pictorii renascentiști și baroci au folosit adesea modurile de pictură sfumato, claroscuro și mai târziu tenebroso nu numai pentru a da o impresie tridimensională în picturile lor, ci și pentru a obține o atmosferă dramatică.
după scăderea popularității mișcării Pictorialismului, noul stil de Modernism fotografic a intrat în vogă, iar interesul publicului s-a mutat către imagini mai concentrate. Edward Steichen, Imogen Cunningham și Edward Weston au fost printre primii fotografi considerați pionieri ai fotografiei low-key. Portretul lui J. P. Morgan al lui Steichen (1903), Pastoral – Moonlight (1907), publicat în Camera Work No.20, Suculentul lui Cunningham (1920) și Pepper No. 30 al lui Weston (1930) sunt considerate cele mai vechi fotografii low-key.
în artă, black a recâștigat o parte din teritoriul pe care l-a pierdut în secolul al 19-lea. Pictorul rus Kasimir Malevich, membru al mișcării Suprematiste, a creat piața neagră în 1915, este considerat pe scară largă prima pictură pur abstractă. El a scris: „lucrarea pictată nu mai este pur și simplu imitarea realității, ci este chiar această realitate … Nu este o demonstrație a capacității, ci materializarea unei idei.”
Picturamodificare
antagonismul dintre lumină și umbră este un principiu de bază al unei imagini vizuale, indiferent de natura ei. Leonardo da Vinci a fost pionierul tehnicii sfumato, astfel încât să poată înmuia tranziția de la zone mai deschise la cele mai întunecate în unele dintre picturile sale. În notele sale despre pictură, el subliniază că lumina și umbra ar trebui să se amestece „fără linii sau margini, în maniera fumului sau dincolo de planul de focalizare”. Sfumato implică de obicei utilizarea multor straturi translucide pentru a crea un spectru de tonuri gradual de la întuneric la lumină, eliminând astfel contururile ascuțite nedorite. Tehnica este subliniată în Mona Lisa (1503-1506, Musecrete du Louvre, Paris).
pe de altă parte, clarobscurul, o altă tehnică de pictură în ulei, folosește contraste tonale puternice între lumină și întuneric pentru a modela forme tridimensionale, adesea cu efect dramatic. Prima utilizare a umbrelor tridimensionale luminoase-întunecate-cunoscute sub numele de” skiagraphia „sau” pictura umbrelor ” în Grecia Antică-este atribuită în mod tradițional pictorului atenian din secolul al V – lea î.hr., Apollodorus (în de Gloria Atheniensum, Plutarh).
Leonardo da Vinci, prin Fecioara stâncilor (1483-1486, Luvru, Paris), a influențat utilizarea clarobscurului pentru a crea iluzia profunzimii; cu toate acestea, termenul este cel mai adesea asociat cu lucrările create în manierism și baroc. În Renaștere, tehnica a devenit esențială pentru toți pictorii” religioși ” care au urmat viziunile lui Bridget din Suedia, care pretindea că a văzut lumina lui Hristos. În picturile cu scene religioase, artiștii renascentiști au reatribuit această lumină sfântă ca sursă predominantă de iluminare, bazându-se foarte mult pe tehnica clarobscurului. Această abordare compozițională a fost utilizată pe scară largă în Cina cea de Taină a lui Tintoretto (1592-1594). Dacă clarobscurul religios al Renașterii a servit la crearea unor scene liniștite și calme, pictori precum Caravaggio, Baglione, Veronese și Georges De La Tour, au avut tendința de a folosi acest stil pentru un efect dramatic.
în baroc, pictura s-a bazat foarte mult pe utilizarea umbrelor pentru efectul lor dramatic. Caravaggio a realizat iluminarea dramatică în cea mai mare măsură cu metoda sa numită tenebrism – o tehnică care s-a răspândit în Europa sub numele de caravaggism. Lucrările lui Adam Elsheimer au fost un punct de cotitură între clarobscur și tenebrism.
la prima vedere, o pictură de tenebrism ar putea arăta foarte asemănătoare cu cea care folosește efecte puternice de clarobscur. Cu toate acestea, există o diferență între cele două stiluri: clarobscurul este o tehnică de umbrire folosită în special pentru a da obiectelor iluzia volumului, în timp ce tenebrismul este o tehnică compozițională care folosește umbre foarte întunecate, în care unele zone ale picturii sunt păstrate întunecat (uneori negru), permițând doar una sau două zone de interes să fie puternic iluminate; în același timp, trecerea de la lumină la întuneric nu este treptată. Stilul a fost folosit pentru un efect pur dramatic (de aici termenul „iluminare dramatică”) și nu a existat nicio implicare în încercarea de a crea iluzia tridimensionalității.
acest stil a fost victima multor critici negative în baroc, criticii acuzând artiștii că folosesc această metodă pentru a „ascunde” greșelile picturilor. În primul rând, arta lui Caravaggio, care a abordat noul stil artistic în modul cel mai radical, a fost îndreptată. La fel ca Caravaggio, și Rembrandt a fost acuzat că și-a ascuns defectele în pictura umbrelor.
Tenebrismul a dat întunericului o valoare pozitivă, atât iconică, cât și simbolică, creând astfel o nouă estetică. Întunericul era echivalent cu lumina, deoarece condiționa gloria și măreția acesteia din urmă. Simbolurile luminii și întunericului au fost exprimate în lucrările lui Tintoretto, Caravaggio, Georges De La Tour și Rembrandt.
Fotografiemodificare
în fotografia unuia dintre cei mai proeminenți portretiști, canadianul Yousuf Karsh (1908-2002), lumina conturează doar fața; o poate evidenția mai mult sau mai puțin intens, dar din punct de vedere artistic, lumina joacă un rol secundar în scenă împreună cu subiectul principal. Portretele sale conțin suprafețe mari de negru, iar subiectul apare ca un loc în acel neant acromatic. Nimic nu concurează cu zonele fețelor subiecților săi care sunt evidențiate, ceea ce conferă portretelor o aură aproape mistică.
astfel, în portretul lui Winston Churchill, care, potrivit The Economist, este „cel mai reprodus portret din istoria fotografiei” și a fost descris ca fiind unul dintre „cele mai iconice portrete filmate vreodată”, doar fața lui este evidențiată, în timp ce capul său este conturat de o altă sursă de lumină foarte scăzută, provenind din spate; în portretul lui Jean Sibelius, lumina este redusă și mai mult, cu jumătate din față fiind în întuneric; în Helen Keller cu Polly Thompson, ambele subiecte sunt îmbrăcate în negru, iar fundalul este, de asemenea, în întregime negru, astfel încât fotografia dă impresia de detașare, dizolvare; Jasper Johns pare să iasă dintr-un ocean negru; portretul scriitorului francez Fran Irakois Mauriac este conturat doar din semi-profil, doar o linie aproape abstractizată apărând pe fundalul negru.
contrastul puternic dintre alb și negru și utilizarea acestui contrast pentru a depăși portretele Clasice, este caracteristic tuturor acestor portrete, creând astfel o atmosferă dramatică, enigmatică, mistică, folosind din abundență așa-numitul „negru activ”. Yousuf Karsh este considerat a fi unul dintre artiștii contemporani care adoptă stilul fotografic discret în modul cel mai eficient, fiind numit „unul dintre marii fotografi de portret ai secolului 20” de revista Time.
alte exemple notabile care se ocupă de fotografia cu nuanțe negre includ Paul Strand ‘ s orb (1916), unde subiectul este umbrit în mod deliberat pentru a crea atmosfera sumbră a imaginii, iar semnul „Orb” este aprins; Ansel Adams ‘ s Mt. Moran, Parcul Național Teton, lumina naturală cade doar pe vârful muntelui, în timp ce restul fotografiei este un amestec de tonuri de gri închis; unele dintre fotografiile lui Edward Weston sunt, de asemenea, ilustrative ale stilului low-key, cum ar fi Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), Leaf Leaf (1931); Brassa de la Brassa, Filles de joie, Quartier Italie (1932); Nehru al lui Bresson anunță moartea lui Gandhi, (1948). În 1944, Robert Capa face fotografii cu Picasso în lumină naturală care evidențiază doar jumătatea dreaptă a feței sale, lăsând-o pe cea stângă la umbră.
Irving Penn (1917-2009) a făcut mai multe fotografii cu trompetistul și compozitorul american de jazz Miles Davis.
printre fotografii postmoderniști, australianul Bill Henson fotografiază nuduri controversate în low-key, Elad David lucrează în principal cu nuduri masculine și în unele dintre ele sunt evidențiate doar busturile – fără cap – ale tinerilor, lăsând totul în negru. Un alt artist care a creat o serie de fotografii low-cheie expuse în numeroase expoziții din întreaga lume, este fotograful finlandez Juha Arvid Helminen. El și-a numit seria Imperiul invizibil și se referă la scutul pe care îl oferă culoarea neagră, ca o mască între cine suntem cu adevărat și modul în care societatea ne percepe.