Los pintores renacentistas y barrocos han utilizado a menudo los modos de pintura sfumato, claroscuro y más tarde tenebroso no solo para dar una impresión tridimensional en sus pinturas, sino también para lograr una atmósfera dramática.
Después de la caída en popularidad del movimiento del Pictorialismo, el nuevo estilo del modernismo fotográfico entró en boga, y el interés del público cambió a imágenes más enfocadas. Edward Steichen, Imogen Cunningham y Edward Weston fueron algunos de los primeros fotógrafos considerados pioneros de la fotografía discreta. El retrato de J. P. Morgan de Steichen (1903), Pastoral – Moonlight (1907), publicado en Camera Work No.20, Suculentas de Cunningham (1920) y Pimienta de Weston No. 30 (1930) se consideran las primeras fotografías de bajo perfil.
En el arte, el negro recuperó parte del territorio que había perdido durante el siglo XIX. El pintor ruso Kasimir Malevich, miembro del movimiento suprematista, creó el Cuadrado Negro en 1915, es ampliamente considerado la primera pintura puramente abstracta. Escribió: «El trabajo pintado ya no es simplemente la imitación de la realidad, sino que es esta misma realidad … No es una demostración de habilidad, sino la materialización de una idea.»
paintingeditar
El antagonismo entre la luz y la sombra es un principio básico de una imagen visual, independientemente de su naturaleza. Leonardo da Vinci fue pionero en la técnica del sfumato para que pudiera suavizar la transición de las áreas más claras a las más oscuras en algunas de sus pinturas. En sus notas sobre la pintura, destaca que la luz y la sombra deben entremezclarse «sin líneas ni bordes, a la manera de humo o más allá del plano de enfoque». El Sfumato generalmente implica el uso de muchas capas translúcidas para crear un espectro de tonos graduales de oscuro a claro, eliminando así los contornos agudos no deseados. La técnica se enfatiza en la Mona Lisa (1503-1506, Musée du Louvre, París).
Por otro lado, el claroscuro, otra técnica de pintura al óleo, utiliza fuertes contrastes tonales entre la luz y la oscuridad para modelar formas tridimensionales, a menudo con un efecto dramático. El primer uso de sombras tridimensionales claro-oscuras, conocidas como «skiagraphia» o «pintura de sombras» en la Antigua Grecia, se atribuye tradicionalmente al pintor ateniense del siglo V a.C., Apolodoro (en De Gloria Atheniensum, Plutarco).
Leonardo da Vinci, a través de su Virgen de las Rocas (1483-1486, Louvre, París), influyó en el uso del claroscuro para crear la ilusión de profundidad; sin embargo, el término se asocia con mayor frecuencia con las obras creadas en Manierismo y Barroco. En el Renacimiento, la técnica se volvió esencial para todos los pintores» religiosos » que siguieron las visiones de Brígida de Suecia, que afirmó haber visto la luz de Cristo. En las pinturas con escenas religiosas, los artistas renacentistas reasignaron esta luz sagrada como fuente predominante de iluminación, confiando en gran medida en la técnica del claroscuro. Este enfoque compositivo se ha utilizado ampliamente en la Última Cena de Tintoretto (1592-1594). Si el claroscuro religioso del Renacimiento sirvió para crear escenas tranquilas y tranquilas, pintores como Caravaggio, Baglione, Veronese y Georges de La Tour, tendieron a usar este estilo para un efecto dramático.
En el barroco, la pintura dependía en gran medida del uso de sombras para su efecto dramático. Caravaggio ha logrado la iluminación dramática en su mayor medida con su método llamado tenebrismo, una técnica que se ha extendido a Europa bajo el nombre de caravaggismo. Las obras de Adam Elsheimer fueron un punto de inflexión entre el claroscuro y el tenebrismo.
A primera vista, una pintura de tenebrismo podría verse muy similar a la que usa potentes efectos de claroscuro. Sin embargo, hay una diferencia entre los dos estilos: el claroscuro es una técnica de sombreado utilizada especialmente para dar a los objetos la ilusión de volumen, mientras que el tenebrismo es una técnica de composición que utiliza sombras muy oscuras, en las que algunas áreas de la pintura se conservan oscuras (a veces negras), permitiendo que solo una o dos áreas de interés se iluminen fuertemente; al mismo tiempo, la transición de la luz a la oscuridad no es gradual. El estilo se usó para un efecto puramente dramático (de ahí el término «iluminación dramática»), y no hubo participación en el intento de crear la ilusión de tridimensionalidad.
Este estilo ha sido víctima de muchas críticas negativas en el barroco, los críticos acusan a los artistas de usar este método para» ocultar » los errores de las pinturas. En primer lugar, el arte de Caravaggio, que se aproximaba al nuevo estilo artístico de la manera más radical, estaba dirigido. Al igual que Caravaggio, Rembrandt también fue acusado de ocultar sus defectos en la pintura de the shades.
El tenebrismo le dio a la oscuridad un valor positivo, tanto icónico como simbólico, creando así una nueva estética. La oscuridad era equivalente a la luz, porque condicionaba la gloria y la majestad de esta última. Los símbolos de la luz y la oscuridad se expresaron en las obras de Tintoretto, Caravaggio, Georges de La Tour y Rembrandt.
fotografíaeditar
En la fotografía de uno de los retratistas más destacados, el canadiense Yousuf Karsh (1908-2002), la luz solo perfila el rostro; puede resaltarlo más o menos intensamente, pero desde un punto de vista artístico, la luz juega un papel secundario en la escena junto con el sujeto principal. Sus retratos contienen grandes áreas de negro, y el sujeto aparece como una mancha en esa nada acromática. Nada compite con las áreas de los rostros de sus sujetos que se resaltan, lo que da a los retratos un aura casi mística.
Así, en el retrato de Winston Churchill, que según The Economist es el «retrato más reproducido en la historia de la fotografía» y ha sido descrito como uno de los «retratos más icónicos jamás filmados», solo se resalta su cara, mientras que su cabeza está delineada por otra fuente de luz muy baja, que proviene de la parte posterior; en el retrato de Jean Sibelius, la luz se reduce aún más, con la mitad de la cara en penumbra; en Helen Keller con Polly Thompson, ambos sujetos están vestidos de negro y el fondo también es completamente negro, por lo que la fotografía da una impresión de desprendimiento, disolución; Jasper Johns parece emerger de un océano negro; el retrato del escritor francés François Mauriac solo está contorneado de semi perfil, solo una línea casi abstracta que aparece sobre el fondo negro.
El fuerte contraste entre blanco y negro y el uso de este contraste para superar los retratos clásicos, es característico de todos estos retratos, creando así una atmósfera dramática, enigmática y mística, haciendo uso abundantemente del llamado «negro activo». Yousuf Karsh es considerado como uno de los artistas contemporáneos que adoptan el estilo fotográfico discreto de la manera más eficiente, siendo llamado «uno de los grandes fotógrafos de retratos del siglo XX» por la revista Time.
Otros ejemplos notables que tratan de la fotografía en tonos negros incluyen Blind (1916) de Paul Strand, donde el sujeto se ensombrece deliberadamente para crear la atmósfera sombría de la imagen, y el signo «Ciego» se ilumina; Mt. Moran, Parque Nacional de Teton, la luz natural cae solo en la cima de la montaña, mientras que el resto de la foto es una mezcla de tonos grises oscuros; algunas de las fotografías de Edward Weston también ilustran el estilo discreto, como Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), Col Leaf (1931); Filles de joie, Quartier Italie (1932) de Brassaï; Nehru, de Bresson, anuncia la muerte de Gandhi (1948). En 1944, Robert Capa toma fotos de Picasso con luz natural que solo resalta la mitad derecha de su rostro, dejando la izquierda a la sombra.
Irving Penn (1917-2009) tomó varias fotografías discretas del trompetista y compositor de jazz estadounidense Miles Davis.
Entre los fotógrafos posmodernistas, el australiano Bill Henson fotografía desnudos controvertidos de forma discreta, Elad David trabaja principalmente con desnudos masculinos y en algunos de ellos solo se resaltan los bustos, sin cabeza, de hombres jóvenes, dejando todo lo demás en negro. Otro artista que creó una serie de fotos de bajo perfil expuestas en numerosas exposiciones en todo el mundo, es la fotógrafa finlandesa Juha Arvid Helminen. Llamó a su serie El Imperio Invisible, y se refiere al escudo que ofrece el color negro, como una máscara entre lo que realmente somos y la forma en que la sociedad nos percibe.