De David Cronenberg à Ridley Scott: 10 des plus grands films d’horreur de science-fiction

« Je considère les films d’horreur comme de l’art, comme des films de confrontation. » – David Cronenberg

Avec tout ce qui s’est passé en 2020, on a déjà l’impression de vivre dans un film d’horreur de science-fiction qui ne finira jamais. Quand la réalité est devenue incroyable, les films d’horreur conservent-ils leur magie? Les dix classiques du genre énumérés ici le font certainement.

John Carpenter a dit un jour: « L’horreur est un genre depuis les débuts du cinéma, jusqu’à l’époque des films muets. Je ne pense pas que cela disparaîtra un jour parce que c’est si universel. L’humour ne voyage pas toujours dans d’autres pays, mais l’horreur le fait. »

Il a ajouté :  » L’horreur est un langage universel; nous avons tous peur. Nous naissons effrayés, nous avons tous peur des choses: la mort, la défiguration, la perte d’un être cher. Tout ce dont j’ai peur, tu as peur et vice versa. Alors tout le monde ressent de la peur et du suspense. Nous étions de petits enfants une fois et donc ça prend cette condition humaine et cette émotion de base et ça baise avec et ça joue avec. Vous pouvez inventer de nouvelles horreurs. »

En tant que fonctionnalité de notre « Far Out Fear Club », nous avons noté quelques chefs-d’œuvre d’horreur de science-fiction à revisiter.

10 films d’horreur classiques de science-fiction:

Re-Animator (Stuart Gordon – 1985)

Librement inspiré du conte d’horreur classique de H.P. Lovecraft, le film de Stuart Gordon de 1985 suit l’histoire d’un jeune étudiant en médecine Herbert West (joué par Jeffrey Combs). Herbert a inventé un réactif capable de réanimer les corps décédés. Re-Animator a remporté le Premier Prix au Festival de Fantasy, de Science-Fiction et d’Horreur de Paris, un Prix Spécial au Festival de Cannes.

Gordon a déclaré: « Lorsque nous faisions des recherches à ce sujet, nous passions beaucoup de temps à parler à des pathologistes dans diverses morgues, et ils avaient le sens de l’humour le plus noir que j’aie jamais rencontré! Je pense que tu dois le faire si tu veux faire un travail comme ça. Je pense que, d’une manière ou d’une autre, a réussi à faire son chemin dans le film. »

Il a ajouté: « Eh bien, je suis très heureux que les gens continuent de le regarder, et encore moins qu’il soit publié sur Blu-Ray. C’est fantastique. »

Scanners (David Cronenberg – 1981)

Un classique du maître du genre de l’horreur corporelle, Scanners mélange magistralement les deux genres dans un conte sur une société maléfique qui cible les lecteurs de l’esprit. On se souvient encore de sa scène emblématique où la tête d’un homme est dynamitée par la concentration mentale.

L’équipe des effets spéciaux a révélé comment elle a réussi la scène emblématique de l’explosion de la tête. « Des restes de latex, de la cire, et juste des morceaux et des bobs et beaucoup de trucs filandreux qui, selon nous, voleraient un peu mieux dans les airs », ont-ils noté. Selon le maquilleur Stephan Dupuis, ils utilisaient également « des hamburgers restants. »

Altered States (Ken Russell – 1980)

Le classique culte de Ken Russell suit Eddie Jessup (joué par William Hurt), un scientifique de Harvard qui mène des expériences sur lui-même avec une drogue hallucinatoire et une chambre de privation sensorielle. Il essaie d’accéder à des états de conscience altérés mais finit par changer sa constitution génétique. Altered States est une interprétation délicieusement psychédélique du genre.

Tout au long de la production, Russell était en désaccord avec le scénariste Paddy Chayefsky. « Il ressemblait à un Trotsky en surpoids habillé en président Mao, parlait de démocratie et pratiquait le fascisme », a écrit Russell. « Il avait aussi deux faux noms, Paddy et Chayefsky… Et s’il commençait enfin à accepter mon avis sur les hallucinations, c’était seulement parce qu’il était privé de ses propres visions. »

Cube (Vincenzo Natali – 1997)

Cube met en scène six inconnus qui se réveillent pour se retrouver piégés dans un labyrinthe bizarre, dangereux et high-tech. Pour s’en sortir, ils sont obligés de s’appuyer sur leurs talents uniques et d’éviter tout type de conflit interne (ce qui est plus facile qu’il n’y paraît).

« J’essaie de ne pas être trop consciente de ces choses, mais je suis une grande fan de Kafka », a révélé Natali. « J’ai toujours l’impression que la chose la plus effrayante au monde est quelque chose que vous ne pouvez pas définir force une force qui est plus grande que vous-même, que vous ne pouvez pas comprendre complètement. Je pense que nous vivons une époque très difficile à simuler.

« Il se passe tellement de choses, si vite, et personne ne sait où cela va, et tout cela semble hors de contrôle – et je pense que pour la plupart des gens, c’est précisément ce que nous ressentons. Nous sommes pris au piège dans un jeu vidéo géant et quelqu’un d’autre est aux commandes. »

28 Days Later (Danny Boyle – 2002)

L’une des œuvres déterminantes du genre, l’œuvre de Danny Boyle en 2002 est célèbre pour avoir fait du sous-genre « infecté » une pratique courante dans les films de zombies. Dans une société ravagée par un virus (oui, c’est particulièrement pertinent maintenant), 28 Days Later mène une enquête fascinante sur la solitude au milieu de l’effondrement de la société.

Boyle a déclaré: « Avec tous les films que nous avons réalisés, nous essayons de prendre un genre et de le baiser un peu. On adore faire ça. Cela aide à commercialiser les films, et les studios ou quiconque distribue le film adorent cela et cela contacte un public grand public, ce qui fait partie de l’accord pour nous. Nous voulons le public grand public. »

Il a ajouté: « Et puis nous voulons faire exploser le genre pour que vous ne compreniez pas. Donc, les fans de zombies qui se présentent pour cela ne vont pas seulement voir un film de zombies gore-fest. Ils obtiendront quelque chose en plus, et je pense que c’est vraiment une excellente dynamique. »

Videodrome (David Cronenberg – 1983)

Brillante exploration métaphorique de la nature des films d’horreur et de la binaire réalité/fantaisie de la violence cinématographique, Videodrome est là parmi les meilleurs du genre. Cronenberg fusionne la franchise de l’horreur corporelle avec la distance de la spéculation philosophique.

« Vous savez, ils parlent de moi comme de l’inventeur de l’horreur corporelle », a déclaré Cronenberg. « Mais je n’ai jamais pensé que c’était horrible. Bien sûr, vous êtes un showman, et si vous réalisez un film d’horreur à petit budget — il y en avait beaucoup à l’époque — comment vous faire remarquer? Certes, j’étais dans le monde, et non pas un abstractionniste.

« J’essayais de faire des films et de continuer à faire des films. Mais il y a le fondement philosophique de tout cela. Si la neurologie est une réalité, c’est un thème incroyable — comment structurer un récit qui en discutera? Immédiatement, vous voulez changer le corps pour changer la réalité, et c’est ce qui m’a conduit à toutes ces choses comme Videodrome. »

Invasion of the Body Snatchers (Philip Kaufman – 1978)

Le remake de l’original de 1956 de Kaufman transforme l’allégorie de la chasse aux sorcières communiste des années 50 en boom du divorce des années 70 afin de lancer un commentaire social pertinent à travers le récit surréaliste de science-fiction. L’intrigue implique un inspecteur de la santé de San Francisco et son collègue qui découvrent que les humains sont remplacés par des doublons extraterrestres qui sont identiques dans presque tous les sens, sauf le fait qu’ils manquent d’émotions humaines.

« C’est aussi valable maintenant qu’à l’époque, peut-être plus », a déclaré Kaufman. « à la fin du film pourrait être un cri très Trumpien. La façon dont Trump pointe la presse à l’arrière de l’auditorium et que tout le monde se retourne, vous obtenez ce sentiment effrayant de « poddy ». Il y a une sorte de contagion qui se passe ici. »

La Mouche (David Cronenberg – 1986)

Le magnum opus de David Cronenberg est souvent considéré comme le meilleur film d’horreur corporelle de tous les temps. Il raconte l’histoire du scientifique Seth Brundle (joué par Jeff Goldblum) qui subit une mutation qui le rend mi-insecte, mi-homme. Cronenberg traduit un cauchemar kafkaïen dans le médium cinématographique, rendant la vision troublante complètement la sienne.

Cronenberg a déclaré: « Il y a beaucoup de choses que j’ai rassemblées dans La mouche que je n’avais jamais mises dans un film auparavant. C’est très romantique, tout d’abord. C’est vraiment une histoire d’amour, et c’est très obsessionnel, et c’est très sexuel, et c’est aussi très drôle. J’ai déjà fait toutes ces choses dans certains films, mais je ne les ai jamais toutes travaillées en une seule chose. Pourtant, cela ne garantit pas le succès. C’est peut-être banal de dire cela, mais c’est vrai: l’une des raisons est que la 20th Century Fox a fait un très bon travail de distribution. »

The Thing (John Carpenter – 1982)

Situé dans le paysage hostile de l’Antarctique, The Thing est un thriller de science-fiction / horreur sur une entité extraterrestre qui a la capacité d’assimiler des êtres vivants. Remake de La Chose d’un autre Monde (1951), John Carpenter tisse un sentiment de claustrophobie dans son chef-d’œuvre.

Bien qu’il ait été considéré comme un échec critique et commercial au moment de sa sortie, le temps a été clément pour le brillant travail de John Carpenter. Dans une interview en 2001, Carpenter a déclaré: « Si cela avait fonctionné, ma carrière aurait été très différente. Très différent. »

Alien (Ridley Scott – 1979)

Alien, film de Ridley Scott sorti en 1979, s’est imposé comme l’une des œuvres les plus reconnaissables du genre, sinon la plus. Il explore les relations entre l’équipage d’un vaisseau spatial, Nostromo seulement pour tout soumettre à une déstabilisation intense lorsqu’un extraterrestre envahit le vaisseau. L’influence globale d’Alien est indéniable et le personnage de Sigourney Weaver a contribué à populariser la protagoniste d’action féminine en tant qu’archétype commun.

« Je pense toujours qu’il y a beaucoup de kilométrage dans Alien, mais je pense que vous devrez maintenant évoluer », a déclaré Scott. « Ce que j’ai toujours pensé quand je le fabriquais, le premier, pourquoi une créature comme celle-ci serait-elle fabriquée et pourquoi voyageait-elle dans ce que j’ai toujours pensé être une sorte d’engin de guerre, qui transportait une cargaison de ces œufs.

« Quel était le but du véhicule et quel était le but des œufs? C’est la chose à se demander — qui, pourquoi et dans quel but est la prochaine idée, je pense. »