Nicole Eisenman è su un rullo, anche se le sue ruote hanno la forma di quadrati. La vincitrice del Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation Prize 2020 sta attualmente tenendo la sua prima mostra personale in Texas presso il Contemporary Austin. “Sturm und Drang” (non troppo appeso alla traduzione letterale dal tedesco) mette in mostra le sue stranamente meravigliose sculture figurali oltre a opere precedenti, tra cui dipinti satirici e allegorici che risalgono agli anni ‘ 90.
Se ogni successo notturno richiede 10 anni, forse lo stesso vale per l’improvviso passaggio di Eisenman alla scultura intorno al 2011. Sono qualcosa di un secondo atto per l’artista 55enne di Brooklyn.
Dopo due decenni di pittura, nel 2012 Eisenman ha rapidamente prodotto ed esposto una serie di figure in gesso a grandezza naturale presso lo Studio Voltaire di Londra. Poco dopo, al Carnegie International 2013 di Pittsburgh, tre delle sue sculture di Londra-le uniche a sopravvivere a una demolizione post-show, poiché non era in grado di spedire il resto — sono state mostrate con quattro figure aggiuntive, catapultandola in un regno ritrovato.
Ma era davvero una novità, si chiedeva la curatrice contemporanea Heather Pesanti, che voleva ripercorrere il successo di Eisenman come artefice della scultura nei primi 20 anni della sua carriera di pittrice? Per Eisenman, che si era dilettato a scolpire nella fase iniziale, mentre uno studente presso Rhode Island School of Design-con risultati apparentemente disastrosi che ha coinvolto il fuoco marshall-pittura è diventata la strada lunga e tortuosa che porta al suo primo istinto.
La Contemporanea mostra esamina entrambi i lati della moneta, con la Jones Centro del piano terra, che dispone, tra gli altri pezzi, la sua 2019, la Whitney Biennial voce “Processione,”un tentacolare installazione scultorea personaggi che hanno speso la scorsa estate a prendere il sole sul museo del sesto piano terrazza che domina l’Alta Linea di Chelsea. La galleria del secondo piano contiene opere precedenti, principalmente dipinti, ma anche stampe, busti e rilievi, che suggeriscono l’interesse di lunga data di Eisenman per la forma e la forma, come i corpi si muovono nello spazio.
“Nicole mi ha detto che si era rivolta alla scultura perché, in qualche modo, aveva sempre pensato alla scultura — cosa che mi ha davvero colpito”, dice Pesanti. Ha lavorato con Eisenman per curare la galleria del secondo piano come un modo per esplorare quella relazione intrinseca tra le sue opere bidimensionali e tridimensionali.
Uno dei suoi primi dipinti (situato nella galleria al piano terra) include una figura femminile — che è quasi identica nella forma alla scultura più incombente in “Processione”, convenientemente a pochi metri di distanza per il confronto. In “Support Systems for Women No. 1” (1998) una femmina di zaftig in riposo su una piattaforma traballante suggerisce una mancanza di solido supporto per il suo corpo — e forse per le donne in generale nella società.
In “Perpetual Motion Machine” (2019) il gigante ingombrante che apre la strada sembra ugualmente appesantito, ma per ragioni diverse — a partire dal batuffolo di chewing gum che ha fastidiosamente inserito. Lui e la sua carovana di compagni sono apparentemente bloccati nonostante i loro sforzi: oppressi, arrancanti, un po ‘ deformati, impantanati nella loro creazione. Se Eisenman vuole dire che le donne non sono sufficientemente trattenuti, forse gli uomini nei suoi pezzi sono troppo spesso essere tirato giù.
Il gigante in “Perpetual Motion Machine” è andato a pescare, il suo tonno (un mucchio di vecchi bombi) penzola pesantemente da un palo mentre tira un carrello con la mano libera. Ma le sue ruote sono quadrate, un dettaglio giocoso che potrebbe essere trascurato, anche se significa mancare il punto più grande che Eisenman sta cercando di fare sui pioli quadrati della società in proverbiali fori rotondi.
Nell’ultimo atto di umiliazione pubblica, una forma nuda adorna il carrello, con la testa chinata mentre è sulle mani e sulle ginocchia, indossando solo un paio di calzini dei New York Giants. Brillantemente maglia con rosso, bianco e blu (Rangers colori della squadra), lo scandalo di Eliot Spitzer come Client 9 viene subito in mente. Il culo della figura, ricoperto di pile di lana tosata, emette una scoreggia rumorosa e fumosa ogni pochi minuti. (Una macchina della nebbia è stata installata nel suo ano.) Il pennacchio di scoreggia è la gioia di ridere di ogni ragazzo di quinta elementare, e sembra funzionare bene anche in una stanza di snoot d’arte. Se non ti senti impressionato dal culo letterale di questo scherzo, l’adesivo del paraurti del carrello trasmette un messaggio diretto dall’artista: COME VA LA MIA SCULTURA? CHIAMA L ‘ 1-800-MANGIA-MERDA. (Gli adesivi per paraurti sono in vendita nel negozio di souvenir del museo.)
Nuovi elementi, come le aquile, sono stati incorporati nella mostra di Austin. La loro presenza simbolica sembra opportunamente orientata verso il Texas e il suo feroce marchio di libertà. Un busto di uccello dal becco grande indossa un guinzaglio retrattile intorno al collo, che appare sia viziosa e cappio-like. Altrove, una piccola aquila (che dorme o è morta) riposa in una cassa simile a un nido sul pavimento della galleria ai piedi di un palo della bandiera caduto; un coperchio di caffè bianco oversize penzola dalla sua corda piuttosto che stelle e strisce. Il palo della bandiera poggia flaccidamente sulla spalla di un altro personaggio ostinatamente in marcia in questa processione, il lungo fascio grondante di dettagli in metallo testicolare.
“Procession” riesce ad essere irriverente piuttosto che unfunny nella sua ode all’identità di genere e alla sessualità scomoda. Sebbene ogni scultura possieda un titolo individuale, il punto di forza dell’installazione è che si tratta di una serie: un gruppo di figure, alcune più indeterminate di altre, che si dirigono nella stessa direzione — ruote quadrate e tutto il resto.
Chiedo a Pesanti perché pensa che Eisenman abbia trascorso 20 anni come pittore figurale (difficilmente una perdita di tempo, dal momento che ha portato sia a un Guggenheim che a un “genio” di MacArthur). “Quando sei un artista appena agli inizi, è molto difficile essere uno scultore”, spiega Pesanti. “Hai bisogno di spazio — che non hai — hai bisogno di soldi per spostare le cose – che non hai-e hai bisogno di grandi materiali, che sono anche difficili da ottenere.”
Certamente non ha fatto male che un movimento neo-pittura, che comprendeva gente come Lisa Yuskavage e John Currin, è emerso nei primi anni 1990, intorno al tempo Eisenman era appena agli inizi. “La pittura era stata fuori per un paio di decenni, e poi c’è stato un ritorno al lavoro figurale e rappresentazionale”, aggiunge Pesanti.
Al piano superiore, una selezione di stampe e dipinti (tra cui un autoritratto del 1994, il primo lavoro di Eisenman nella mostra) completano un assortimento di sculture, busti e maschere buffe. La galleria del secondo piano non perde tempo nell’esaminare la sua intercambiabilità con oggetti 2-D e 3-D. Una serie di otto maschere murali rendono il caso più forte per i suoi dipinti come sculture, ogni faccia appiattita in un pancake di forma e colore. “The Shooter” (2018) è un dipinto che sporge quasi dalla tela, la sua grande canna nera inclinata verso l’esterno. “Under the Table 2” (2014) un gioco di parole visivo intelligente sul bere, la sua prospettiva che ti mette sotto il tavolo con tutti gli altri mentre una bottiglia di alcol si inclina verso le tue labbra riarse.
Una serie di sculture dal titolo” Sleeping Frat Guys ” (2013) trasforma la nozione di busti classici, beh, sulla sua testa, con peni divertenti scarabocchiati sui volti distorti dei fratelli universitari svenuti. Uno scherzo giovanile che apparentemente non invecchia mai, dal momento che c’è sempre qualcuno impotente a prendersela.
“Heading Down River on the USS J-Bone of an Ass” (2017) domina in modo impressionante la parete di fondo della galleria del secondo piano. Il dipinto di circa 11 piedi per 9 piedi è ancora un altro divertente gioco di parole mescolato con un racconto morale: Washington che attraversa il Delaware meno la gloria. “J-Bone” contiene due barche: una, fatta di mascella di un asino, la sua vela rotta una ferita mortale, e l’altra, un vigoroso rimorchiatore rosso. Entrambi sono ugualmente condannati; i passeggeri maschi su ogni nave, inconsapevoli o indifferenti. (Molto simile a un ragazzo frat dormire.)
Chiedo del titolo dello show “Sturm und Drang”, che letteralmente si traduce in ” tempesta e stress.”Eisenman ha scelto una frase tedesca in riferimento all’Europa pre-seconda guerra mondiale? Un modo per commentare l’ascesa dell’autocrazia in tutto il mondo?
Sebbene originariamente “Sturm und Drang” fosse il nome del movimento letterario emerso nella Germania del xviii secolo, in questo caso, spiega Pesanti, Eisenman impiega la frase nel suo uso contemporaneo, come sinonimo di spacconate. Pesanti dice: “L’esplosione dell’atmosfera politica del nostro paese, ma anche l’esplosione di una birreria all’aperto tedesca a Brooklyn. La spacconata di questo spettacolo.”
” Sturm und Drang ” attraversa Aug. 16 al Contemporary Austin-Jones Center, con una scultura all’aperto che verrà aggiunta al campus Laguna Gloria del museo questa primavera. thecontemporaryaustin.org/