renæssance-og Barokmalere har ofte brugt sfumato, chiaroscuro og senere tenebroso-malingstilstandene ikke kun for at give et tridimensionelt indtryk i deres malerier, men også for at opnå en dramatisk atmosfære.
efter faldet i Billedbevægelsens popularitet kom den nye stil af fotografisk modernisme ind i mode, og offentlighedens interesse skiftede til mere skarpt fokuserede billeder. Eduard Steichen, Imogen Cunningham og Eduard veston var blandt de første fotografer, der blev betragtet som pionerer inden for lavmælt fotografering. Steichens portræt af J. P. Morgan (1903), Pastoral – Moonlight (1907), offentliggjort i Kameraværk nr.20, Cunninghams saftige (1920) og Vestons peber nr. 30 (1930) betragtes som de tidligste lavmælt fotografier.
i kunst genvandt sort noget af det område, det havde mistet i det 19.århundrede. Den russiske maler Kasimir Malevich, medlem af den Suprematistiske bevægelse, skabte den sorte firkant i 1915, betragtes bredt som det første rent abstrakte maleri. Han skrev: “det malede værk er ikke længere blot efterligning af virkeligheden, men er netop denne virkelighed … Det er ikke en demonstration af evnen, men materialiseringen af en ide.”
Malerirediger
antagonismen mellem lys og skygge er et grundlæggende princip for et visuelt billede, uanset dets natur. Leonardo da Vinci var banebrydende for sfumato-teknikken, så han kunne blødgøre overgangen fra lysere områder til mørkere i nogle af hans malerier. I sine noter om maleri fremhæver han, at lys og skygge skal blandes “uden linjer eller grænser, som røg eller ud over fokusplanet”. Sfumato indebærer normalt at bruge mange gennemskinnelige lag til at skabe et gradvist tonespektrum fra mørkt til lys, hvilket eliminerer de uønskede skarpe konturer. Teknikken fremhæves i Mona Lisa (1503-1506, Musriste du Louvre, Paris).
på den anden side bruger chiaroscuro, en anden oliemaleriteknik, stærke tonale kontraster mellem lys og mørk til at modellere tredimensionelle former, ofte med dramatisk effekt. Den første brug af lys-mørke tredimensionelle skygger-kendt som “skiagraphia” eller “skygge – maleri” i det antikke Grækenland-tilskrives traditionelt den athenske maler fra det femte århundrede f.kr., Apollodorus (i De Gloria Atheniensum, Plutarch).
Leonardo Da Vinci, gennem sin jomfru af klipperne (1483-1486, Louvre, Paris), påvirkede brugen af chiaroscuro for at skabe illusionen om dybde; imidlertid er udtrykket oftest forbundet med værkerne skabt i Manierisme og barok. I renæssancen blev teknikken vigtig for alle” religiøse ” malere, der fulgte visionerne fra Bridget fra Sverige, der hævdede at have set Kristi lys. I malerierne med religiøse scener tildelte renæssancens kunstnere dette hellige lys som den dominerende belysningskilde og stod stærkt på chiaroscuro-teknikken. Denne kompositionsmetode er blevet brugt i vid udstrækning i Tintorettos Sidste Nadver (1592-1594). Hvis renæssancens religiøse chiaroscuro tjente til at skabe stille og rolige scener, havde malere som Caravaggio, Baglione, Veronese og Georges De La Tour en tendens til at bruge denne stil til en dramatisk effekt.
i barok var maleriet stærkt afhængig af brugen af skygger for deres dramatiske virkning. Caravaggio har opnået den dramatiske belysning i størst omfang med sin metode kaldet tenebrism – en teknik, der har spredt sig til Europa under navnet caravaggism. Adam Elsheimers værker var et vendepunkt mellem chiaroscuro og tenebrism.
ved første øjekast kunne et tenebrismemaleri se meget ud som det, der bruger kraftige chiaroscuro-effekter. Der er dog forskel på de to stilarter: chiaroscuro er en skyggeteknik, der især bruges til at give objekter illusionen af volumen, mens tenebrisme er en kompositionsteknik, der bruger meget mørke skygger, hvor nogle områder af maleriet bevares mørkt (undertiden sort), hvilket kun tillader et eller to interesseområder at blive stærkt belyst; på samme tid er overgangen fra lys til mørk ikke gradvis. Stilen blev brugt til en rent dramatisk effekt (deraf udtrykket “dramatisk belysning”), og der var ingen involvering i at forsøge at skabe illusionen om tredimensionalitet.
denne stil har været offer for mange negative kritik i barokken, kritikere beskylder kunstnere for at bruge denne metode til at “skjule” maleriernes fejl. For det første var Caravaggios kunst, der nærmede sig den nye kunstneriske stil på den mest radikale måde, rettet mod. Ligesom Caravaggio blev Rembrandt også beskyldt for at skjule sine mangler i shades’ maleri.
Tenebrisme gav mørket en positiv værdi, både ikonisk og symbolsk, hvilket skabte en ny æstetik. Mørke svarede til lys, fordi det betingede sidstnævntes herlighed og majestæt. Symbolerne på lys og mørke blev udtrykt i værkerne Tintoretto, Caravaggio, Georges De La Tour og Rembrandt.
Fotografirediger
i fotografiet af en af de mest fremtrædende portrætmalere, den canadiske Yousuf Karsh (1908-2002), skitserer lyset kun ansigtet; det kan fremhæve det mere eller mindre intenst, men fra et kunstnerisk synspunkt spiller lys en sekundær rolle i scenen sammen med hovedfaget. Hans portrætter indeholder store områder af sort, og motivet fremstår som et sted i den akromatiske intethed. Intet konkurrerer med de områder af hans motivs ansigter, der fremhæves, hvilket giver portrætterne en næsten mystisk aura.
i portrættet af Churchill, som ifølge The Economist er det” mest gengivne portræt i fotograferingshistorien “og er blevet beskrevet som et af de ” mest ikoniske portrætter, der nogensinde er skudt”, fremhæves kun hans ansigt, mens hans hoved er skitseret af en anden, meget lav lyskilde, der kommer bagfra; i portrættet af Jean Sibelius reduceres lyset endnu mere, med halvdelen af ansigtet i dysterhed; i Helen Keller med Polly Thompson er begge motiver klædt i sort, og baggrunden er også helt sort, så fotografiet giver et indtryk af løsrivelse, opløsning; Jasper Johns ser ud til at dukke op fra et sort hav; portrættet af den franske forfatter Franrios Mauriac er kun kontureret fra halvprofil, kun en næsten abstraheret linje vises på den sorte baggrund.
den stærke kontrast mellem sort og hvid og brugen af denne kontrast til at overvinde klassiske portrætter er karakteristisk for alle disse portrætter og skaber således en dramatisk, gådefuld, mystisk atmosfære, der rigeligt bruger den såkaldte “aktive sorte”. Yousuf Karsh anses for at være en af de samtidskunstnere, der vedtager den lavmælt fotografiske stil på den mest effektive måde og kaldes “en af det 20.århundredes store portrætfotografer” af tidsskriftet Time.
andre bemærkelsesværdige eksempler, der beskæftiger sig med fotografering af sorte nuancer, inkluderer Paul Strands Blind (1916), hvor motivet bevidst skygges for at skabe billedets dystre atmosfære, og det “blinde” tegn lyser; Ansel Adams Mt. Moran, Teton National Park, naturligt lys falder kun på toppen af bjerget, mens resten af billedet er en blanding af mørkegrå toner; nogle af Edvard Vestons fotografier er også illustrative af lavmælt stil, såsom Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), kålblad (1931); Brassa Kross Filles de joie, kvartaler Italie (1932); Bressons Nehru annoncerer Gandhis død, (1948). I 1944 tager Robert Capa fotos af Picasso i naturligt lys, der kun fremhæver den højre halvdel af hans ansigt og efterlader den venstre i skyggen.
Irving Penn (1917-2009) tog adskillige lavmælt fotografier af den amerikanske trompetist og komponist Miles Davis.
blandt postmodernistiske fotografer fotograferer den australske Bill Henson kontroversielle nøgenbilleder i lavmælt, Elad David arbejder hovedsageligt med mandlige nøgenbilleder, og i nogle af dem fremhæves kun busterne-intet hoved – af unge mænd og efterlader alt andet i kulsort. En anden kunstner, der skabte en række lavmælt fotos udstillet i adskillige udstillinger rundt om i verden, er den finske fotograf Juha Arvid Helminen. Han kaldte sin serie The Invisible Empire, og henviser til det skjold, som sort farve tilbyder, som en maske mellem, hvem vi virkelig er, og den måde, samfundet opfatter os på.