Nicole Eisenman ist auf einer Rolle, auch wenn ihre Räder wie Quadrate geformt sind. Die Preisträgerin des Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation Prize 2020 zeigt derzeit ihre erste Einzelausstellung in Texas im Contemporary Austin. „Sturm und Drang“ zeigt neben früheren Arbeiten, darunter satirische und allegorische Gemälde aus den 1990er Jahren, ihre seltsam wunderbaren figürlichen Skulpturen.
Wenn jeder Erfolg über Nacht 10 Jahre dauert, gilt dies vielleicht auch für Eisenmans plötzlichen Wechsel in die Skulptur um 2011. Sie sind so etwas wie ein zweiter Akt für den 55-jährigen Künstler aus Brooklyn.
Nach zwei Jahrzehnten der Malerei produzierte Eisenman 2012 rasch eine Reihe lebensgroßer Gipsfiguren und stellte sie im Londoner Studio Voltaire aus. Bald darauf, auf der Carnegie International 2013 in Pittsburgh, wurden drei ihrer Skulpturen aus London — die einzigen, die einen Abriss nach der Show überlebten, da sie den Rest nicht versenden konnte – mit vier zusätzlichen Figuren gezeigt, was sie in ein neu entdecktes Reich katapultierte.
Aber war das wirklich neu, fragte sich die zeitgenössische Kuratorin Heather Pesanti, die Eisenmans Erfolg als Bildhauerin in den ersten 20 Jahren ihrer Karriere als Malerin nachvollziehen wollte? Für Eisenman, die sich schon früh als Studentin an der Rhode Island School of Design mit Bildhauerei beschäftigt hatte — mit angeblich katastrophalen Ergebnissen, die den Brandmarschall betrafen — wurde die Malerei zum langen und kurvenreichen Weg, der zu ihren frühesten Instinkten führte.
Die Ausstellung der Contemporary untersucht beide Seiten dieser Medaille, wobei im Erdgeschoss des Jones Centers unter anderem ihr Whitney Biennial-Eintrag „Procession“ aus dem Jahr 2019 zu sehen ist, eine weitläufige Installation skulpturaler Figuren, die den letzten Sommer auf der Terrasse des Museums im sechsten Stock mit Blick auf die High Line in Chelsea verbracht haben. Die Galerie im zweiten Stock enthält frühere Arbeiten, hauptsächlich Gemälde, aber auch Drucke, Büsten und Reliefs, die alle auf Eisenmans langjähriges Interesse an Form und Gestalt hinweisen, wie sich Körper durch den Raum bewegen.
„Nicole erzählte mir, dass sie sich der Bildhauerei zugewandt hatte, weil sie in gewisser Weise immer an Skulptur gedacht hatte — was mich wirklich beeindruckt hat“, sagt Pesanti. Sie arbeitete mit Eisenman zusammen, um die Galerie im zweiten Stock zu kuratieren, um die inhärente Beziehung zwischen ihren zweidimensionalen und dreidimensionalen Werken zu erkunden.
Eines ihrer frühesten Gemälde (in der Galerie im Erdgeschoss) enthält eine weibliche Figur — die in ihrer Form nahezu identisch mit der am meisten auftauchenden Skulptur in „Procession“ ist und zum Vergleich nur wenige Meter entfernt liegt. In „Support Systems for Women No. 1“ (1998) deutet eine zaftige Frau in Ruhe auf einer klapprigen Plattform auf einen Mangel an solider Unterstützung für ihren Körper hin — und vielleicht für Frauen im Allgemeinen in der Gesellschaft.
In „Perpetual Motion Machine“ (2019) wirkt der schwerfällige Riese an der Spitze gleichermaßen belastet, aber aus verschiedenen Gründen — angefangen mit dem Kaugummibündel, in das er ärgerlich eingestiegen ist. Er und seine Karawane von Kameraden scheinen trotz ihrer Bemühungen festzustecken: niedergeschlagen, stapfend, ein bisschen deformiert, in ihrer eigenen Herstellung verstrickt. Wenn Eisenman sagen will, dass Frauen nicht ausreichend hochgehalten werden, werden die Männer in ihren Stücken vielleicht allzu oft heruntergezogen.
Der Riese in „Perpetual Motion Machine“ ist gefischt, sein Thunfischfang (ein Haufen alter Hummeldosen) baumelt schwer an einer Stange, als er mit seiner freien Hand einen Trolly schleppt. Aber seine Räder sind quadratisch, ein verspieltes Detail, das übersehen werden könnte, obwohl es bedeutet, den größeren Punkt zu verpassen, den Eisenman versucht, quadratische Stifte in sprichwörtlichen runden Löchern zu machen.
Im letzten Akt der öffentlichen Demütigung schmückt eine nackte Gestalt den Wagen, den Kopf auf Händen und Knien gebeugt und nur ein Paar Socken der New York Giants tragend. Hell gestrickt mit Rot, Weiß und Blau (Rangers-Teamfarben) fällt mir sofort der Skandal um Eliot Spitzer als Kunde 9 ein. Der mit geschorenem Wollvlies bewachsene Arsch der Figur stößt alle paar Minuten einen lauten, rauchigen Furz aus. (Eine Nebelmaschine wurde in seinem Anus installiert.) Die Furzfahne ist die lachende Freude jedes fünften Jungen, und sie scheint auch in einem Raum mit Kunstschnauzen gut zu funktionieren. Wenn Sie sich von der wörtlichen Bedeutung dieses Witzes unbeeindruckt fühlen, vermittelt der Autoaufkleber des Trolleys eine Botschaft direkt vom Künstler: WIE IST MEINE BILDHAUEREI? RUFEN SIE 1-800-EAT-SHIT. (Die Autoaufkleber sind im Geschenkeladen des Museums erhältlich.)
Neue Elemente, wie Adler, wurden in die Austin-Ausstellung aufgenommen. Ihre symbolische Präsenz scheint angemessen auf Texas und seine wilde Marke der Freiheit ausgerichtet zu sein. Eine Vogelbüste mit großem Schnabel trägt eine einziehbare Hundeleine um den Hals, die sowohl verworren als auch schlingenartig wirkt. An anderer Stelle ruht ein kleiner Adler (der entweder schläft oder tot ist) in einer nestartigen Kiste auf dem Galerieboden am Fuße eines umgestürzten Fahnenmastes; ein übergroßer weißer Kaffeedeckel baumelt eher an seinem Seil als an Sternen und Streifen. Der Fahnenmast ruht schlaff auf der Schulter eines weiteren Charakters, der hartnäckig in dieser Prozession marschiert, Der lange Strahl tropft von hodenförmigen Metalldetails.
„Procession“ schafft es in seiner Ode an Geschlechtsidentität und unbequeme Sexualität eher respektlos als unlustig zu sein. Obwohl jede Skulptur einen individuellen Titel hat, besteht die Stärke der Installation darin, dass es sich um eine Serie handelt: eine Gruppe von Figuren, einige unbestimmter als andere, die in die gleiche Richtung gehen — quadratische Räder und alle.
Ich frage Pesanti, warum sie glaubt, Eisenman habe 20 Jahre als Figurenmaler verbracht (kaum Zeitverschwendung, da dies sowohl zu einem Guggenheim- als auch zu einem MacArthur „Genius“ -Stipendium führte). „Wenn man als Künstler gerade erst anfängt, ist es sehr schwer, Bildhauer zu werden“, erklärt Pesanti. „Du brauchst Platz – den du nicht hast — du brauchst Geld, um Dinge zu bewegen — was du nicht hast – und du brauchst große Materialien, die alle schwer zu bekommen sind.“
Es hat sicherlich nicht geschadet, dass eine Neo-Painting-Bewegung, zu der Leute wie Lisa Yuskavage und John Currin gehörten, in den frühen 1990er Jahren entstand, zu der Zeit, als Eisenman gerade anfing. „Die Malerei war ein paar Jahrzehnte aus, und dann gab es eine Rückkehr zur figürlichen und gegenständlichen Arbeit“, fügt Pesanti hinzu.
Im Obergeschoss ergänzen eine Auswahl an Drucken und Gemälden (darunter ein Selbstporträt von 1994, Eisenmans frühestes Werk in der Ausstellung) eine Auswahl an Skulpturen, Büsten und Masken mit lustigen Gesichtern. Die Galerie im zweiten Stock verschwendet keine Zeit, um ihre Austauschbarkeit mit 2D- und 3D-Objekten zu untersuchen. Eine Serie von acht Wandmasken ist das stärkste Argument für ihre Gemälde als Skulpturen, jedes Gesicht zu einem Pfannkuchen aus Form und Farbe abgeflacht. „The Shooter“ (2018) ist ein Gemälde, das fast aus der Leinwand herausragt und dessen großer schwarzer Lauf nach außen geneigt ist. „Under the Table 2“ (2014) ein cleveres visuelles Wortspiel über das Trinken, dessen Perspektive Sie mit allen anderen unter den Tisch legt, während sich eine Flasche Alkohol zu Ihren eigenen ausgetrockneten Lippen neigt.
Eine Serie von Skulpturen mit dem Titel „Sleeping Frat Guys“ (2013) stellt den Begriff der klassischen Büsten auf den Kopf, mit lustigen Penissen, die auf die verzerrten Gesichter ohnmächtiger College-Brüder gekritzelt sind. Ein jugendlicher Streich, der scheinbar nie alt wird, da es immer jemanden gibt, der machtlos ist.
„Heading Down River on the USS J-Bone of an Ass“ (2017) dominiert eindrucksvoll die Rückwand der Galerie im zweiten Stock. Das etwa 11 mal 9 Fuß große Gemälde ist ein weiteres lustiges Wortspiel, gemischt mit einer Moralgeschichte: Washington überquert den Delaware minus den Ruhm. „J-Bone“ enthält zwei Boote: eines aus einem Eselskiefer, dessen gebrochenes Segel eine tödliche Wunde ist, und das andere aus einem unerschütterlichen roten Schlepper. Beide sind gleichermaßen zum Scheitern verurteilt; die männlichen Passagiere auf jedem Schiff, entweder ahnungslos oder unbeteiligt. (Ähnlich wie ein schlafender frat Kerl.)
Ich frage nach dem Titel der Show „Sturm und Drang“, Was wörtlich übersetzt „Sturm und Stress“ bedeutet.“ Hat Eisenman einen deutschen Ausdruck in Bezug auf Europa vor dem Zweiten Weltkrieg gewählt? Eine Möglichkeit, den Aufstieg der Autokratie auf der ganzen Welt zu kommentieren?
Obwohl ursprünglich „Sturm und Drang“ der Name der literarischen Bewegung war, die im Deutschland des 18.Jahrhunderts entstand, verwendet Eisenman in diesem Fall, so Pesanti, den Ausdruck in seiner zeitgenössischen Verwendung als Synonym für Getöse. Pesanti sagt: „Das Getöse der politischen Atmosphäre unseres Landes, aber auch das Getöse eines deutschen Biergartens in Brooklyn. Das Getöse dieser Show.“
„Sturm und Drang“ läuft bis Aug. 16 im Contemporary Austin-Jones Center, mit einer Outdoor-Skulptur, die in diesem Frühjahr auf dem Laguna Gloria Campus des Museums hinzugefügt werden soll. thecontemporaryaustin.org/