L’importance de la forme : introduction aux études cinématographiques

Forme et contenu

Dans Qu’est-ce que les Études cinématographiques?, j’ai déclaré que les films ont une forme, et fait la distinction entre le contenu (le sujet d’un film) et la forme (comment le contenu est exprimé). Un moyen utile de clarifier la distinction consiste à considérer la différence entre un film dans lequel un vol a lieu et des images de surveillance d’un vol réel. Lorsque les gens (propriétaires de magasins, policiers, fans de télé-réalité, etc.) regardez des images de surveillance, ce qui les intéresse, c’est le contenu – le vol réel. Évidemment, la caméra de surveillance aura été placée dans une position privilégiée afin de voir ce qui se passe – il serait stupide, par exemple, de la pointer vers un mur ou de la placer à un angle si bas pour ne capturer que les jambes des gens – cependant, une fois ces choix limités effectués, la caméra est, pour ainsi dire, laissée à elle-même. En tant que tel, lorsque nous regardons les images d’un crime, ce que nous voyons est un plan d’un point de vue unique, joué en temps réel. Les images auront été couronnées de succès si elles nous permettent d’identifier les voleurs, infructueuses si ce n’est pas le cas. Bien que nous puissions ressentir une certaine excitation en regardant de telles images, cela viendra de la connaissance que nous regardons un véritable crime se dérouler, plutôt que de l’utilisation de toute technique formelle.

En revanche, si vous regardez un vol se dérouler dans un film, le contenu sera médiatisé par une variété d’éléments formels, choisis par le cinéaste pour susciter un effet particulier chez le spectateur. Par exemple, le cinéaste peut entrecouper le vol avec des flashbacks ou peut utiliser des recoupements afin de transmettre des informations supplémentaires. Nous savons peut-être dès le départ que le vol est voué à l’échec ou que nous ne savons pas ce qui va se passer. Une star majeure peut être choisie comme le voleur ou le détective sur son affaire. L’action sera tournée sous plusieurs angles différents, nous fournissant des points de vue particuliers. Potentiellement des centaines de plans, de longueurs différentes, seront utilisés pour établir le rythme de la scène. Le son, que ce soit des coups de feu cacophoniques ou une partition musicale, sera utilisé pour nous impliquer dans l’action ou accentuer la tension. En tant que tel, ce qui distingue un film de la simple séquence est l’application de principes formels, à la fois narratifs et stylistiques. Le cinéaste a beaucoup de choix à faire en termes de narration, de mise en scène, de cinématographie, de son et de montage du film. La façon dont ces différents éléments se rapportent et les motifs qu’ils créent sont connus sous le nom de forme du film, ce qui peut avoir un impact massif sur les attentes, les sentiments et la signification du film du spectateur.

Forme et attente

La nature de la forme du film nous amène à espérer qu’un modèle existe entre les différents éléments formels. En tant que tel, nous sommes pris dans le désir de développer et de compléter ce modèle. Nous formons des attentes sur ce qui va se passer ensuite, et la curiosité nous amène à former des attentes sur ce qui s’est passé dans le passé. Les films qui le font expliquent particulièrement bien le phénomène de se retrouver  » attiré » ou « accroché » après seulement quelques minutes, alors qu’il avait potentiellement déjà vu le film auparavant. Une fois que nous nous sommes engagés avec le film, le cinéaste peut choisir de satisfaire ou de tromper nos attentes: lorsqu’un résultat attendu est retardé, nous éprouvons du suspense; lorsqu’une attente est trompée, nous éprouvons de la surprise.

Forme et convention

Nos attentes ne sont pas seulement dérivées des indices d’un film, mais aussi de nos expériences antérieures. De telles conventions peuvent résulter de notre expérience de la vie en général, des films que nous avons vus ou d’autres œuvres d’art. Par exemple, la raison pour laquelle nous nous attendons à ce que Dorothy retrouve le chemin du retour dans Le Magicien d’Oz (Fleming, 1939) peut être due au fait que nous avons nous-mêmes voyagé, lu L’Odyssée d’Homère ou vu E.T.: L’Extra-terrestre (Spielberg, 1982). Si, par exemple, E.T. s’était terminé avec la mort de l’extraterrestre éponyme ou si Dorothy était restée à Oz pour toujours, nous aurions peut-être été surpris, et nous aurions même pu nous sentir trompés. Certains films rompent cependant les conventions plutôt que de les renforcer. En de telles occasions, ces films peuvent créer de nouvelles conventions qui répondent ensuite aux attentes futures.

Forme et émotion

Le fait que nous ayons des attentes nous amène souvent à faire un investissement émotionnel dans un film. Tant les émotions représentées dans un film que la réponse émotionnelle ressentie par un spectateur sont importantes dans notre expérience du cinéma. Souvent, les émotions représentées dans le film provoquent une réponse identique chez le spectateur. Par exemple, l’extase du héros sportif d’atteindre son objectif peut nous amener à nous sentir extatiques ou joyeux, tandis que l’horreur de la baby-sitter d’apprendre que quelqu’un d’autre est dans la maison nous fera probablement peur. Cependant, ce n’est pas toujours le cas. Notre réponse émotionnelle à un film dépendra à la fois de la façon dont les émotions représentées dans le film sont liées à d’autres éléments, ainsi que de nos attentes, qui sont guidées à la fois par des indices au sein du film et des conventions. Par exemple, la douleur exprimée par la grimace sur le visage du méchant peut conduire à une émotion de satisfaction car notre attente que « le méchant l’obtiendra » est satisfaite, ou notre expérience des conventions de la comédie peut nous inciter à réagir en riant à une situation que, dans la vraie vie, nous ne voudrions pas. La façon dont les émotions sont représentées à l’écran et notre réponse émotionnelle à celles-ci ont des implications formelles.

Forme et signification

En tant que spectateurs actifs et intelligents, nous cherchons du sens dans les films. Une telle signification peut être de deux types principaux: la signification explicite et implicite. Dire qu’un sens est implicite, c’est dire qu’il se trouve sous la surface. C’est le sens le plus naturel du terme « sens »: c’est une interprétation, une connexion ou une inférence que nous faisons sur la base de ce que nous voyons. Ce que nous voyons à la surface est le sens explicite du film et est probablement plus assimilé à un résumé de l’intrigue ou à une description de base. Ce n’est que lorsque nous plongeons en dessous, lorsque nous regardons activement, que nous voyons ce qui est implicite – le sens plus profond. En tant que tel, dans Le Magicien d’Oz, le sens explicite implique celui d’une fille qui rêve de quitter la maison pour se rendre compte qu’il n’y a pas d’endroit comme chez elle; implicitement, cependant, le sens peut être plus lié au passage de l’enfance à l’âge adulte ou peut trahir les préoccupations politiques et économiques de l’époque. De même, nous pourrions voir Hidden (2005) de Haneke comme un examen explicite de la culpabilité d’un homme ou comme la découverte implicite d’incidents peu recommandables dans l’histoire française. Quelle que soit la signification supposée implicite d’un film, il faut être certain de le lier à la composition formelle du film, sinon cela ne reste que supposition. Il se peut bien que même le cinéaste lui-même ignore le sens implicite à un certain niveau: le film trahit peut-être des problèmes personnels inconscients ou des préjugés culturels.

Forme et évaluation

Certaines personnes évalueront les films sur la base de leur réalisme, ou sur des critères moraux, ou même sur la base de leur seule histoire. C’est pourquoi nous pouvons trouver beaucoup de différences d’opinion en ce qui concerne la valeur d’un film particulier. Il existe cependant des critères standard qui, lorsqu’ils sont appliqués au film dans son ensemble, permettent un certain degré d’objectivité dans l’évaluation d’un film. Ainsi, on peut considérer un film en termes de cohérence ou d’unité; l’intensité de l’effet qu’il suscite; on peut considérer sa complexité ; ou son originalité. Le but de l’évaluation n’est pas simplement de « noter » les films mais plutôt de nous inciter à les reconnaître comme des constructions, parfaites ou imparfaites, originales ou génériques. Une telle évaluation devrait, à son tour, éclairer notre compréhension et notre appréciation du film.

Principes de la forme du film

Un moyen utile de mieux comprendre la forme du film et d’identifier les éléments et les modèles formels dans un film particulier est de considérer certains principes généraux, qui pourraient s’appliquer au système formel d’un film. Ces principes, cependant, ne sont pas des règles strictes auxquelles les cinéastes doivent se conformer, mais plutôt une question de convention. Ce sont: la fonction; la similitude et la répétition; la différence et la variation; le développement et; l’unité ou la désunion. Considérons-les à leur tour.

Fonction : Tout d’abord, de tout élément d’un film, on peut se demander Quelle est sa fonction ? Que fait l’élément? Les éléments narratifs et stylistiques ont des fonctions, qui sont presque toujours multiples: c’est-à-dire que chaque élément peut faire beaucoup de choses. Une façon de remarquer les fonctions d’un élément est de considérer la motivation de l’élément. La motivation ne doit pas s’appliquer uniquement aux raisons des actions des personnages, mais à tout élément du film que le spectateur justifie d’une manière ou d’une autre. Par exemple, dans Le Magicien d’Oz, Toto motive la fuite de Dorothy de chez elle; le contraste entre le Kansas rural et Oz motive l’absence / présence de couleur; le mouvement de la méchante sorcière dans le ciel pourrait motiver un mouvement de caméra pour la maintenir dans le cadre.

Similitude et répétition: Deuxièmement, nous sommes habitués à des motifs réguliers mettant en scène la répétition dans la musique, la poésie, etc. La répétition est essentielle pour filmer de manière basique : par exemple, elle nous permet de reconnaître des personnages, des décors, etc. Cependant, nous reconnaissons également des répétitions plus subtiles à travers les films: lignes de dialogue, musique spécifique, positions de caméra, comportement des personnages, action de l’histoire, etc. Motif est le terme pour tout élément répété significatif dans un film, cela peut être: un objet; une couleur; un lieu; une personne; un son; un trait de caractère, ou; un mouvement de caméra. Par exemple, la chanson « We’re off to see the Wizard… » sert de motif dans Le Magicien d’Oz tandis que Scarface (Hawks, 1932) a un motif en « x » – les deux étant des éléments répétés dans chaque film respectif. Les cinéastes utilisent également la similitude pour nous inciter à comparer deux éléments distincts ou plus – c’est ce qu’on appelle le parallélisme. Les motifs peuvent aider à créer un parallélisme.

Différence et variation: Troisièmement, bien que la forme nécessite un arrière-plan stable basé sur la similitude et la répétition, il existe également une demande de variété, de contraste et de changement. Les motifs (scènes, décors, objets, dispositifs stylistiques) seront rarement répétés exactement de la même manière et, à ce titre, même les similitudes peuvent nous amener à repérer des variations. Nous pourrions, par exemple, penser que c’est seulement notre familiarité avec « Nous allons voir le Sorcier… » qui nous permet d’identifier les traits de chaque personnage à partir de leur propre variation de la chanson. Les différences entre les éléments peuvent même se transformer en opposition. Par exemple, l’opposition de couleurs dans Le Magicien d’Oz contraste Kansas avec Oz, Dorothy avec la méchante sorcière, etc. Tous les éléments d’un film peuvent jouer les uns contre les autres, de sorte que tout motif peut être opposé par un autre motif. Nous pourrions dire que la répétition et la variation sont les deux faces d’une même médaille – remarquer l’un, c’est remarquer l’autre – et nous devons rechercher à la fois des similitudes et des différences lorsque nous pensons au cinéma.

Développement : Quatrièmement, tous les films fonctionnent selon un principe de développement. Le développement dépend non seulement de la similitude et de la différence, mais aussi de la progression. Le développement formel est une progression qui se déplace du début du milieu à la fin. Ces schémas de développement sont variés et la plupart des films sont composés de plusieurs: par exemple le mystère; le voyage. Dans notre exemple du Magicien d’Oz, le développement de base est celui du voyage-ABA (dans ce cas Kansas-Oz-Kansas). Souvent, la comparaison entre le début et la fin d’un film sera révélatrice ici. Le développement est un processus dynamique: l’interaction constante avec la similitude et la différence, la répétition et la variation, conduit le spectateur à un engagement actif et en développement avec le système formel du film.

Unité / désunion: Cinquièmement, lorsque toutes les relations entre les éléments d’un film sont claires et économiquement imbriquées, nous disons que le film a une unité. Nous appelons un film unifié serré – chaque élément a un ensemble spécifique de fonctions, les similitudes et les différences sont déterminables, le développement est logique et rien n’est superflu ou « suspendu ». Unity admet cependant des degrés – même un film serré peut contenir quelques éléments lâches ou des questions sans réponse (le sort de Toto n’est jamais établi; Mme Gulch ne va-t-elle pas toujours l’emporter?). L’unité peut être utilisée comme critère d’évaluation, cependant, parfois, la désunion contribue à des modèles et à des significations plus larges: considérons, par exemple, ce qui précède caché.

Résumé

La forme, différenciée du contenu, joue un rôle énorme dans la détermination des attentes des téléspectateurs. La forme du film peut renforcer ou briser les conventions antérieures et, ce faisant, peut conduire à satisfaire ou à réviser nos attentes. La forme aide également à expliquer notre engagement émotionnel avec le film et peut éclairer une variété de sens. Nous pouvons résumer les principes de la forme cinématographique sous la forme d’un ensemble de questions que vous pouvez poser sur n’importe quel film:

1. Pour tout élément du film, quelles sont ses fonctions dans la forme globale? Comment est-ce motivé?
2. Des éléments ou des motifs sont-ils répétés tout au long du film ? Si oui, comment et à quel moment ? Les motifs et les parallélismes nous demandent-ils de comparer des éléments ?
3. Comment les éléments sont-ils contrastés et différenciés les uns des autres ? Comment les différents éléments sont-ils opposés les uns aux autres?
4. Quels principes de progression ou de développement sont à l’œuvre tout au long de la forme du film ? Plus précisément, comment une comparaison du début et de la fin révèle-t-elle la forme globale d’un film ?
5. Quel degré d’unité est présent dans la forme générale du film ? La désunion est-elle subordonnée à l’unité globale ou la désunion domine-t-elle ?

L’analyse et la compréhension de ces principes et de leur application nous fournissent une méthode plus concrète d’évaluation du film.