Renesanční a Barokní malíři často používají sfumato, šerosvit a později tenebroso obraz módy, a to nejen dát třídimenzionální dojem v jejich obrazy, ale také k dosažení dramatické atmosféry.
Po poklesu popularity Piktorialismus pohybu, nový styl fotografické Moderny přišel do módy, a zájem veřejnosti posunul k více ostře zaměřené snímky. Edward Steichen, Imogen Cunningham a Edward Weston byli mezi prvními fotografy považována za průkopníky low-key fotografie. Steichen je portrét J. P. Morgan (1903), Pastorační – měsíční Svit (1907), publikoval v Camera Work No. 20, Cunningham je Sukulentní (1920) a Weston Paprika Č. 30 (1930), jsou považovány za nejstarší low-key fotografie.
v umění získal černý zpět část území, které ztratil během 19. století. Ruský malíř Kasimir Malevič, člen Suprematist hnutí, vytvořil Černý Čtverec v roce 1915, je široce považován za první čistě abstraktní malby. Napsal: „malované dílo již není jen napodobováním reality, ale je to právě tato realita … Není to demonstrace schopností, ale zhmotnění myšlenky.“
PaintingEdit
nepřátelství mezi světlem a stínem je základní princip vizuální obraz, bez ohledu na jeho povahu. Leonardo da Vinci propagoval techniku sfumato, aby mohl v některých svých obrazech zmírnit přechod ze světlejších oblastí na tmavší. Ve svých poznámkách o malbě zdůrazňuje, že světlo a stín by se měly prolínat „bez linií nebo hranic, způsobem kouře nebo za rovinou zaostření“. Sfumato obvykle znamená použití mnoha průsvitných vrstev k vytvoření postupného tónového spektra od tmy ke světlu, čímž se eliminují nežádoucí ostré obrysy. Tato technika je zdůrazněna v Mona Lisa (1503-1506, Musée du Louvre, Paříž).
Na druhou stranu, šerosvit, další olejomalba technika, používá silný tonální kontrasty mezi světlem a tmou, aby model tří-dimenzionální formy, často dramatický efekt. První použití světlo-tma tří-dimenzionální stíny – známý jako „skiagraphia“ nebo „stínový obraz“ ve Starověkém Řecku – je tradičně připisována Athénský malíř z pátého století před naším LETOPOČTEM, Apollodorus (v De Gloria Atheniensum, Plútarchos).
Leonardo da Vinci, přes jeho Panenské Skály (1483-1486, Louvre, Paříž), vliv použití šerosvitu vytvořit iluzi hloubky; nicméně, termín je nejvíce často spojován s prací vytvořil v Manýrismu a Baroka. V renesanci se tato technika stala nezbytnou pro všechny“ náboženské “ malíře, kteří následovali vize Bridget ze Švédska, kteří tvrdili, že viděli Kristovo světlo. V obrazech s náboženskými scénami renesanční umělci přeřadili toto svaté světlo jako převládající zdroj osvětlení a spoléhali se na techniku šerosvitu. Tento kompoziční přístup byl široce používán v poslední večeři Tintoretta (1592-1594). Pokud náboženské šerosvitu Renesance, slouží k vytvoření tiché a klidné scény, malíři jako Caravaggio, Baglione, Veronese, a Georgese de La Tour, měl tendence používat tento styl pro dramatický efekt.
v baroku se malba silně spoléhala na použití stínů pro jejich dramatický efekt. Caravaggio dosáhl dramatického osvětlení v největší míře svou metodou zvanou tenebrism-technikou, která se rozšířila do Evropy pod názvem caravaggism. Práce Adama Elsheimera byly zlomem mezi šerosvitem a tenebrismem.
na první pohled by obraz tenebrismu mohl vypadat velmi podobně jako ten, který používá silné efekty šerosvitu. Existuje však rozdíl mezi těmito dvěma styly: šerosvit je stínící technika používaná zejména, aby objekty iluzi objemu, zatímco tenebrism je kompoziční technika, která používá velmi temné stíny, v kterém některé oblasti obrazu jsou zachovány temně (někdy černá), což umožňuje pouze jednu nebo dvě oblasti zájmu být silně osvětlené; ve stejné době, přechod ze světla do tmy není postupný. Styl byl použit pro čistě dramatický efekt (odtud termín „dramatické osvětlení“) a nebylo zapojeno do snahy vytvořit iluzi trojrozměrnosti.
tento styl se stal obětí mnoha negativních kritik v baroku, kritici obviňují umělce z použití této metody k „skrytí“ chyb obrazů. Nejprve bylo zaměřeno Caravaggiovo umění, které se nejradikálnějším způsobem přiblížilo novému uměleckému stylu. Stejně jako Caravaggio, i Rembrandt byl obviněn, že skrýval své vady v malbě odstínů.
Tenebrismus dal temnotě pozitivní hodnotu, ikonickou i symbolickou, a vytvořil tak novou estetiku. Tma byla rovnocenná světlu, protože podmíňovala slávu a majestátnost druhého. Symboly světla a tmy byly vyjádřeny v dílech Tintoretta, Caravaggia, Georgese de La Tour a Rembrandta.
PhotographyEdit
na fotografie z jednoho z nejvýznamnějších portrétistů, Kanadské Yousuf Karsh (1908-2002), světlo pouze obrysy obličeje; to může zvýraznit více nebo méně intenzivně, ale z uměleckého hlediska, světlo hraje vedlejší roli ve scéně spolu s hlavním předmětem. Jeho portréty obsahují velké plochy černé a předmět se jeví jako místo v této achromatické nicotě. Nic nekonkuruje zvýrazněným oblastem tváří jeho poddaných, což dává portrétům téměř mystickou auru.
Tak, v portrét Winstona Churchilla, který podle Ekonoma je „nejvíce reprodukované portrét v historii fotografie“ a byl popsán jako jeden z nejvíce „kultovní portréty někdy shot“, jen jeho obličej je zvýrazněn, zatímco jeho hlava je nastínil další, velmi nízký zdroj světla, přicházející od zadní; v portrétu Jean Sibelius, světlo je snížena ještě více, s polovinou obličeje, že v šeru; v Helen Keller s Polly Thompson, oba předměty jsou oblečeni v černé a pozadí je také úplně černé, takže fotografie dává představu o odtržení, rozpuštění; Jasper Johns zdá se vynoří z černé oceánu; portrét francouzský spisovatel François Mauriac je pouze tvarovaný z semi-profil, jen téměř-abstrahované linii se objevují na černém pozadí.
silný kontrast mezi černou a bílou a použít tento rozdíl překonat klasické portréty, je charakteristické pro všechny tyto portréty, čímž se vytváří dramatická, záhadná, mystická atmosféra, hojně využívají tzv. „aktivní černé“. Júsuf Karsh je považován za jednoho ze současných umělců, kteří nejefektivněji přijímají nenápadný fotografický styl, časopis Time jej nazývá „jedním z velkých portrétních fotografů 20.století“.
Další pozoruhodné příklady, které se zabývají černé odstíny fotografie patří Paul Strand je Slepý (1916), kde předmětem je záměrně ve stínu, s cílem vytvořit ponurou atmosféru snímku, a „Slepý“ znamení svítí; Ansel Adams je Mt. Moran, Teton, Národní Park, přírodní světlo dopadá pouze na vrcholu hory, zatímco zbytek fotografie je směs tmavě šedé tóny; některé z Edwarda Westona fotografie jsou také názorné low-key stylu, jako je Nautilus (1930), Paprika Č. 30 (1930), Zelí List (1931); Brassaï je Filles de joie, Quartier Du (1932); Bressonova Nehru oznamuje Gándhího smrt (1948). V roce 1944 Robert Capa fotografuje Picassa v přirozeném světle, které zvýrazňuje pouze pravou polovinu obličeje a ponechává levou ve stínu.
Irving Penn (1917-2009) pořídil několik nenápadných fotografií amerického jazzového trumpetisty a skladatele Milese Davise.
Mezi postmoderní fotografy, Australský Bill Henson fotografie kontroverzní nahotinky v low-key, Elad David pracuje převážně s mužskými akty a v některých z nich pouze busty – bez hlavy – mladých mužů, je zvýrazněna, takže všechno ostatní v pitch black. Dalším umělcem, který vytvořil sérii low-key fotografie vystavoval na mnoha výstavách po celém světě, je finský fotograf Juha Arvid Helminen. Svou sérii pojmenoval The Invisible Empire, a odkazuje na štít, který Černá Barva nabízí, jako maska mezi tím, kým skutečně jsme, a způsobem, jakým nás společnost vnímá.