om renässans religiösa chiaroscuro tjänade till att skapa tysta och lugna scener, hade målare som Caravaggio, Baglione, Veronese och Georges de La Tour en tendens att använda denna stil för en dramatisk effekt.
i barocken förlitade sig målningen starkt på användningen av skuggor för deras dramatiska effekt. Caravaggio har åstadkommit den dramatiska belysningen i sin största utsträckning med sin metod som kallas tenebrism – en teknik som har spridit sig till Europa under namnet caravaggism. Adam Elsheimers verk var en vändpunkt mellan chiaroscuro och tenebrism.
vid första anblicken kan en tenebrism-målning se mycket lik den som använder kraftfulla chiaroscuro-effekter. Det finns dock en skillnad mellan de två stilarna: chiaroscuro är en skuggningsteknik som används speciellt för att ge föremål en illusion av volym, medan tenebrism är en kompositionsteknik som använder mycket mörka skuggor, där vissa områden i målningen bevaras mörkt (ibland svart), vilket gör att endast ett eller två intressanta områden kan belysas starkt; samtidigt är övergången från ljus till mörk inte gradvis. Stilen användes för en rent dramatisk effekt (därav termen ”dramatisk belysning”), och det fanns inget engagemang i att försöka skapa en illusion av tredimensionalitet.
denna stil har utsatts för många negativa kritik i barocken, kritiker anklagar konstnärer för att använda denna metod för att ”dölja” misstagen i målningarna. För det första riktades Caravaggios konst, som närmade sig den nya konstnärliga stilen på det mest radikala sättet. Liksom Caravaggio anklagades Rembrandt också för att dölja sina brister i shades målning.
Tenebrism gav mörkret ett positivt värde, både ikoniskt och symboliskt, vilket skapade en ny estetik. Mörkret motsvarade ljuset, eftersom det konditionerade den senare ära och majestät. Symbolerna för ljus och mörker uttrycktes i verk av Tintoretto, Caravaggio, Georges de La Tour och Rembrandt.
Fotografiredigera
i fotograferingen av en av de mest framstående porträttisterna, kanadensaren Yousuf Karsh (1908-2002), skisserar ljuset bara ansiktet; det kan lyfta fram det mer eller mindre intensivt, men ur konstnärlig synvinkel spelar ljus en sekundär roll i scenen tillsammans med huvudämnet. Hans porträtt innehåller stora områden av svart, och motivet verkar som en plats i den akromatiska ingenting. Ingenting konkurrerar med att områdena i hans ämnes ansikten lyfts fram, vilket ger porträtten en nästan mystisk aura.
således, i porträttet av Winston Churchill, som enligt The Economist är det ”mest reproducerade porträttet i fotografiens historia” och har beskrivits som en av de ”mest ikoniska porträtten som någonsin tagits”, är bara hans ansikte markerat, medan hans huvud skisseras av en annan, mycket låg ljuskälla, som kommer bakifrån; i porträttet av Jean Sibelius reduceras ljuset ännu mer, med hälften av ansiktet i dysterhet; i Helen Keller med Polly Thompson är båda ämnena klädda i svart och bakgrunden är också helt svart, så fotografiet ger ett intryck av avskiljning, upplösning; Jasper Johns verkar dyka upp från ett svart hav; porträttet av den franska författaren Fran Camboiis Mauriac är bara konturerad från halvprofil, bara en nästan abstraherad linje som visas på den svarta bakgrunden.
den starka kontrasten mellan svart och vitt och användningen av denna kontrast för att övervinna klassiska porträtt är karakteristisk för alla dessa porträtt, vilket skapar en dramatisk, gåtfull, mystisk atmosfär som rikligt använder sig av den så kallade ”aktiva svarta”. Yousuf Karsh anses vara en av de samtida konstnärerna som antar den lågmälda fotografiska stilen på det mest effektiva sättet och kallas ”en av 20-talets stora porträttfotografer” av Time magazine.
andra anmärkningsvärda exempel som handlar om fotografering av svarta nyanser inkluderar Paul Strand ’ s Blind (1916), där motivet medvetet skuggas för att skapa bildens dystra atmosfär och det ”blinda” tecknet tänds; Ansel Adams Mt. Moran, Teton National Park, naturligt ljus faller bara på toppen av berget, medan resten av fotot är en blandning av mörkgrå toner; några av Edward Westons fotografier illustrerar också den lågmälda stilen, såsom Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), kålblad (1931); Brassa Jacobs Filles de joie, Quartier Italie( 1932); Bressons Nehru tillkännager Gandhis död, (1948). 1944 tar Robert Capa bilder av Picasso i naturligt ljus som bara belyser den högra halvan av ansiktet och lämnar den vänstra i skuggan.
Irving Penn (1917-2009) tog flera lågmälda fotografier av den amerikanska jazztrumpeten och kompositören Miles Davis.
bland postmodernistiska fotografer fotograferar den australiensiska Bill Henson kontroversiella nakenbilder i lågmäld, Elad David arbetar främst med manliga nakenbilder och i vissa av dem är bara bysten – inget huvud – av unga män, markerade och lämnar allt annat i kolsvart. En annan konstnär som skapade en serie lågmälda bilder utställda i många utställningar runt om i världen är den finska fotografen Juha Arvid Helminen. Han namngav sin serie The Invisible Empire, och hänvisar till skölden som svart färg erbjuder, som en mask mellan vem vi verkligen är och hur samhället uppfattar oss.