Maler der Renaissance und des Barock haben oft die Malmodi Sfumato, Helldunkel und später Tenebroso verwendet, um ihren Gemälden nicht nur einen dreidimensionalen Eindruck zu vermitteln, sondern auch eine dramatische Atmosphäre zu erzielen.
Nach dem Rückgang der Popularität der Piktorialismus-Bewegung kam der neue Stil der fotografischen Moderne in Mode, und das Interesse der Öffentlichkeit verlagerte sich auf schärfer fokussierte Bilder. Edward Steichen, Imogen Cunningham und Edward Weston gehörten zu den ersten Fotografen, die als Pioniere der Low-Key-Fotografie galten. Steichens Porträt von J. P. Morgan (1903), Pastoral – Moonlight (1907), veröffentlicht in Camera Work No. 20, Cunninghams Succulent (1920) und Westons Pepper No. 30 (1930) gelten als die frühesten zurückhaltenden Fotografien.
In der Kunst gewann Schwarz einen Teil des Territoriums zurück, das es im 19. Der russische Maler Kasimir Malewitsch, ein Mitglied der suprematistischen Bewegung, schuf 1915 das Schwarze Quadrat und gilt weithin als das erste rein abstrakte Gemälde. Er schrieb: „Das gemalte Werk ist nicht mehr nur die Nachahmung der Realität, sondern genau diese Realität … Es ist keine Demonstration von Fähigkeiten, sondern die Materialisierung einer Idee.“
Malereibearbeiten
Der Antagonismus zwischen Licht und Schatten ist ein Grundprinzip eines visuellen Bildes, unabhängig von seiner Natur. Leonardo da Vinci war Pionier der Sfumato-Technik, um den Übergang von helleren zu dunkleren Bereichen in einigen seiner Gemälde zu mildern. In seinen Notizen zur Malerei betont er, dass sich Licht und Schatten „ohne Linien oder Grenzen, in der Art von Rauch oder jenseits der Fokusebene“ vermischen sollten. Sfumato impliziert normalerweise die Verwendung vieler durchscheinender Schichten, um ein allmähliches Tonspektrum von dunkel nach hell zu erzeugen, wodurch die unerwünschten scharfen Konturen beseitigt werden. Die Technik wird in der Mona Lisa (1503-1506, Musée du Louvre, Paris) betont.
Auf der anderen Seite verwendet Chiaroscuro, eine andere Ölgemälde-Technik, starke tonale Kontraste zwischen Hell und Dunkel, um dreidimensionale Formen zu modellieren, oft mit dramatischer Wirkung. Die erste Verwendung von hell-Dunkel-dreidimensionalen Schatten – im antiken Griechenland als „Skiagraphia“ oder „Schattenmalerei“ bekannt – wird traditionell dem athener Maler des fünften Jahrhunderts v. Chr.
Leonardo da Vinci beeinflusste durch seine Jungfrau der Felsen (1483-1486, Louvre, Paris) die Verwendung von Helldunkel, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen; Der Begriff wird jedoch am häufigsten mit den im Manierismus und Barock geschaffenen Werken in Verbindung gebracht. In der Renaissance wurde die Technik für alle „religiösen“ Maler unverzichtbar, die den Visionen von Bridget von Schweden folgten, die behaupteten, das Licht Christi gesehen zu haben. In den Gemälden mit religiösen Szenen haben die Renaissancekünstler dieses heilige Licht als vorherrschende Beleuchtungsquelle neu zugewiesen und sich dabei stark auf die Helldunkel-Technik verlassen. Dieser kompositorische Ansatz wurde in Tintorettos letztem Abendmahl (1592-1594) ausgiebig verwendet. Wenn das religiöse Helldunkel der Renaissance dazu diente, ruhige und ruhige Szenen zu schaffen, neigten Maler wie Caravaggio, Baglione, Veronese und Georges de La Tour dazu, diesen Stil für einen dramatischen Effekt zu verwenden.
Im Barock stützte sich die Malerei stark auf die Verwendung von Schatten für ihre dramatische Wirkung. Caravaggio hat die dramatische Beleuchtung in größtem Umfang mit seiner Methode namens Tenebrismus erreicht – eine Technik, die sich unter dem Namen Caravaggismus nach Europa ausgebreitet hat. Die Werke von Adam Elsheimer waren ein Wendepunkt zwischen Helldunkel und Tenebrismus.
Auf den ersten Blick könnte ein Tenebrismus-Gemälde dem mit starken Helldunkeleffekten sehr ähnlich sehen. Es gibt jedoch einen Unterschied zwischen den beiden Stilen: helldunkel ist eine Schattierungstechnik, die insbesondere verwendet wird, um Objekten die Illusion von Volumen zu verleihen, während Tenebrismus eine Kompositionstechnik ist, die sehr dunkle Schatten verwendet, bei denen einige Bereiche des Gemäldes dunkel (manchmal schwarz) erhalten bleiben, so dass nur ein oder zwei Bereiche von Interesse stark beleuchtet werden können; Gleichzeitig ist der Übergang von hell zu dunkel nicht allmählich. Der Stil wurde für einen rein dramatischen Effekt verwendet (daher der Begriff „dramatische Beleuchtung“), und es wurde nicht versucht, die Illusion von Dreidimensionalität zu erzeugen.
Dieser Stil wurde im Barock vielfach negativ kritisiert, Kritiker beschuldigten Künstler, mit dieser Methode die Fehler der Gemälde zu „verbergen“. Zunächst wurde Caravaggios Kunst angestrebt, die sich dem neuen künstlerischen Stil auf radikalste Weise näherte. Wie Caravaggio wurde auch Rembrandt beschuldigt, seine Mängel in der Malerei der Schatten versteckt zu haben.
Der Tenebrismus gab der Dunkelheit einen positiven Wert, sowohl ikonisch als auch symbolisch, und schuf so eine neue Ästhetik. Dunkelheit war gleichbedeutend mit Licht, weil sie die Herrlichkeit und Majestät des letzteren bedingte. Die Symbole von Licht und Dunkelheit drückten sich in den Werken von Tintoretto, Caravaggio, Georges de La Tour und Rembrandt aus.
Fotografiebearbeiten
In der Fotografie eines der prominentesten Porträtisten, des Kanadiers Yousuf Karsh (1908-2002), umreißt das Licht nur das Gesicht; Es kann es mehr oder weniger intensiv hervorheben, aber aus künstlerischer Sicht spielt das Licht neben dem Hauptmotiv eine untergeordnete Rolle in der Szene. Seine Porträts enthalten große Schwarzflächen, und das Motiv erscheint wie ein Fleck in diesem achromatischen Nichts. Nichts konkurriert mit der Hervorhebung der Gesichtsbereiche seiner Motive, was den Porträts eine fast mystische Aura verleiht.
So wird in dem Porträt von Winston Churchill, das laut The Economist das „am meisten reproduzierte Porträt in der Geschichte der Fotografie“ ist und als eines der „kultigsten Porträts aller Zeiten“ beschrieben wurde, nur sein Gesicht hervorgehoben, während sein Kopf von einer anderen, sehr schwachen Lichtquelle umrissen wird, die von der Rückseite des; im Porträt von Jean Sibelius ist das Licht noch mehr reduziert, die Hälfte des Gesichts ist düster; in Helen Keller mit Polly Thompson sind beide Motive schwarz gekleidet und auch der Hintergrund ist komplett schwarz, so dass die Fotografie einen Eindruck von Loslösung, Auflösung vermittelt; Jasper Johns scheint aus einem schwarzen Ozean herauszukommen; Das Porträt des französischen Schriftstellers François Mauriac ist nur aus Halbprofil konturiert, nur eine fast abstrahierte Linie erscheint auf dem schwarzen Hintergrund.
Der starke Kontrast zwischen Schwarz und Weiß und die Verwendung dieses Kontrasts zur Überwindung klassischer Porträts ist charakteristisch für alle diese Porträts und schafft so eine dramatische, rätselhafte, mystische Atmosphäre, die reichlich das sogenannte „aktive Schwarz“ nutzt. Yousuf Karsh gilt als einer der zeitgenössischen Künstler, die den zurückhaltenden fotografischen Stil auf effizienteste Weise übernehmen und vom Time Magazine als „einer der großen Porträtfotografen des 20.
Weitere bemerkenswerte Beispiele, die sich mit Schwarztonfotografie befassen, sind Paul Strands Blind (1916), bei dem das Motiv absichtlich abgeschattet wird, um die düstere Atmosphäre des Bildes zu erzeugen, und das „Blind“ -Zeichen leuchtet; Ansel Adams ‚Mt. Moran, Teton National Park, natürliches Licht fällt nur auf den Gipfel des Berges, während der Rest des Fotos eine Mischung aus dunklen Grautönen ist; Einige von Edward Westons Fotografien sind auch illustrativ für den zurückhaltenden Stil, wie Nautilus (1930), Pfeffer Nr. 30 (1930), Kohlblatt (1931); Brassaïs Filles de joie, Quartier Italie (1932); Bressons Nehru kündigt Gandhis Tod an (1948). 1944 fotografiert Robert Capa Picasso in natürlichem Licht, das nur die rechte Hälfte seines Gesichts hervorhebt und die linke im Schatten lässt.
Irving Penn (1917-2009) fotografierte den amerikanischen Jazztrompeter und Komponisten Miles Davis in mehreren zurückhaltenden Aufnahmen.
Unter den postmodernen Fotografen fotografiert der Australier Bill Henson kontroverse Akte in Low-Key, Elad David arbeitet hauptsächlich mit männlichen Akten und in einigen von ihnen werden nur die Büsten – kein Kopf – junger Männer hervorgehoben, alles andere bleibt pechschwarz. Ein weiterer Künstler, der eine Reihe von zurückhaltenden Fotos schuf, die in zahlreichen Ausstellungen auf der ganzen Welt ausgestellt wurden, ist der finnische Fotograf Juha Arvid Helminen. Er nannte seine Serie The Invisible Empire und bezieht sich auf den Schild, den die schwarze Farbe bietet, wie eine Maske zwischen dem, wer wir wirklich sind, und der Art und Weise, wie die Gesellschaft uns wahrnimmt.