a reneszánsz és barokk festők gyakran használják a sfumato, chiaroscuro és később a tenebroso festési módokat, hogy ne csak háromdimenziós benyomást keltsenek festményeikben, hanem drámai hangulatot is érjenek el.
a Piktorializmus népszerűségének csökkenése után divatba jött a fotográfiai modernizmus új stílusa, és a közvélemény érdeklődése az élesebben fókuszált képek felé fordult. Edward Steichen, Imogen Cunningham és Edward Weston voltak az első fotósok, akiket az alacsony kulcsú fotózás úttörőinek tartottak. Steichen portréja J. P. Morganről (1903), lelkipásztori – Holdfény (1907), megjelent a Camera Work No.20, Cunningham Succulent (1920) és Weston Pepper no. 30 (1930) a legkorábbi alacsony kulcsú fényképek.
a művészetben fekete visszanyerte a 19.század során elvesztett terület egy részét. Kasimir Malevich orosz festő, a Suprematista mozgalom tagja, 1915-ben létrehozta a fekete teret, széles körben az első tisztán absztrakt festménynek tekintik. Azt írta: “a festett mű már nem egyszerűen a valóság utánzata, hanem éppen ez a valóság … Ez nem a képesség bemutatása, hanem egy ötlet megvalósulása.”
Festményszerkesztés
a fény és az árnyék közötti ellentét a vizuális kép alapelve, függetlenül annak természetétől. Leonardo da Vinci úttörő szerepet játszott a sfumato technikában, hogy néhány festményén lágyítsa az átmenetet a világosabb területekről a sötétebbekre. A festészetről szóló jegyzeteiben kiemeli, hogy a fénynek és az árnyéknak “vonalak vagy határok nélkül, füst formájában vagy a fókuszsíkon túl”kell keverednie. A Sfumato általában sok áttetsző réteg használatát jelenti, hogy fokozatos hangspektrumot hozzon létre a sötéttől a fényig, így kiküszöbölve a nem kívánt éles kontúrokat. A technikát hangsúlyozza a Mona Lisa (1503-1506, Louvre Múzeuma, Párizs).
másrészt a chiaroscuro, egy másik olajfestmény technika, erős tónusú kontrasztokat használ a fény és a sötét között a háromdimenziós formák modellezéséhez, gyakran drámai hatással. A világos-sötét háromdimenziós árnyékok első használatát-az ókori Görögországban “skiagraphia” vagy “árnyékfestés” néven – hagyományosan a Kr.e. ötödik század Athéni festőjének tulajdonítják, Apollodorus (In De Gloria Atheniensum, Plutarkhosz).
Leonardo da Vinci a sziklák Szűzén (1483-1486, Louvre, Párizs) keresztül befolyásolta a chiaroscuro használatát a mélység illúziójának megteremtésére; azonban a kifejezés leggyakrabban a Manierizmusban és a barokkban létrehozott művekhez kapcsolódik. A reneszánszban a technika elengedhetetlenné vált minden “vallásos” festő számára, akik követték a svéd Bridget látomásait, akik azt állították, hogy látták Krisztus fényét. A vallási jelenetekkel ellátott festményekben a reneszánsz művészek ezt a Szent fényt jelölték ki a megvilágítás uralkodó forrásaként, erősen támaszkodva a chiaroscuro technikára. Ezt a kompozíciós megközelítést széles körben alkalmazták Tintoretto ‘ s Utolsó Vacsora (1592-1594). Ha a reneszánsz vallásos chiaroscuro csendes és nyugodt jeleneteket hozott létre, olyan festők, mint Caravaggio, Baglione, Veronese és Georges De La Tour, hajlamosak voltak ezt a stílust drámai hatás elérésére használni.
ban ben barokk, a festészet drámai hatása erősen támaszkodott az árnyékok használatára. Caravaggio a drámai megvilágítást a legnagyobb mértékben tenebrizmusnak nevezett módszerével valósította meg-ez a technika Caravaggizmus néven terjedt el Európában. Adam Elsheimer művei fordulópontot jelentettek a chiaroscuro és a tenebrizmus között.
első pillantásra egy tenebrizmus festmény nagyon hasonlíthat az erőteljes chiaroscuro effektusokkal. Van azonban különbség a két stílus között: a chiaroscuro egy árnyékolási technika, amelyet különösen arra használnak, hogy a tárgyak a térfogat illúzióját adják, míg a tenebrizmus olyan kompozíciós technika, amely nagyon sötét árnyékokat használ, amelyekben a festmény egyes területei sötéten (néha feketén) megmaradnak, így csak egy vagy két érdekes terület erősen megvilágítható; ugyanakkor a fényről a sötétre való átmenet nem fokozatos. A stílust tisztán drámai hatásra használták (innen ered a “drámai megvilágítás” kifejezés), és nem vett részt a háromdimenziós illúzió megteremtésében.
ez a stílus a barokk számos negatív kritikájának áldozata lett, a kritikusok azzal vádolták a művészeket, hogy ezzel a módszerrel “elrejtik” a festmények hibáit. Először Caravaggio művészetét célozták meg, amely a legradikálisabb módon közelítette meg az új művészi stílust. Caravaggióhoz hasonlóan Rembrandtot is azzal vádolták, hogy elrejtette hibáit az árnyalatok festményében.
a Tenebrizmus pozitív értéket adott a sötétségnek, mind ikonikus, mind szimbolikus, ezáltal új esztétikát teremtve. A sötétség egyenértékű volt a világossággal, mert ez kondicionálta az utóbbi dicsőségét és fenségét. A fény és a sötétség szimbólumai Tintoretto, Caravaggio, Georges De La Tour és Rembrandt műveiben jelentek meg.
Fényképezésszerkesztés
az egyik legkiemelkedőbb portréfestő, a kanadai Yousuf Karsh (1908-2002) fotográfiájában a fény csak az arcot körvonalazza; többé-kevésbé intenzíven kiemelheti, de művészi szempontból a fény másodlagos szerepet játszik a jelenetben a fő témával együtt. Portréi nagy fekete területeket tartalmaznak, a téma pedig foltként jelenik meg abban az akromatikus semmiben. Semmi sem versenyez azzal, hogy alanyai arcának területeit kiemelik, ami szinte misztikus aurát ad a portréknak.
így Winston Churchill portréjában, amely a The Economist szerint a “fotótörténet legjobban reprodukált portréja”, és amelyet az egyik “valaha készített legikonikusabb portréként” írtak le, csak az arca van kiemelve, míg a fejét egy másik, nagyon alacsony fényforrás vázolja, amely hátulról érkezik; Jean Sibelius portréjában a fény még jobban csökken, az arc fele homályban van; Helen Keller-ben Polly Thompsonnal mindkét alany feketébe van öltözve, és a háttér is teljesen fekete, így a fénykép leválás, feloldódás benyomását kelti; Jasper Johns úgy tűnik, hogy egy fekete óceánból származik; a francia író, Fran Adapois Mauriac portréja csak félig profilból van körvonalazva, csak egy szinte elvont vonal jelenik meg a fekete háttéren.
a fekete és a fehér közötti erős kontraszt, valamint ennek a kontrasztnak a használata a klasszikus portrék legyőzésére, mindegyik portréra jellemző, drámai, rejtélyes, misztikus légkört teremtve, bőségesen kihasználva az úgynevezett “aktív feketét”. Yousuf Karsh a kortárs művészek közé tartozik, akik a leghatékonyabban alkalmazzák az alacsony kulcsú fényképészeti stílust, a Time magazin “a 20.század egyik nagy portréfotósának” nevezi.
további figyelemre méltó példák, amelyek a fekete színárnyalatok fényképezésével foglalkoznak, Paul Strand vak (1916), ahol a témát szándékosan árnyékolják a kép komor légkörének megteremtése érdekében, és a “vak” jel világít; Ansel Adams Mt. Moran, Teton Nemzeti Park, a természetes fény csak a hegy csúcsára esik, míg a fénykép többi része sötétszürke tónusok keveréke; Edward Weston néhány fényképe szintén szemlélteti az alacsony kulcsú stílust, mint pl Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), káposztalevél (1931); Brassa Main ‘ S Filles de joie, Quartier Italie (1932); Bresson Nehru bejelenti Gandhi halálát (1948). 1944-ben Robert Capa természetes fényben fényképezi Picassót, amely csak az arcának jobb felét emeli ki, a bal oldalt árnyékban hagyva.
Irving Penn (1917-2009) több visszafogott képet készített Miles Davis amerikai jazz-trombitásról és zeneszerzőről.
a posztmodern fotósok közül az ausztrál Bill Henson ellentmondásos aktokat fényképez alacsony kulcsban, Elad David főleg férfi aktokkal dolgozik, és néhányukban csak a fiatal férfiak mellszobra-fej nélkül – van kiemelve, minden mást koromsötétben hagyva. Egy másik művész, aki a világ számos kiállításán kiállított alacsony kulcsú fotók sorozatát készítette, Juha Arvid Helminen Finn fotós. Sorozatának a láthatatlan Birodalmat nevezte el, és a fekete szín által kínált pajzsra utal, mint egy maszk aközött, akik valójában vagyunk, és ahogyan a társadalom érzékel minket.