pintores renascentistas e barrocos têm frequentemente usado o sfumato, chiaroscuro e mais tarde os modos de pintura tenebroso não só para dar uma impressão tridimensional em suas pinturas, mas também para alcançar uma atmosfera dramática.
após o declínio na popularidade do movimento Pictorialismo, o novo estilo de modernismo fotográfico entrou em voga, e o interesse do público mudou para imagens mais acentuadamente focadas. Edward Steichen, Imogen Cunningham e Edward Weston estavam entre os primeiros fotógrafos considerados pioneiros da fotografia discreta. Steichen’s portrait of J. P. Morgan (1903), Pastoral – Moonlight (1907), published in Camera Work No. 20, Cunningham’s suculent (1920) and Weston’s Pepper No. 30 (1930) are considered the earliest low-key photographs.Na arte, black recuperou parte do território que tinha perdido durante o século XIX. O pintor russo Kasimir Malevich, um membro do movimento suprematista, criou a Praça Negra em 1915, é amplamente considerado a primeira pintura puramente abstrata. Ele escreveu: “o trabalho pintado não é mais simplesmente a imitação da realidade, mas é essa mesma realidade … Não é uma demonstração de capacidade, mas a materialização de uma ideia.”
PaintingEdit
O antagonismo entre a luz e a sombra é um princípio básico de uma imagem visual, independentemente da sua natureza. Leonardo Da Vinci foi pioneiro na técnica de sfumato para que ele pudesse suavizar a transição de áreas mais claras para áreas mais escuras em algumas de suas pinturas. Em suas notas sobre pintura, ele destaca que a luz e a sombra devem se misturar “sem linhas ou fronteiras, na forma de fumo ou além do plano de foco”. Sfumato geralmente implica o uso de muitas camadas translúcidas para criar um espectro de Tom gradual da escuridão para a luz, eliminando assim os contornos afiados indesejados. A técnica é enfatizada na Mona Lisa (1503-1506, Musée du Louvre, Paris).
por outro lado, claro-escuro, outra técnica de pintura a óleo, usa a força tonal contrastes entre o claro e o escuro para o modelo tridimensional de formas, muitas vezes para o efeito dramático. O primeiro uso de sombras tridimensionais escuras-conhecidas como “skiagraphia” ou “pintura-sombra” na Grécia antiga – é tradicionalmente atribuído ao pintor ateniense do século V a. C., Apolodoro (em De Gloria Ateniensum, Plutarco).Leonardo Da Vinci, através de sua Virgem das rochas (1483-1486, Louvre, Paris), influenciou o uso do chiaroscuro para criar a ilusão de profundidade; no entanto, o termo é mais frequentemente associado com as obras criadas no Maneirismo e Barroco. No Renascimento, a técnica tornou-se essencial para todos os pintores “religiosos” que seguiram as visões de Bridget da Suécia, que alegou ter visto a luz de Cristo. Nas pinturas com cenas religiosas, os artistas renascentistas reatribuíram esta luz Santa como a fonte predominante de iluminação, confiando fortemente na técnica de chiaroscuro. Esta abordagem de composição tem sido amplamente utilizada na última ceia de Tintoretto (1592-1594). Se o chiaroscuro religioso do Renascimento serviu para criar cenas calmas e calmas, pintores como Caravaggio, Baglione, Veronese e Georges De La Tour, tiveram a tendência de usar este estilo para um efeito dramático.
no Barroco, a pintura dependia fortemente do uso de sombras para o seu efeito dramático. Caravaggio realizou a iluminação dramática em sua maior extensão com seu método chamado tenebrismo – uma técnica que se espalhou para a Europa sob o nome de caravagismo. As obras de Adam Elsheimer foram um ponto de viragem entre chiaroscuro e tenebrism.
à primeira vista, uma pintura de tenebrism pode parecer muito semelhante à que usa poderosos efeitos de chiaroscuro. No entanto, há uma diferença entre os dois estilos: chiaroscuro é uma técnica de sombreamento utilizado, especialmente, para dar objetos a ilusão de volume, enquanto tenebrism é uma técnica composicional que usa muito as sombras escuras, em que algumas áreas da pintura são preservados escura (às vezes negro), permitindo que apenas uma ou duas áreas de interesse a ser fortemente iluminado, ao mesmo tempo, a transição do claro para o escuro não é gradual. O estilo foi usado para um efeito puramente dramático (daí o termo “iluminação dramática”), e não houve envolvimento na tentativa de criar a ilusão de tridimensionalidade.
este estilo tem sido vítima de muitas críticas negativas no Barroco, críticos acusando artistas de usar este método para” esconder ” os erros das pinturas. Em primeiro lugar, a arte de Caravaggio, que abordava o novo estilo artístico da forma mais radical, visava. Como Caravaggio, Rembrandt também foi acusado de esconder seus defeitos na pintura das sombras.
Tenebrism gave the darkness a positive value, both iconic and symbolic, creating thus a new aesthetics. A escuridão era equivalente à luz, porque condicionava a glória e a majestade deste último. Os símbolos da luz e da escuridão foram expressos nas obras de Tintoretto, Caravaggio, Georges De La Tour e Rembrandt.
PhotographyEdit
Na fotografia de um dos mais proeminentes retratistas, o Canadense Yousuf Karsh (1908-2002), a luz só descreve o rosto; ele pode realçar mais ou menos intensamente, mas a partir de um ponto de vista artístico, a luz desempenha um papel secundário na cena, junto com o assunto principal. Seus retratos contêm grandes áreas de preto, e o sujeito aparece como um ponto naquele nada acromático. Nada compete com as áreas dos rostos de seus sujeitos sendo destacadas, o que dá aos retratos uma aura quase mística.
Assim, no retrato de Winston Churchill, que, segundo O Economista é o “mais reproduzida retrato na história da fotografia” e tem sido descrito como um dos “mais icônico retratos sempre tiro”, apenas o seu rosto é realçado, enquanto sua cabeça é descrito por um outro, muito baixa fonte de luz, vindo da parte de trás; em o retrato de Jean Sibelius, a luz é reduzida ainda mais, com metade do rosto a ser nas trevas; em Helen Keller com Polly Thompson, ambos os assuntos estão vestidos de preto e o plano de fundo também é inteiramente preto, para que a fotografia dá uma impressão de desapego, de dissolução; Jasper Johns parece emergir de um negro mar; o retrato do escritor francês François Mauriac é apenas contornos de semi-perfil, só um quase-abstraídos linha que aparece no plano de fundo preto.
o forte contraste entre preto e branco e o uso deste contraste para superar retratos clássicos, é característico de todos esses retratos, criando assim uma atmosfera dramática, enigmática, mística, abundantemente fazendo uso do chamado “preto ativo”. Yousuf Karsh é considerado um dos artistas contemporâneos que adotam o estilo fotográfico de baixo tom da maneira mais eficiente, sendo chamado “um dos grandes fotógrafos do século XX” pela revista Time.
outros exemplos notáveis que lidam com a fotografia de tons negros incluem o cego de Paul Strand (1916), onde o sujeito é deliberadamente sombreado a fim de criar a atmosfera sombria da imagem, e o sinal “cego” é aceso; Monte Ansel Adams. Moran, Teton National Park, luz natural cai só sobre o pico da montanha, enquanto o resto da foto é uma mistura de tons de cinza escuro; alguns de Edward Weston fotografias também são ilustrativos do baixo-chave de estilo, tais como o Nautilus (1930), Pimenta Nº 30 (1930), Folha de Repolho (1931); Brassaï do Filles de joie, Quartier Italie (1932); Nehru de Bresson anuncia a morte de Gandhi, (1948). Em 1944, Robert Capa tira fotos de Picasso à luz natural que apenas destaca a metade direita de seu rosto, deixando a esquerda na sombra.Irving Penn (1917-2009) tirou várias fotografias discretas do trompetista de jazz e compositor norte-americano Miles Davis.
Entre pós-modernista fotógrafos, o Australiano Bill Henson fotografias controverso nus em baixo-chave, Elad David trabalha principalmente com nus masculinos e em alguns deles apenas os bustos – sem cabeça – de homens jovens, é realçado, deixando tudo na escuridão. Outro artista que criou uma série de fotos discretas exibidas em inúmeras exposições ao redor do mundo, é a fotógrafa finlandesa Juha Arvid Helminen. Ele nomeou sua série O Império invisível, e se refere ao escudo que a cor preta oferece, como uma máscara entre quem realmente somos e a forma como a sociedade nos percebe.