ルネサンスとバロックの画家は、しばしばsfumato、chiaroscuro、そして後のtenebrosoの絵画モードを使用して、絵画に三次元の印象を与えるだけでなく、劇的な雰囲気
ピクトリアリズム運動の人気の低下の後、写真モダニズムの新しいスタイルが流行し、国民の関心はより鋭く焦点を当てた画像にシフトしました。 エドワード-スタイケン、イモージェン-カニンガム、エドワード-ウェストンは、控えめな写真の先駆者と考えられている最初の写真家の一人であった。 J.P.モーガンのSteichenの肖像画（1903年）、Pastoral–Moonlight（1907年）、Camera Work No.20、Cunningham’s Succulent（1920年）、Weston’S Pepper No.30（1930年）に掲載されたものは、最も初期の控えめな写真と考えられています。
アートでは、ブラックは19世紀の間に失っていた領土の一部を取り戻しました。 ロシアの画家Kasimir Malevich、Suprematist運動のメンバーは、1915年に黒の広場を作成し、広く最初の純粋に抽象的な絵画と考えられています。 彼は書いた、”描かれた作品は、もはや単に現実の模倣ではなく、これはまさに現実です。.. それは能力のデモンストレーションではなく、アイデアの具体化です。
光と影の間の拮抗作用は、その性質にかかわらず、視覚画像の基本原則である。 レオナルド-ダ-ヴィンチはsfumato技術を開拓したので、彼は彼の絵画のいくつかの明るい領域から暗い領域への移行を柔らかくすることができました。 絵画についての彼のノートでは、彼は光と影が”線や境界線なしで、煙のように、または焦点面を超えて”混在するべきであることを強調しています。 Sfumatoは、通常、このように不要な鋭い輪郭を排除し、暗いから光に緩やかなトーンスペクトルを作成するために多くの半透明の層を使用して意味します。 この技法は、モナ-リザ（1503年-1506年、パリ-ルーヴル美術館）で強調されている。
一方、明暗法、別の油絵の技術は、多くの場合、劇的な効果に、三次元フォームをモデル化するために、光と闇の間の強い色調のコントラストを使用しています。 古代ギリシャでは”skiagraphia”または”shadow-painting”として知られている明暗の三次元影の最初の使用は、伝統的に紀元前5世紀のアテナイの画家、Apollodorus（De Gloria Atheniensum、Plutarch）に起因しています。
レオナルド-ダ-ヴィンチは、彼の岩の処女（1483-1486、ルーヴル美術館、パリ）を通じて、深さの錯覚を作成するために明暗法の使用に影響を与えました。 ルネサンスでは、この技術は、キリストの光を見たと主張したスウェーデンのブリジットのビジョンに従ったすべての”宗教的な”画家にとって不可欠 宗教的なシーンを持つ絵画では、ルネッサンスの芸術家は、明暗法の技術に大きく依存して、照明の支配的な源としてこの聖なる光を再割り当てしました。 この構成的アプローチは、ティントレットの最後の晩餐（1592年-1594年）で広く使用されている。 ルネサンスの宗教的な明暗法が静かで穏やかな場面を作り出すのに役立った場合、カラヴァッジョ、バリオーネ、ヴェロネーゼ、ジョルジュ-ド-ラ-トゥールなどの画家は、このスタイルを劇的な効果のために使用する傾向があった。
バロックでは、絵画は劇的な効果のために影の使用に大きく依存していました。 カラヴァッジョはtenebrismと呼ばれる彼の方法で、その最大の程度に劇的な照明を達成している–カラヴァッジョの名の下にヨーロッパに広がっている技術。 アダム-エルスハイマーの作品は、明暗法とテネブリズムの間の転換点でした。
一見すると、テネブリズムの絵画は、強力な明暗法効果を使用したものと非常によく似ています。 ただし、2つのスタイルには違いがあります: 明暗法は特にオブジェクトにボリュームの錯覚を与えるために使用されるシェーディング技術であり、テネブリズムは非常に暗い影を使用する組成技術であり、絵画の一部の領域は暗く（時には黒）保存され、関心のある領域は一つまたは二つだけ強く照らされることができる。同時に、光から暗闇への移行は緩やかではない。 このスタイルは純粋に劇的な効果（したがって”劇的な照明”という用語）のために使用され、三次元の錯覚を作成しようとすることには関与していませ
このスタイルは、バロックの多くの否定的な批判の犠牲となっており、批評家はこの方法を使って絵画の間違いを”隠す”ことを芸術家に非難している。 まず、最も根本的な方法で新しい芸術的スタイルに近づいたカラヴァッジョの芸術が目的とされました。 カラヴァッジョのように、レンブラントは同様に色合いの絵に彼の欠陥を隠して非難されました。
テネブリズムは、暗闇に象徴的で象徴的な肯定的な価値を与え、新しい美学を作り出しました。 それは後者の栄光と威厳を調整したので、暗闇は光に相当しました。 光と闇のシンボルは、Tintoretto、Caravaggio、Georges de La Tour、Rembrandtの作品で表現されました。
最も著名な肖像画家の一人であるカナダのYousuf Karsh（1908-2002）の写真では、光は顔の輪郭を描くだけで、多かれ少なかれ激しく強調するかもしれませんが、芸術的な見地からは、光は主な被写体と一緒にシーンで二次的な役割を果たします。 彼の肖像画は、黒の大きな領域が含まれており、被験者はその無彩色の中のスポットのように表示されます。 何も肖像画にほとんど神秘的なオーラを与える強調表示されている彼の主題の顔の領域と競合しません。
このように、エコノミストによると、”写真の歴史の中で最も再現された肖像画”であり、”これまでに撮影された最も象徴的な肖像画”の一つとして記載されているウィンストン-チャーチルの肖像画では、彼の顔だけが強調され、彼の頭は別の非常に低い光源によって輪郭が描かれている。; ジャン-シベリウスの肖像画では、光はさらに減少し、顔の半分は暗がりにあり、ポリー-トンプソンのヘレン-ケラーでは、両方の被験者は黒で服を着ており、背景も完全に黒であるため、写真は剥離、溶解の印象を与え、ジャスパー-ジョンズは黒い海から出てくるようであり、フランスの作家フランソワ-モーリアックの肖像画は、黒の背景に現れるほぼ抽象化された線のみである。
黒と白の強いコントラストと、古典的な肖像画を克服するためにこのコントラストを使用することは、これらすべての肖像画の特徴であり、いわゆる” Yousuf Karshは、タイム誌によって”20世紀の偉大な肖像写真家の一人”と呼ばれ、最も効率的な方法で控えめな写真スタイルを採用した現代アーティストの一人であると考えられている。
黒の色合いの写真を扱う他の注目すべき例には、ポール*ストランドのブラインド（1916）、被写体が意図的に画像の悲観的な雰囲気を作成するためにシャドーされ、”ブラインド”記号が点灯している、アンセル*アダムスのMt。 エドワード-ウェストンの写真のいくつかは、ノーチラス（1930年）、ペッパー第30号（1930年）、キャベツの葉（1931年）、ブラッサイのFilles de joie、Quartier Italie（1932年）など、控えめなスタイルの例示でもある。; ブレッソンのネルーは、ガンジーの死を発表します,(1948). 1944年、ロバート-キャパは、顔の右半分だけを強調し、左のものを日陰に残して、自然光の中でピカソの写真を撮ります。
アーヴィング-ペン（1917年-2009年）は、アメリカのジャズ-トランペッターで作曲家のマイルス-デイヴィスのいくつかの控えめな写真を撮った。
ポストモダニズムの写真家の中で、オーストラリアのビル-ヘンソンは議論の余地のあるヌードを控えめに撮影しており、Elad Davidは主に男性のヌードで動作し、そのうちのいくつかは若い男性の頭のない胸像だけが強調され、他のすべてが真っ黒になっている。 世界中の数多くの展覧会に展示されている一連の控えめな写真を作成したもう一つのアーティストは、フィンランドの写真家Juha Arvid Helminenです。 彼は彼のシリーズを目に見えない帝国と命名し、私たちが本当に誰であるかと社会が私たちを知覚する方法の間のマスクのように、黒い色が提供する