Best Herbie Hancock Albums: 20 Essentials From The Legendary Jazz Pianist

Né le 12 avril 1940, Herbie Hancock est un pionnier de la musique qui fait des disques depuis près de 60 ans. Sa longue et sinueuse – mais jamais moins que fascinante – carrière, qui a commencé en 1962 lorsqu’il a fait son premier enregistrement en tant que sideman pour le trompettiste Donald Byrd, l’a vu explorer une variété de paysages musicaux. Du bebop au hip-hop, Hancock a tout fait, et les meilleurs albums d’Herbie Hancock tracent le chemin du pianiste à travers une gamme de styles apparemment incompatibles qui vont du jazz avant-gardiste de pointe au disco-funk et aux musiques de films atmosphériques. Pour souligner sa polyvalence, il est également apparu sur des disques pop de Joni Mitchell et Simple Minds, et enregistré aux côtés de Santana, Paul Simon, Norah Jones et Sting.

Bien qu’il ait débuté comme pianiste de jazz, la curiosité musicale de Hancock l’a conduit à transcender les genres. Nous rendons ici hommage à Herbie Hancock en tant que leader et sideman en classant ses 20 meilleurs albums. Vous pensez qu’on en a manqué ? Faites-le nous savoir dans la section commentaires, ci-dessous.

Meilleur Herbie Hancock Albums: 20 Essentials From The Legendary Jazz Pianist

20: Blow-Up (MGM, 1966)

Le réalisateur italien Michelangelo Antonioni a engagé Hancock, alors membre du Quintet de Miles Davis, pour enregistrer Blow-Up, un film sur un meurtre mystérieux se déroulant à Londres pendant les années 60.Le pianiste a recruté Freddie Hubbard, Joe Henderson, Jimmy Smith, Jim Hall, Ron Carter et Jack DeJohnette pour aider à apporter la de la musique à la vie. Stylistiquement, il allait du blues terreux à 12 mesures (« Veronica ») à des pièces de style jazz modal plus libres (« The Naked Camera »). Le funkifié « Bring Down The Birds » avait son intro de basse et de guitare à l’unisson échantillonnée par Deee-Lite sur leur hit de danse de 1990, « Groove Is In The Heart ».
Piste essentielle: ‘La Caméra nue’

19: 1+1 ( avec Wayne Shorter; Verve, 1997)

Un album en duo avec l’ami de longue date et partenaire musical de Hancock dans crime, le saxophoniste Wayne Shorter (qui joue du soprano tout au long), 1+1 est un récital intime sur lequel les deux légendes interprètent trois nouvelles chansons qu’elles ont écrites, ainsi qu’une sélection d’autres documents. Ils revisitent également ‘Joanna’s Theme’, initialement apparu sur la bande originale de Death Wish de Hancock en 1974, et ‘Diana’, un morceau plus court de son album de 1975, Native Dancer.
Piste essentielle : ‘Manhattan Lorelei’

18: The Prisoner (Blue Note, 1969)

The Prisoner est le septième et dernier album de Hancock pour Blue Note, mais aussi le premier à aborder les préoccupations sociopolitiques touchant les Noirs Américains. En élargissant sa palette de couleurs, Hancock a élargi la gamme de trois cor du précédent Speak Like A Child à une combinaison de six cors et d’instruments à vent; en termes de vocabulaire musical, Hancock repoussait l’enveloppe du jazz avec une conception plus libre derrière sa musique. La pierre angulaire de l’album, « I Had A Dream », a été inspirée par le leader des droits civiques, Martin Luther King Jr, assassiné l’année précédente. Sur The Prisoner, Hancock a trouvé un sens stimulant de la libération musicale qui le pousserait vers une musique plus révolutionnaire.
Piste essentielle: « Celui Qui Vit Dans La Peur’

17: Directions In Music: Live At Massey Hall (Verve, 2002)

À l’âge de 62 ans, Herbie Hancock a démontré sur ce barnstormer d’un album live, enregistré à Toronto, qu’il travaillait toujours à la pointe du jazz. Il partage la scène avec une première ligne à deux cor composée du saxophoniste Michael Brecker et du trompettiste Roy Hargrove, avec John Patitucci à la basse et Brian Blade à la batterie. Jouant un mélange d’originaux, de classiques du jazz et de standards, le quintette est en fusion. Ils reprennent trois morceaux de John Coltrane, dont « Impressions », qui est tagué sur une interprétation de « So What » de Miles Davis. Hancock a remporté un Grammy dans la catégorie du Meilleur Solo de jazz improvisé pour sa performance sur la chanson « My Ship ».
Piste essentielle : ‘Mon vaisseau’

16: Inventions & Dimensions (Blue Note, 1964)

Ce troisième album de Hancock lui permet de faire un détour stylistique par les styles hard bop et soul-jazz de ses deux premiers albums Blue Note. En s’associant aux célèbres maestros de percussions latines Willie Bobo et Osvaldo « Chihuahua » Martinez, le pianiste a créé des compositions spontanées sur leurs figures rythmiques afro-cubaines, tandis que les lignes de basse élastiques de l’ex-membre du groupe Miles Davis Paul Chambers ancrent les cinq chansons de l’ensemble. ‘Succotash’ est une exploration discursive du rythme, tandis que ‘Triangle’ est plus mélodique avec des qualités de jazz modal. ‘Mimosa’, la coupe de fermeture, a une sensation de rhumba sensuelle. Les dimensions des inventions & ont révélé que Herbie Hancock, âgé de 24 ans, était un preneur de risque musical qui ne se contentait pas de s’en tenir aux formules éprouvées.
Piste essentielle : ‘Mimosa’

15: Speak No Evil (avec Wayne Shorter; Blue Note, 1965)

Lorsque Wayne Shorter a rejoint le Quintette de Miles Davis en 1964, Herbie Hancock faisait déjà partie du groupe du trompettiste depuis plus d’un an. Le couple est rapidement devenu ami et le pianiste a fait plusieurs apparitions sur les albums solo du saxophoniste pour Blue Note, à commencer par l’influent chef-d’œuvre Speak No Evil. Bien que Shorter soit la vedette du spectacle, la contribution de Hancock est remarquable pour la grande qualité de son accompagnement apparemment télépathique et de ses solos de piano étincelants.
Piste essentielle: ‘Speak No Evil’

14: Néfertiti (avec Miles Davis; Columbia, 1968)

Bien que Wayne Shorter ait été le principal compositeur du Quintette de Miles Davis entre 1964 et 1968, Herbie Hancock a contribué deux chansons à Néfertiti, qui est remarquable pour être le dernier enregistrement entièrement acoustique du trompettiste. « Madness » est un morceau tourbillonnant et uptempo défini par des harmonies nébuleuses et un solo de piano étendu et discursif, tandis que « Riot » – qui, plus tard la même année, est apparu sur l’album Speak Like A Child de Hancock – est plus concentré mais présente toujours un avantage prononcé. Les deux coupes reflètent l’évolution de Hancock en tant que pianiste et son ascension en tant que compositeur post-bop.
Piste essentielle: ‘Madness’

13: Rivière: The Joni Letters (Verve, 2007)

Cette entreprise étoilée, un hommage à Joni Mitchell, une amie de Hancock, mettait en vedette une galaxie de stars, allant de vieux stagers comme Leonard Cohen, Joni Mitchell et Tina Turner à de nouveaux venus, Norah Jones et Corinne Bailey Rae. Même Prince, en tant que guitariste non crédité, a fourni un camée rare. Malgré cela, Hancock reste la vedette du spectacle, offrant des interprétations inspirées de certaines des chansons les plus mémorables de Mitchell.
Piste essentielle: ‘Les deux côtés Maintenant’

12: Mwandishi (Warner Bros, 1971)

Après avoir quitté Blue Note en 1969, Hancock monte un nouveau groupe, Mwandishi – comprenant le joueur d’anche Benny Maupin et le trompettiste Eddie Henderson – qui enregistre deux albums pour Warner Bros et un pour Columbia. Le Mwandishi afro-centré trouve Hancock au piano électrique et crée un mode de fusion spacieux et lâche. L’album se composait de trois morceaux prolongés, le plus long étant la chanson « Wandering Spirit Song » de 21 minutes. Il y a des notes subtiles de funk – comme dans ‘Ostinato’, joué en 15/8 et piloté par la basse de Buster Williams – mais la meilleure coupe est la profondément atmosphérique ‘You’ll Know When You Get There’.
Piste essentielle: « Vous Saurez Quand Vous Y Arriverez’

11: My Point Of View (Blue Note, 1963)

Pour son deuxième album Blue Note, Hancock a réuni un groupe plus important de musiciens, dont son mentor, le trompettiste Donald Byrd, ainsi que le saxophoniste Hank Mobley et le tromboniste Grachan Moncur III. Le guitariste Grant Green a également participé à deux des cinq coupes de l’ensemble. Hancock a revisité l’ambiance funky R & B de « Watermelon Man » avec le « Blind Man, Blind Man » teinté de jazz soul, mais sur le « King Cobra », plus épisodique et modal, il a adopté une approche plus audacieuse et moins orthodoxe de la structure, de la mélodie et de l’harmonie. Pendant ce temps, ‘A Tribute To Someone’ est une ballade délicieuse portée par la basse ambulante de Chuck Israel et qui souligne le lyrisme de Byrd.
Piste essentielle : ‘King Cobra’

10: Sunlight (Columbia, 1978)

En 1978, Herbie Hancock passe du jazz-funk hardcore de ses disques du début au milieu des années 70 au style disco-funk plus léger et plus accessible créé sur Sunlight. La pièce de résistance de l’album est l’accrocheur « I Thought It Was You », un single à succès britannique qui l’a trouvé chanter à l’aide d’un vocodeur, un processus d’effets qui a donné à la voix humaine un son robotique. Bien que l’album soit principalement composé de matériel similaire, la « Bonne Question » de clôture était tout à fait plus aventureuse: un hybride de jazz et de musique latine avec le bassiste de Weather Report Jaco Pastorius.
Piste essentielle: ‘Je Pensais Que C’Était Toi’

9: The New Standard (Verve, 1996)

Comme son ancien chef d’orchestre Miles Davis, Hancock ne s’est jamais arrêté musicalement et était toujours à la recherche de nouvelles voies d’expression de soi. Sur cet album brillant qui souligne le penchant du pianiste pour la prise de risque, il reconfigure des chansons pop et rock contemporaines et classiques en chefs-d’œuvre du jazz. Avec l’aide du saxophoniste Michael Brecker et du guitariste John Scofield, Hancock reprend du matériel des Beatles, Steely Dan et Nirvana ainsi que des numéros R&B de Stevie Wonder, Prince, Babyface et Sade. C’est une sélection courageuse mais qui donne des résultats spectaculaires.
Piste essentielle:  » L’Amour Est Plus Fort Que L’Orgueil’

8: Fat Albert Rotunda (Warner Bros, 1969)

Hancock est passé de Blue Note à Warner Bros en 1969, et son premier projet pour son nouveau label était la bande originale d’un film d’animation produit par Bill Cosby appelé Hey, Hey, Hey, It’s Fat Albert. Avec une énorme distribution de musiciens de soutien – dont le saxophoniste Joe Henderson, le guitariste Eric Gale et le batteur Bernard Purdie – la rotonde Fat Albert à sept pistes était remplie de grooves funk cuivrés. Il y avait aussi deux grandes ballades: la délicate  » Jessica « , revisitée par Hancock en 1977, et la lyrique rêveuse  » Tell Me A Bedtime Story « , l’une des compositions les plus élégantes du pianiste.
Morceau essentiel:  » Raconte-Moi Une Histoire Au coucher’

7: Gershwin’s World (Verve, 1998)

Un hommage au compositeur George Gershwin à l’occasion de son centenaire, Gershwin’s World est une vitrine scintillante de la capacité de Hancock à dépasser le jazz et à toucher un public plus large sans sacrifier son intégrité musicale. Les invités sur l’album incluent Joni Mitchell – qui chante sur deux chansons, dont un magnifique « Summertime » avec Stevie Wonder à l’harmonica – Chick Corea et Wayne Shorter. Hancock fait également appel aux services de l’Orchestre de Chambre Orpheus pour l’accompagner sur le deuxième mouvement du Concerto pour piano en Sol de Ravel.
Piste essentielle : ‘Summertime’

6: Speak Like A Child (Blue Note, 1968)

Souvent négligé dans l’œuvre Blue Note de Hancock, Speak Like A Child est l’un des plus beaux albums du pianiste. Inspiré de souvenirs d’enfance, il présente un sextuor dont l’instrumentation comprend un mélange inédit de flûte alto, de bugle et de trombone: une combinaison qui imprègne le disque de sonorités inhabituelles mais séduisantes. Hancock est le seul soliste sur six coupes convaincantes qui vont de la conduite ‘Riot’ et ‘Sorcerer’ (deux chansons également enregistrées par Hancock avec le Quintet de Miles Davis) à la ballade pastorale ‘Goodbye To Childhood’ et la chanson-titre lyrique.
Piste essentielle: ‘Parle Comme Un Enfant’

5: Future Shock (Columbia, 1983)

Une décennie après que Head Hunters l’a présenté à un public plus large, Hancock, qui avait exploré le disco-funk à la fin des années 70 et au début des années 80, a pris une autre tournure inattendue. C’est à ce moment qu’il s’est associé au producteur Bill Laswell pour créer le funk de science-fiction robotique de Future Shock de 1983. En utilisant des boîtes à rythmes, des séquenceurs et des échantillonneurs, et en incorporant des techniques de grattage de DJ dans sa musique, Hancock a créé un nouveau monde de sons courageux qui a trouvé instantanément la faveur du public acheteur de disques. L’album, qui a donné naissance au single à succès mémorable « Rockit », a atteint des ventes de platine et a été extrêmement influent, en particulier dans les cercles hip-hop.
Piste essentielle : ‘Rockit’

4: Takin’ Off (Blue Note, 1962)

Enregistré le 28 mai 1962, Takin’ Off marque les débuts de Hancock en tant que chef d’orchestre. Il n’avait que 22 ans mais a fait preuve d’une maturité musicale remarquable en tant que compositeur et conceptualiste du jazz. Les cinq titres de l’album étaient des compositions originales, allant de la sensation rythmique funky de l’infectieux « Watermelon Man » à « The Maze », un type plus exploratoire de mélodie hard bop. Hancock a également eu un soutien exceptionnel sur l’album du saxophoniste Dexter Gordon et du trompettiste Freddie Hubbard. ‘Watermelon Man’, maintenant reconnu comme un standard de jazz, est devenu un succès pop américain pour le percussionniste cubain Mongo Santamaria en 1964, et a été repris à de nombreuses reprises.
Piste essentielle: ‘Watermelon Man’

3: Empyrean Isles (Blue Note, 1964)

En juin 1964, Hancock, alors âgé de 25 ans, entre au Studio Van Gelder avec Freddie Hubbard, Ron Carter et Tony Williams pour enregistrer un album concept basé sur un lieu mythique qui le marqua comme un pionnier du jazz. Il mélange du hard bop avancé avec des éléments de modal, de soul-jazz et de free jazz, en particulier lors d’improvisations solo et collectives. Bien que le funky « Cantaloupe Island », un proche cousin du précédent « Watermelon Man », ait montré que Hancock n’avait pas oublié comment créer des airs contagieux, le reste de l’album, y compris le style radical et avant-gardiste « The Egg », a montré le pianiste dans une humeur plus aventureuse. Pour les fans de jazz en 1964, Empyrean Isles a confirmé qu’Herbie Hancock était un maître en devenir.
Piste essentielle : ‘Île aux Cantaloups’

2: Head Hunters (Columbia, 1973)

Préoccupé par le fait que la musique ésotérique et abstraite de son groupe Mwandishi ne soit pas en contact avec de nombreux auditeurs, le deuxième album de Hancock pour Columbia le voit changer radicalement de direction. Avec sa fusion d’impro jazz avec des grooves funk électriques inspirés de Sly Stone et de James Brown, Head Hunters est devenu un best-seller et a changé la donne pour Hancock, le transformant en une superstar du jazz de bonne foi.
Piste essentielle : ‘Caméléon’

1: Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

En tête de notre liste des 20 meilleurs albums d’Herbie Hancock est this, son cinquième album, enregistré en 1965. À cette époque, Hancock, âgé de 24 ans, jouait dans le Quintette de Miles Davis et s’intéressait activement à l’expansion des paramètres du jazz avec une approche plus exploratrice de la mélodie, du rythme et de l’harmonie. Lors du voyage inaugural sur le thème nautique, il a embrassé le jazz modal en compagnie du saxophoniste George Coleman et du trompettiste Freddie Hubbard, aux côtés du bassiste Ron Carter et du batteur Tony Williams. La magnifique chanson-titre est l’une des compositions les plus remarquables et les plus reprises de Hancock. L’album contient également les titres classiques « Dolphin Dance » et « The Eye Of The Hurricane ». Il reste une pierre de touche musicale dans le canon du pianiste de Chicago.
Voie essentielle : ‘Voyage inaugural’

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