Nicole Eisenman est sur un rouleau, même si ses roues ont la forme de carrés. La lauréate du prix Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020 a actuellement sa première exposition personnelle au Texas au Contemporary Austin. « Sturm und Drang » (ne vous accrochez pas trop à la traduction littérale de l’allemand) présente ses sculptures figuratives étrangement merveilleuses en plus d’œuvres antérieures, y compris des peintures satiriques et allégoriques qui remontent aux années 1990.
Si chaque succès du jour au lendemain prend 10 ans, il en va peut-être de même pour le passage soudain d’Eisenman à la sculpture vers 2011. Ils sont en quelque sorte un deuxième acte pour l’artiste de 55 ans basé à Brooklyn.
Après deux décennies de peinture, Eisenman a rapidement produit et exposé en 2012 une série de figures en plâtre grandeur nature au Studio Voltaire de Londres. Peu de temps après, lors du Carnegie International 2013 à Pittsburgh, trois de ses sculptures de Londres — les seules à survivre à une démolition post-exposition, car elle n’a pas pu expédier le reste — ont été montrées avec quatre figures supplémentaires, la catapultant dans un nouveau royaume.
Mais était-ce vraiment nouveau, s’est demandé la commissaire contemporaine Heather Pesanti, qui a voulu retracer le succès d’Eisenman en tant que sculptrice à travers les 20 premières années de sa carrière de peintre? Pour Eisenman, qui avait tôt fait de sculpter alors qu’elle était étudiante à la Rhode Island School of Design — avec des résultats supposés désastreux qui impliquaient le pompier — la peinture est devenue la route longue et sinueuse menant à ses premiers instincts.
L’exposition de The Contemporary examine les deux faces de cette médaille, le rez-de-chaussée du Jones Center présentant, entre autres, son entrée à la Biennale du Whitney 2019 « Procession », une installation tentaculaire de personnages sculpturaux qui ont passé l’été dernier à bronzer sur la terrasse du sixième étage du musée donnant sur la High Line à Chelsea. La galerie du deuxième étage contient des œuvres antérieures, principalement des peintures, mais aussi des estampes, des bustes et des reliefs, qui témoignent de l’intérêt de longue date d’Eisenman pour la forme et la forme, la façon dont les corps se déplacent dans l’espace.
» Nicole m’a dit qu’elle s’était tournée vers la sculpture parce que, d’une certaine manière, elle avait toujours pensé à la sculpture — ce qui m’a vraiment frappé « , explique Pesanti. Elle a travaillé avec Eisenman pour organiser la galerie du deuxième étage afin d’explorer cette relation inhérente entre ses œuvres en deux dimensions et en trois dimensions.
L’une de ses premières peintures (située dans la galerie du rez—de-chaussée) comprend une figure féminine – dont la forme est presque identique à la sculpture la plus imminente de « Procession », à quelques mètres de là pour comparaison. Dans « Systèmes de soutien pour les femmes No 1 » (1998), une femme zaftig au repos sur une plate—forme branlante suggère un manque de soutien solide pour son corps – et peut-être pour les femmes en général dans la société.
Dans « Perpetual Motion Machine » (2019), le géant forestier qui ouvre la voie semble tout aussi accablé, mais pour des raisons différentes — à commencer par la liasse de chewing-gum dans laquelle il est intervenu de manière agaçante. Lui et sa caravane de camarades sont apparemment coincés malgré leurs efforts: opprimés, pénibles, un peu déformés, embourbés dans leur propre fabrication. Si Eisenman veut dire que les femmes ne sont pas suffisamment retenues, peut-être que les hommes dans ses pièces sont trop souvent tirés vers le bas.
Le géant de la « Machine à mouvement perpétuel » est parti pêcher, sa prise de thon (un tas de vieilles boîtes de bourdons) pend lourdement à un poteau alors qu’il tire un chariot de sa main libre. Mais ses roues sont carrées, un détail ludique qui pourrait être négligé, bien que cela signifie manquer le point le plus important qu’Eisenman essaie de faire sur les chevilles carrées sociétales dans des trous ronds proverbiaux.
Dans l’acte ultime d’humiliation publique, une forme nue orne le chariot, la tête baissée sur les mains et les genoux, ne portant qu’une paire de chaussettes des Giants de New York. Brillamment tricoté avec du rouge, du blanc et du bleu (couleurs de l’équipe des Rangers), le scandale d’Eliot Spitzer en tant que Client 9 me vient immédiatement à l’esprit. Le cul de la silhouette, recouvert de toison de laine cisaillée, laisse échapper un pet bruyant et enfumé toutes les quelques minutes. (Une machine à brouillard a été installée dans son anus.) Le panache de pet est le délice de rire de tous les garçons de cinquième année, et il semble bien fonctionner dans une salle de snoots d’art, aussi. Si vous ne vous sentez pas impressionné par le bout littéral de cette blague, l’autocollant de pare-chocs du chariot transmet un message direct de l’artiste: COMMENT VA MA SCULPTURE? APPELEZ LE 1-800-MANGER-MERDE. (Les autocollants de pare-chocs sont en vente dans la boutique de souvenirs du musée.)
De nouveaux éléments, tels que les aigles, ont été intégrés à l’exposition d’Austin. Leur présence symbolique semble bien orientée vers le Texas et sa marque féroce de liberté. Un buste d’oiseau à grand bec porte une laisse de chien rétractable autour du cou, qui semble à la fois crépue et en forme de nœud coulant. Ailleurs, un petit aigle (endormi ou mort) repose dans une caisse en forme de nid sur le sol de la galerie au pied d’un mât de drapeau tombé; un couvercle de café blanc surdimensionné pend de sa corde plutôt que des étoiles et des rayures. Le mât du drapeau repose de manière flasque sur l’épaule d’un autre personnage marchant obstinément dans cette procession, la longue poutre dégoulinant de détails métalliques testiculaires.
« Procession » parvient à être irrévérencieuse plutôt que non drôle dans son ode à l’identité de genre et à la sexualité inconfortable. Bien que chaque sculpture possède un titre individuel, la force de l’installation est qu’il s’agit d’une série : un groupe de figures, certaines plus indéterminées que d’autres, se dirigeant dans la même direction — des roues carrées et tout.
Je demande à Pesanti pourquoi elle pense qu’Eisenman a passé 20 ans en tant que peintre figuratif (à peine une perte de temps, car cela a abouti à la fois à une bourse de « génie » Guggenheim et MacArthur). « Lorsque vous êtes un artiste débutant, il est très difficile d’être sculpteur », explique Pesanti. « Vous avez besoin d’espace — ce que vous n’avez pas — vous avez besoin d’argent pour déplacer les choses — ce que vous n’avez pas — et vous avez besoin de gros matériaux, qui sont également difficiles à obtenir. »
Cela n’a certainement pas fait de mal qu’un mouvement de néo-peinture, qui comprenait des gens comme Lisa Yuskavage et John Currin, ait émergé au début des années 1990, à l’époque où Eisenman commençait tout juste. « La peinture existait depuis quelques décennies, puis il y a eu un retour au travail figuratif et de représentation », ajoute Pesanti.
À l’étage, une sélection d’estampes et de peintures (y compris un autoportrait de 1994, la première œuvre d’Eisenman dans l’exposition) complètent un assortiment de sculptures, de bustes et de masques drôles. La galerie du deuxième étage ne perd pas de temps à examiner son interchangeabilité avec des objets 2D et 3D. Une série de huit masques muraux constitue le cas le plus fort de ses peintures en tant que sculptures, chaque visage aplati en une crêpe de forme et de couleur. « The Shooter » (2018) est une peinture qui dépasse presque de la toile, son gros canon noir incliné vers l’extérieur. « Under the Table 2 » (2014) un jeu de mots visuel intelligent sur la boisson, sa perspective vous plaçant sous la table avec tout le monde alors qu’une bouteille d’alcool s’incline vers vos propres lèvres desséchées.
Une série de sculptures intitulée « Sleeping Frat Guys » (2013) transforme la notion de bustes classiques, eh bien, sur sa tête, avec de drôles de pénis griffonnés sur les visages déformés de collégiens évanouis. Une farce juvénile qui ne vieillit apparemment jamais, car il y a toujours quelqu’un d’impuissant à reprendre.
« En descendant la rivière sur l’USS J-Bone of an Ass » (2017) domine de manière impressionnante le mur arrière de la galerie du deuxième étage. La peinture d’environ 11 pieds sur 9 pieds est un autre jeu de mots amusant mélangé à un conte de moralité: Washington traversant le Delaware moins la gloire. « J-Bone » contient deux bateaux: l’un, fait d’une mâchoire d’âne, sa voile brisée est une blessure mortelle, et l’autre, un remorqueur rouge robuste. Les deux sont également condamnés; les passagers masculins de chaque navire, inconscients ou indifférents. (Un peu comme un gars de fraternité endormi.)
Je pose des questions sur le titre de l’émission « Sturm und Drang », qui se traduit littéralement par « tempête et stress. »Eisenman a-t-il choisi une expression allemande en référence à l’Europe d’avant la Seconde Guerre mondiale? Une façon de commenter la montée de l’autocratie dans le monde?
Bien qu’à l’origine « Sturm und Drang » soit le nom du mouvement littéraire qui a émergé dans l’Allemagne du XVIIIe siècle, dans ce cas, explique Pesanti, Eisenman utilise l’expression dans son usage contemporain, comme synonyme de fanfaronnade. Selon Pesanti: « La fanfaronnade de l’atmosphère politique de notre pays, mais aussi la fanfaronnade d’un café en plein air allemand à Brooklyn. Le fanfaron de ce spectacle. »
« Sturm und Drang » se déroule jusqu’en août. 16 au centre contemporain Austin-Jones, avec une sculpture extérieure qui sera ajoutée au campus Laguna Gloria du musée ce printemps. thecontemporaryaustin.org/