I pittori rinascimentali e barocchi hanno spesso usato lo sfumato, il chiaroscuro e successivamente il tenebroso non solo per dare un’impressione tridimensionale nei loro dipinti, ma anche per ottenere un’atmosfera drammatica.
Dopo il declino della popolarità del movimento pittorialista, il nuovo stile del modernismo fotografico è entrato in voga e l’interesse del pubblico si è spostato su immagini più focalizzate. Edward Steichen, Imogen Cunningham e Edward Weston sono stati tra i primi fotografi considerati pionieri della fotografia low-key. Steichen’s portrait of J. P. Morgan (1903), Pastoral – Moonlight (1907), pubblicato in Camera Work No. 20, Cunningham Succulent (1920) e Weston’s Pepper No. 30 (1930) sono considerate le prime fotografie low-key.
Nell’arte, il nero riconquistò parte del territorio che aveva perso nel corso del xix secolo. Il pittore russo Kasimir Malevich, membro del movimento suprematista, ha creato il Quadrato Nero nel 1915, è ampiamente considerato il primo dipinto puramente astratto. Scrisse: “L’opera dipinta non è più semplicemente l’imitazione della realtà, ma è proprio questa realtà … Non è una dimostrazione di capacità, ma la materializzazione di un’idea.”
Pitturamodifica
L’antagonismo tra luce e ombra è un principio fondamentale di un’immagine visiva, indipendentemente dalla sua natura. Leonardo da Vinci pioniere della tecnica sfumato in modo da poter ammorbidire la transizione da zone più chiare a quelle più scure in alcuni dei suoi dipinti. Nelle sue note sulla pittura, sottolinea che luce e ombra dovrebbero mescolarsi “senza linee o confini, alla maniera del fumo o oltre il piano di messa a fuoco”. Sfumato di solito implica l’utilizzo di molti strati traslucidi per creare uno spettro di toni graduale dal buio alla luce, eliminando così i contorni netti indesiderati. La tecnica è enfatizzata nella Gioconda (1503-1506, Musée du Louvre, Parigi).
d’altra parte, il chiaroscuro, un’altra tecnica di pittura ad olio, utilizza forti contrasti tonali tra luce e buio per modello tridimensionale di forme, spesso per effetto drammatico. Il primo uso di ombre tridimensionali chiaro-scure-noto come “skiagraphia” o “pittura – ombra” nell’antica Grecia-è tradizionalmente attribuito al pittore ateniese del V secolo AC, Apollodoro (in De Gloria Atheniensum, Plutarco).
Leonardo da Vinci, attraverso la sua Vergine delle Rocce (1483-1486, Louvre, Parigi), influenzò l’uso del chiaroscuro per creare l’illusione della profondità; tuttavia, il termine è più spesso associato alle opere create nel manierismo e nel barocco. Nel Rinascimento, la tecnica divenne essenziale per tutti i pittori “religiosi” che seguirono le visioni di Bridget di Svezia, che affermava di aver visto la luce di Cristo. Nei dipinti con scene religiose, gli artisti rinascimentali riassegnarono questa luce santa come fonte predominante di illuminazione, affidandosi fortemente alla tecnica del chiaroscuro. Questo approccio compositivo è stato ampiamente utilizzato nell’Ultima Cena di Tintoretto (1592-1594). Se il chiaroscuro religioso del Rinascimento serviva a creare scene tranquille e calme, pittori come Caravaggio, Baglione, Veronese e Georges de La Tour, avevano la tendenza a utilizzare questo stile per un effetto drammatico.
Nel barocco, la pittura si basava fortemente sull’uso delle ombre per il loro effetto drammatico. Caravaggio ha compiuto l’illuminazione drammatica nella sua massima misura con il suo metodo chiamato tenebrismo-una tecnica che si è diffusa in Europa sotto il nome di caravaggismo. Le opere di Adam Elsheimer furono un punto di svolta tra chiaroscuro e tenebrismo.
A prima vista, un dipinto di tenebrismo potrebbe apparire molto simile a quello che utilizza potenti effetti chiaroscurali. Tuttavia, c’è una differenza tra i due stili: il chiaroscuro è una tecnica di ombreggiatura utilizzata soprattutto per dare agli oggetti l’illusione del volume, mentre il tenebrismo è una tecnica compositiva che utilizza ombre molto scure, in cui alcune aree del dipinto sono conservate in modo scuro (a volte nero), consentendo solo una o due aree di interesse di essere fortemente illuminate; allo stesso tempo, il passaggio dalla luce al buio Lo stile era usato per un effetto puramente drammatico (da qui il termine “illuminazione drammatica”), e non c’era alcun coinvolgimento nel tentativo di creare l’illusione della tridimensionalità.
Questo stile è stato vittima di molte critiche negative nel barocco, critici accusando gli artisti di utilizzare questo metodo per “nascondere” gli errori dei dipinti. In primo luogo, l’arte di Caravaggio, che si avvicinava al nuovo stile artistico nel modo più radicale, era mirata. Come Caravaggio, anche Rembrandt fu accusato di nascondere i suoi difetti nella pittura delle ombre.
Il tenebrismo ha dato all’oscurità un valore positivo, sia iconico che simbolico, creando così una nuova estetica. L’oscurità era equivalente alla luce, perché condizionava la gloria e la maestà di quest’ultima. I simboli della luce e dell’oscurità sono stati espressi nelle opere di Tintoretto, Caravaggio, Georges de La Tour e Rembrandt.
PhotographyEdit
Nella fotografia di uno dei più importanti ritrattisti, il Canadese Yousuf Karsh (1908-2002), la luce, i contorni del viso; si può evidenziare che, più o meno intensamente, ma da un punto di vista artistico, la luce gioca un ruolo secondario in scena insieme con il soggetto principale. I suoi ritratti contengono ampie zone di nero, e il soggetto appare come una macchia in quel nulla acromatico. Nulla è in competizione con le aree dei volti dei suoi soggetti che vengono evidenziate, il che conferisce ai ritratti un’aura quasi mistica.
Così, nel ritratto di Winston Churchill, che secondo l’Economist è il “ritratto più riprodotto nella storia della fotografia” ed è stato descritto come uno dei “ritratti più iconici mai girati”, solo il suo volto è evidenziato, mentre la sua testa è delineata da un’altra fonte di luce molto bassa, proveniente dal retro; nel ritratto di Jean Sibelius, la luce è ridotta ancora di più, con la metà della faccia di essere nell’oscurità; Helen Keller con Polly Thompson, entrambi i soggetti sono vestite di nero e lo sfondo è completamente nero, così la fotografia dà l’impressione di distacco, di scioglimento; Jasper Johns sembra emergere dal nero oceano; il ritratto dello scrittore francese François Mauriac è solo sagomato da semi-profilo, solo un quasi-astratto linea che appare su uno sfondo nero.
Il forte contrasto tra bianco e nero e l’uso di questo contrasto per superare i ritratti classici, è caratteristico di tutti questi ritratti, creando così un’atmosfera drammatica, enigmatica, mistica, facendo abbondantemente uso del cosiddetto “nero attivo”. Yousuf Karsh è considerato uno degli artisti contemporanei che adottano lo stile fotografico low-key nel modo più efficiente, essendo definito “uno dei grandi fotografi di ritratti del 20 ° secolo” dalla rivista Time.
Altri esempi degni di nota che si occupano di fotografia in tonalità nere includono Blind di Paul Strand (1916), dove il soggetto è deliberatamente ombreggiato per creare l’atmosfera cupa dell’immagine, e il segno “cieco” è illuminato; Mt di Ansel Adams. Moran, Teton National Park, la luce naturale cade solo sulla cima della montagna, mentre il resto della foto è una miscela di toni di grigio scuro; alcune fotografie di Edward Weston sono anche illustrative dello stile low-key, come Nautilus (1930), Pepper No. 30 (1930), Cabbage Leaf (1931); Filles de joie di Brassaï, Quartier Italie (1932); Il Nehru di Bresson annuncia la morte di Gandhi (1948). Nel 1944, Robert Capa scatta foto di Picasso in luce naturale che mette in evidenza solo la metà destra del suo volto, lasciando quella sinistra in ombra.
Irving Penn (1917-2009) ha scattato diverse fotografie low-key del trombettista e compositore jazz americano Miles Davis.
Tra i fotografi postmodernisti, l’australiano Bill Henson fotografa nudi controversi in chiave low-key, Elad David lavora principalmente con nudi maschili e in alcuni di essi solo i busti – senza testa – di giovani uomini, è evidenziato, lasciando tutto il resto in nero pece. Un altro artista che ha creato una serie di foto low-key esposte in numerose mostre in tutto il mondo, è il fotografo finlandese Juha Arvid Helminen. Ha chiamato la sua serie The Invisible Empire, e si riferisce allo scudo che il colore nero offre, come una maschera tra chi siamo veramente e il modo in cui la società ci percepisce.