Best Herbie Hancock Albums: 20 Essentials From the Legendary Jazz Pianist

urodzony 12 kwietnia 1940 roku Herbie Hancock jest pionierem muzycznym, który nagrywa płyty od prawie 60 lat. Jego długa i kręta – ale nigdy mniej niż fascynująca – kariera, która rozpoczęła się w 1962 roku, kiedy zadebiutował jako sideman dla trębacza Donalda Byrda, pozwoliła mu eksplorować różnorodne muzyczne krajobrazy. Od bebopu do hip-hopu, Hancock zrobił to wszystko, a najlepsze albumy Herbie Hancock notują ścieżkę pianisty przez szereg pozornie niekompatybilnych stylów, od awangardowego jazzu po wypełniający podłogę disco-funk i nastrojowe partytury filmowe. Aby podkreślić swoją wszechstronność, pojawił się również na popowych płytach Joni Mitchell i Simple Minds, a także nagrywał u boku Santany, Paula Simona, Norah Jones i Stinga.

chociaż zaczynał jako pianista jazzowy, muzyczna ciekawość Hancocka doprowadziła go do przekroczenia gatunków. Tutaj składamy hołd Herbie Hancock zarówno jako lider i sideman rankingu jego 20 najlepszych albumów. Myślisz, że coś przegapiliśmy? Daj nam znać w sekcji komentarzy poniżej.

Best Herbie Hancock Albums: 20 Essentials from the Legendary Jazz Pianist

20: Blow-Up (MGM, 1966)

włoski reżyser Michelangelo Antonioni zatrudnił Hancocka, wówczas członka kwintetu Milesa Davisa, do skomponowania Blow-Up, filmu kryminalnego rozgrywającego się w Londynie podczas swingujących lat 60. pianista zatrudnił Freddiego Hubbarda, Joe Hendersona, Jimmy 'ego Smitha, Jima Halla, Rona Cartera i Jacka DeJohnette’ a, aby pomóc przy tworzeniu muzyki do życie. Stylistycznie sięgała od ziemistego, 12-taktowego bluesa („Veronica”) do swobodniejszych utworów w stylu jazzowym („The Naked Camera”). Funkified „Bring Down the Birds” miał swoje unison bas i gitara intro samplowane przez Deee-Lite na ich 1990 dance hit, „Groove Is In the Heart”.
istotny utwór: „Naga Kamera’

19: 1+1 (Z Wayne ’em Shorterem; Verve, 1997)

album duetu z długoletnim przyjacielem Hancocka i muzycznym partnerem w crime, saksofonistą Wayne’ em Shorterem (który gra sopran), 1+1 to kameralny recital, na którym dwie legendy wykonują trzy nowe utwory, które napisali, wraz z wyborem innych materiałów. Powracają także do „Joanny’ s Theme”, która początkowo pojawiła się na ścieżce dźwiękowej Death Wish Hancocka w 1974 roku, oraz do „Diany”, krótszej melodii z jego albumu Native Dancer z 1975 roku.
Essential track: 'Manhattan Lorelei’

18: The Prisoner (Blue Note, 1969)

The Prisoner był siódmym i ostatnim albumem Hancocka dla Blue Note, ale, co istotne, był również pierwszym, który poruszył społeczno-polityczne obawy dotyczące czarnych Amerykanów. Poszerzając paletę barw, Hancock rozszerzył trzy-waltorniową linię wcześniejszych Speak Like a Child DO KOMBINACJI sześciu rogów i instrumentów dętych drewnianych; pod względem słownictwa muzycznego Hancock przesuwał jazzową kopertę z swobodniejszą koncepcją za swoją muzyką. Kamień węgielny albumu, „I Had a Dream”, został zainspirowany przez lidera Praw Obywatelskich, Martina Luthera Kinga, Jr, który został zamordowany w poprzednim roku. Na Więźniu Hancock znalazł upodmiotowiające poczucie muzycznego wyzwolenia, które pobudziłoby go do dalszej muzyki przełamującej granice.
Essential track: „Kto żyje w strachu’

17: Directions In Music: Live At Massey Hall (Verve, 2002)

w wieku 62 lat Herbie Hancock zademonstrował na albumie barnstormer of a live, nagranym w Toronto, że wciąż pracuje w awangardzie jazzu. Dzielił scenę z dwubiegunowym frontline składającym się z saksofonisty Michaela Breckera i trębacza Roya Hargrove 'a, z Johnem Patituccim na basie i Brianem Blade’ em na perkusji. Grając mieszankę oryginałów, klasyki jazzowej i standardów, kwintet jest w stopionej formie. Coverują trzy utwory Johna Coltrane 'a, w tym „Impressions”, który jest oznaczony jako interpretacja „So What” Milesa Davisa. Hancock zdobył Nagrodę Grammy w kategorii Best Improvised Jazz Solo za wykonanie utworu „My Ship”.
podstawowy utwór: „mój statek’

16: Inventions & Dimensions (Blue Note, 1964)

ten, trzeci album Hancocka, znalazł go w stylistyce odchodzącej od hard bop i soul-jazzowych stylizacji swoich dwóch pierwszych albumów Blue Note. Współpracując z wybitnymi latynoskimi perkusistami Willie Bobo i Osvaldo „Chihuahua” Martinez, pianista tworzy spontaniczne kompozycje nad ich Afro-kubańskimi figurami rytmicznymi, podczas gdy elastyczne linie basu byłego członka zespołu Milesa Davisa, Paula Chambersa, zakotwiczają pięć utworów. „Succotash” jest dyskursywną eksploracją rytmu, podczas gdy delikatnie swingujący „Triangle” jest bardziej melodyjny z modalnymi cechami jazzu. 'Mimosa’, krój zamykający, ma parne rhumba czuć. Wynalazki & ujawniły, że 24-letni Herbie Hancock był muzykalnym ryzykantem, który nie był zadowolony ze sprawdzonych formuł.
podstawowy utwór: 'Mimosa’

15: Speak No Evil (with Wayne Shorter; Blue Note, 1965)

kiedy Wayne Shorter dołączył do kwintetu Milesa Davisa w 1964 roku, Herbie Hancock był już z zespołem trębacza przez ponad rok. Para szybko się zaprzyjaźniła, a pianista wystąpił kilka razy na solowych albumach saksofonisty dla Blue Note, zaczynając od wpływowego arcydzieła Speak No Evil. Chociaż Shorter jest gwiazdą show, wkład Hancocka jest godny uwagi ze względu na wysoką jakość jego pozornie telepatycznego akompaniamentu i błyskotliwych solówek fortepianowych.
Essential track: 'Speak No Evil’

14: Nefertiti (z Milesem Davisem; Columbia, 1968)

chociaż Wayne Shorter był głównym kompozytorem kwintetu Milesa Davisa w latach 1964-1968, Herbie Hancock napisał dwie piosenki do Nefertiti, która jest godna uwagi jako ostateczne, całkowicie akustyczne nagranie trębacza. „Madness” to wirujący utwór uptempo zdefiniowany przez mgliste harmonie i rozbudowaną, dyskursywną solówkę fortepianową, podczas gdy „Riot” – który w tym samym roku ukazał się na albumie Hancocka Speak Like a Child – jest bardziej skupiony, ale wciąż wykazuje wyraźną krawędź. Oba utwory odzwierciedlają ewolucję Hancocka jako pianisty i jego wzrost jako kompozytora post-bop.
Essential track: 'Madness’

13: Rzeka: The Joni Letters (Verve, 2007)

to rozgwieżdżone przedsięwzięcie, hołd dla przyjaciółki Hancocka, Joni Mitchell, przedstawiało galaktykę A-listerów, od starych stagerów, takich jak Leonard Cohen, Joni Mitchell i Tina Turner, po względne nowicjuszki Norah Jones i Corinne Bailey Rae. Nawet Prince, jako gitarzysta, dostarczył rzadką kameę. Mimo to Hancock pozostaje gwiazdą show, oferując inspirowane interpretacje niektórych z najbardziej pamiętnych piosenek Mitchella.
Essential track: 'Both Sides Now’

12: Mwandishi (Warner Bros, 1971)

po odejściu z Blue Note w 1969 roku Hancock założył nowy zespół, mwandishi – w skład którego wchodzili reed Benny Maupin i trębacz Eddie Henderson – który nagrał dwa albumy dla Warner Bros i jeden dla Columbii. Afrocentryczny Mwandishi znajduje Hancocka na elektrycznym pianinie i tworzy przestrzenny, luźny tryb fuzji. Album składał się z trzech rozbudowanych utworów, z których najdłuższy był 21-minutowy „Wandering Spirit Song”. Są subtelne nuty funku-jak w „Ostinato”, granym w czasie 15/8 i napędzanym basem Bustera Williamsa – ale najlepszym krojem jest głęboko nastrojowe „you’ ll Know When you Get There”.
Essential track: „dowiesz się, kiedy tam dotrzesz’

11: My Point Of View (Blue Note, 1963)

na swój drugi album Blue Note Hancock zgromadził większą grupę muzyków, w skład której wchodzili jego mentor, trębacz Donald Byrd, a także saksofonista Hank Mobley i puzonista Grachan Moncur III. gitarzysta Grant Green wystąpił również na dwóch z pięciu kawałków. Hancock powrócił do funky r&B „Watermelon Man” z soulowym Jazzowym „Blind Man, Blind Man”, ale na bardziej epizodycznym, modalnym „King Cobra” przyjął odważniejsze, mniej ortodoksyjne podejście do struktury, melodii i harmonii. Tymczasem „A Tribute to Someone” to zachwycająca ballada napędzana chodzącym basem Chucka Israela, która podkreśla liryzm Byrda.
podstawowy utwór: „King Cobra’

10: Sunlight (Columbia, 1978)

w 1978 roku Herbie Hancock przeniósł się z hardcore jazz-funk swoich wczesnych do połowy lat 70. do lżejszego, bardziej przystępnego stylu disco-funk, który miał swoją premierę na Sunlight. Pièce de résistance to chwytliwy singiel „I Thought It Was You”, który znalazł go śpiewającego przy użyciu vocodera, procesu efektów, który nadał ludzkiemu głosowi zrobotyzowany dźwięk. Choć album w większości składał się z podobnie brzmiącego materiału, Zamknięcie „Good Question” było bardziej ryzykowne: hybryda jazzu i muzyki latynoskiej z basistą Weather Report Jaco Pastoriusem.
Essential track: „I Thought it Was You”’

9: The New Standard (Verve, 1996)

podobnie jak dotychczasowy lider zespołu Miles Davis, Hancock nigdy nie stał w miejscu muzycznie i zawsze szukał nowych dróg do wyrażania siebie. Na tym genialnym albumie, który podkreśla zamiłowanie pianisty do podejmowania ryzyka, przekształca zarówno współczesne, jak i klasyczne utwory popowe i rockowe w arcydzieła jazzu. Z pomocą saksofonisty Michaela Breckera i gitarzysty Johna Scofielda Hancock przeprojektował Materiał The Beatles, Steely Dana i Nirvany wraz z numerami R&B Stevie Wondera, Prince 'a, Babyface’ a i Sade. To odważny wybór, ale daje spektakularne rezultaty.
Essential track: 'Love Is Stronger Than Pride’

8: Fat Albert Rotunda (Warner Bros, 1969)

Hancock przeszedł z Blue Note Do Warner Bros w 1969 roku, a jego pierwszym projektem dla nowej wytwórni była ścieżka dźwiękowa do filmu animowanego wyprodukowanego przez Billa Cosby 'ego pod tytułem Hey, Hey, Hey, it’ s Fat Albert. Z ogromną obsadą muzyków wspierających – w tym saksofonisty Joe Hendersona, gitarzysty Erica Gale ’ a i perkusisty Bernarda Purdie – siedmiościeżkowy Fat Albert Rotunda był pełen bezczelnych, funkowych rytmów. Były też dwie wielkie ballady: delikatna „Jessica”, do której Hancock powrócił w 1977 roku, oraz wymarzona lirycznie „Tell me a Bedtime Story”, jedna z najbardziej eleganckich kompozycji pianisty.
podstawowy utwór: „Opowiedz mi bajkę na dobranoc’

7: Gershwin 's World (Verve, 1998)

hołd złożony kompozytorowi George’ owi Gershwinowi z okazji jego stuletniej rocznicy, Gershwin ’ s World jest błyskotliwym pokazem umiejętności Hancocka wykraczającego poza jazz i docierającego do szerszej publiczności bez poświęcania jego muzycznej integralności. Gośćmi na płycie są m.in. Joni Mitchell-która śpiewa w dwóch piosenkach, w tym pięknym „Summertime” ze Stevie Wonderem na harmonijce – Chick Corea i Wayne Shorter. Hancock angażuje się również w usługi Orkiestry Kameralnej Orpheus, aby towarzyszyć mu w drugiej części „Koncertu fortepianowego G” Ravela.
Essential track: 'Summertime’

6: Speak Like a Child (Blue Note, 1968)

często pomijany w twórczości Hancocka Blue Note, Speak Like a Child jest jednym z najpiękniejszych albumów pianisty. Zainspirowany wspomnieniami z dzieciństwa, zawiera sekstet, którego instrument zawiera nowatorską mieszankę fletu altowego, flugelhornu i puzonu: połączenie, które nasyca płytę niezwykłymi, ale urzekającymi brzmieniami. Hancock jest jedynym solistą na sześciu fascynujących cięciach, począwszy od driving „Riot” i „Sorcerer” (dwie piosenki również nagrane przez Hancocka z Kwintetem Milesa Davisa) po pastoralną balladę „Goodbye to Childhood” i liryczny utwór tytułowy.
Essential track: 'Speak Like a Child’

5: Future Shock (Columbia, 1983)

dziesięć lat po tym, jak Head Hunters przedstawił go szerszej publiczności, Hancock, który eksplorował disco-funk na przełomie lat 70.i 80., przyjął kolejny nieoczekiwany zwrot. To wtedy połączył siły z producentem Billem Laswellem, aby stworzyć zrobotyzowany funk sci-fi Future Shock z 1983 roku. Wykorzystując automaty perkusyjne, sekwencery i samplery, oraz wykorzystując techniki drapania DJ-a do swojej muzyki, Hancock stworzył nowy, odważny świat dźwięku, który znalazł natychmiastową przychylność wśród kupujących płyty. Album, który zrodził pamiętny przebój „Rockit”, osiągnął sprzedaż platynową i był niezwykle wpływowy, szczególnie w kręgach hip-hopowych.
podstawowy utwór: 'Rockit’

4: Takin 'Off (Blue Note, 1962)

nagrany 28 maja 1962, takin’ Off oznaczał debiut Hancocka jako lidera zespołu. Miał zaledwie 22 lata, ale wykazał się niezwykłą dojrzałością muzyczną jako kompozytor i konceptualista jazzu. Wszystkie pięć utworów z albumu było oryginalnymi kompozycjami, począwszy od funky rhythm ’ n 'blues feel of the infective” Watermelon Man ” Do „The Maze”, bardziej odkrywczego typu hard bop tune. Hancock miał również znakomite wsparcie na albumie ze strony saksofonisty Dextera Gordona i trębacza Freddiego Hubbarda. „Watermelon Man”, obecnie uznawany za standard jazzowy, stał się amerykańskim hitem popowym kubańskiego perkusisty Mongo Santamarii w 1964 roku i był wielokrotnie coverowany.
podstawowy utwór: „człowiek arbuz’

3: Empyrean Isles (Blue Note, 1964)

w czerwcu 1964 roku Hancock, wówczas 25-letni, udał się do Van Gelder Studio z Freddiem Hubbardem, Ronem Carterem i Tonym Williamsem, aby nagrać album koncepcyjny oparty na mitycznym miejscu, które naznaczyło go jako pioniera jazzu. Łączył zaawansowany hard bop z elementami modalu, soul-jazzu i free jazzu, zwłaszcza podczas improwizacji solowych i zbiorowych. Choć funky „Cantaloupe Island”, bliski kuzyn wcześniejszego „Watermelon Man”, pokazał, że Hancock nie zapomniał, jak tworzyć zaraźliwe melodie, pozostała część albumu, w tym radykalny, awangardowy „The Egg”, pokazała pianiście bardziej ryzykowny nastrój. Dla fanów jazzu w 1964 roku Empyrean Isles potwierdził, że Herbie Hancock był mistrzem w tworzeniu.
podstawowy utwór: „Cantaloupe Island’

2: Head Hunters (Columbia, 1973)

obawiając się, że ezoteryczna i abstrakcyjnie brzmiąca muzyka zespołu Mwandishi nie łączy się z wieloma słuchaczami, drugi album Hancocka dla Columbii radykalnie zmienił kierunek. Dzięki fuzji jazzowej improwizacji z groovami electric funk inspirowanymi przez ziemistego Sly 'ego Stone’ A i Jamesa Browna, Head Hunters stał się bestsellerem i okazał się przełomowy dla Hancocka, zmieniając go w prawdziwą gwiazdę jazzu.
podstawowy utwór: 'Kameleon’

1: Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

na szczycie listy 20 najlepszych albumów Herbie ’ ego Hancocka jest to jego piąty reord, nagrany w 1965 roku. W tym czasie 24-letni Hancock grał w kwintecie Milesa Davisa i aktywnie interesował się poszerzaniem parametrów jazzu o bardziej eksploracyjne podejście do melodii, rytmu i harmonii. Na maiden Voyage o tematyce żeglarskiej objął modalny jazz w towarzystwie saksofonisty George 'a Colemana i trębacza Freddiego Hubbarda, obok basisty Rona Cartera i perkusisty Tony’ ego Williamsa. Piosenka tytułowa jest jedną z najbardziej znanych i mocno zakrytych kompozycji Hancocka. Na płycie znalazły się również klasyczne utwory „Dolphin Dance” i „The Eye of the Hurricane”. Pozostaje muzycznym punktem kulminacyjnym w kanonie chicagowskich pianistów.
podstawowy utwór: „Maiden Voyage’

szukasz więcej? Odkryj najlepszych pianistów jazzowych wszech czasów.