Nicole Eisenman está en un rollo, incluso si sus ruedas tienen forma de cuadrados. La ganadora del premio Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020 está realizando su primera exposición individual en Texas en el Austin Contemporáneo. «Sturm und Drang» (no se obsesione demasiado con la traducción literal del alemán) muestra sus esculturas figurativas extrañamente maravillosas, además de obras anteriores, incluidas pinturas satíricas y alegóricas que se remontan a la década de 1990.
Si cada éxito nocturno toma 10 años, quizás lo mismo se aplica al repentino cambio de Eisenman a la escultura alrededor de 2011. Son una especie de segundo acto para el artista de 55 años con sede en Brooklyn.
Después de dos décadas de pintura, en 2012 Eisenman produjo y exhibió rápidamente una serie de figuras de yeso de tamaño natural en el Studio Voltaire de Londres. Poco después, en el Carnegie International de 2013 en Pittsburgh, tres de sus esculturas de Londres, las únicas que sobrevivieron a una demolición posterior a la exposición, ya que no pudo enviar el resto, se mostraron con cuatro figuras adicionales, catapultándola a un nuevo reino.
Pero, ¿era eso realmente nuevo, se preguntó la curadora contemporánea Heather Pesanti, que quería volver sobre el éxito de Eisenman como fabricante de escultura a través de los primeros 20 años de su carrera como pintora? Para Eisenman, que había incursionado en la escultura desde el principio mientras estudiaba en la Escuela de Diseño de Rhode Island, con resultados supuestamente desastrosos que involucraron al jefe de bomberos, la pintura se convirtió en el largo y sinuoso camino que llevó a sus primeros instintos.
La exposición de The Contemporary examina ambas caras de esa moneda, con la planta baja del Jones Center que presenta, entre otras piezas, su entrada de la Bienal Whitney 2019 «Procession», una extensa instalación de personajes escultóricos que pasaron el verano pasado tomando el sol en la terraza del sexto piso del museo con vistas al High Line en Chelsea. La galería del segundo piso contiene obras anteriores, principalmente pinturas, pero también grabados, bustos y relieves, todos los cuales insinúan el interés de larga data de Eisenman por la forma y la forma, cómo se mueven los cuerpos a través del espacio.
«Nicole me dijo que había recurrido a la escultura porque, de alguna manera, siempre había estado pensando en la escultura, lo que realmente me impresionó», dice Pesanti. Trabajó con Eisenman para curar la galería del segundo piso como una forma de explorar esa relación inherente entre sus obras bidimensionales y tridimensionales.
Una de sus primeras pinturas (ubicada en la galería de la planta baja) incluye una figura femenina, que es casi idéntica en forma a la escultura más inminente en «Procesión», convenientemente a solo unos metros de distancia para comparar. En «Support Systems for Women No. 1» (1998), una mujer zaftig en reposo en una plataforma desvencijada sugiere una falta de soporte sólido para su cuerpo, y quizás para las mujeres en general en la sociedad.
En «Máquina de movimiento Perpetuo» (2019), el gigante pesado que lidera el camino parece igualmente cargado, pero por diferentes razones, comenzando con el fajo de chicle que ha intervenido de manera molesta. Él y su caravana de camaradas están aparentemente atascados a pesar de sus esfuerzos: oprimidos, caminantes, un poco deformados, atascados en su propia creación. Si Eisenman desea decir que las mujeres no están siendo suficientemente sostenidas, tal vez los hombres en sus piezas están siendo derribados con demasiada frecuencia.
El gigante en «Máquina de Movimiento Perpetuo» ha ido a pescar, su captura de atún (un montón de latas de abejorros viejos) cuelga pesadamente de un poste mientras tira de un trol con su mano libre. Pero sus ruedas son cuadradas, un detalle lúdico que podría pasarse por alto, aunque significa perder el punto más importante que Eisenman está tratando de hacer sobre las clavijas cuadradas sociales en agujeros redondos proverbiales.
En el último acto de humillación pública, una forma desnuda adorna el carro, con la cabeza inclinada mientras está de rodillas y manos, usando solo un par de calcetines de los Gigantes de Nueva York. De punto brillante con rojo, blanco y azul (colores del equipo Rangers), el escándalo de Eliot Spitzer como Cliente 9 viene inmediatamente a la mente. El culo de la figura, cubierto de lana esquilada, suelta un pedo ruidoso y ahumado cada pocos minutos. (Se le ha instalado una máquina de niebla en el ano. El penacho de pedos es el deleite de risa de todos los niños de quinto grado, y parece funcionar bien en una sala de snoots de arte, también. Si no te impresiona el sentido literal de esta broma, la pegatina del carro para el parachoques transmite un mensaje directo del artista: ¿CÓMO ESTÁ MI ESCULTURA? LLAMA AL 1-800-COME-MIERDA. (Las pegatinas para parachoques están a la venta en la tienda de regalos del museo.)
Nuevos elementos, como las águilas, se han incorporado a la exposición de Austin. Su presencia simbólica parece apropiadamente orientada hacia Texas y su feroz marca de libertad. Un busto de pájaro de pico grande lleva una correa retráctil para perros alrededor de su cuello, que parece rizado y con forma de soga. En otra parte, una pequeña águila (que está dormida o muerta) descansa en una caja en forma de nido en el piso de la galería al pie de un asta de bandera caído; una tapa de café blanca de gran tamaño cuelga de su cuerda en lugar de estrellas y rayas. El asta de la bandera descansa flácida sobre el hombro de otro personaje que marcha obstinadamente en esta procesión, la larga viga gotea con detalles metálicos testiculares.
«Procesión» logra ser irreverente en lugar de poco divertida en su oda a la identidad de género y la sexualidad incómoda. Aunque cada escultura posee un título individual, la fuerza de la instalación es que es una serie: un grupo de figuras, algunas más indeterminadas que otras, que se dirigen en la misma dirección, con ruedas cuadradas y todo.
Le pregunto a Pesanti por qué cree que Eisenman pasó 20 años como pintora figurativa (difícilmente una pérdida de tiempo, ya que resultó en una beca Guggenheim y MacArthur «genius»). «Cuando eres un artista que acaba de empezar, es muy difícil ser escultor», explica Pesanti. «Se necesita espacio, que no se tiene, se necesita dinero para mover cosas, que no se tiene, y se necesitan grandes materiales, que también son difíciles de conseguir.»
Ciertamente no hizo daño que un movimiento de neopintura, que incluía a gente como Lisa Yuskavage y John Currin, surgiera a principios de la década de 1990, en la época en que Eisenman estaba empezando. «La pintura había estado fuera durante un par de décadas, y luego hubo un regreso al trabajo figurativo y de representación», agrega Pesanti.
Arriba, una selección de grabados y pinturas (incluido un autorretrato de 1994, el primer trabajo de Eisenman en la muestra) complementan una variedad de esculturas, bustos y máscaras de caras divertidas. La galería del segundo piso no pierde tiempo en examinar su intercambiabilidad con objetos 2D y 3D. Una serie de ocho máscaras de pared son el argumento más fuerte para sus pinturas como esculturas, cada cara aplanada en un panqueque de forma y color. «El tirador» (2018) es una pintura que sobresale del lienzo, su gran cañón negro en ángulo hacia afuera. «Under the Table 2» (2014) un ingenioso juego de palabras visual sobre beber, su perspectiva colocándote debajo de la mesa con todos los demás mientras una botella de alcohol se inclina hacia tus propios labios resecos.
Una serie de esculturas tituladas» Sleeping Frat Guys » (2013) gira la noción de bustos clásicos, bueno, en su cabeza, con penes divertidos garabateados en las caras distorsionadas de hermanos universitarios desmayados. Una broma juvenil que aparentemente nunca pasa de moda, ya que siempre hay alguien sin poder para molestar.
» Heading Down River on the USS J-Bone of an Ass » (2017) domina impresionantemente la pared posterior de la galería del segundo piso. La pintura de aproximadamente 11 pies por 9 pies es otro juego de palabras divertido mezclado con un cuento de moralidad: Washington cruzando el Delaware menos la gloria. «J-Bone» contiene dos barcos: uno, hecho de la mandíbula de un burro, su vela rota es una herida mortal, y el otro, un remolcador rojo incondicional. Ambos están igualmente condenados; los pasajeros masculinos en cada barco, ya sea inconscientes o despreocupados. (Como un chico de fraternidad dormido.)
Pregunto por el título de la serie «Sturm und Drang», que literalmente se traduce como «tormenta y estrés».»Did Eisenman choose a German phrase in reference to pre-World War II Europe? ¿Una forma de comentar sobre el auge de la autocracia en todo el mundo?
Aunque originalmente «Sturm und Drang» era el nombre del movimiento literario que surgió en la Alemania del siglo XVIII, en este caso, explica Pesanti, Eisenman emplea la frase en su uso contemporáneo, como sinónimo de bravuconería. Dice Pesanti: «La bravuconería de la atmósfera política de nuestro país, pero también la bravuconería de una cervecería alemana en Brooklyn. La fanfarronería de este espectáculo.»
«Sturm und Drang» se extiende hasta agosto. 16 en el Centro Austin-Jones Contemporáneo, con una escultura al aire libre que se agregará en el campus Laguna Gloria del museo esta primavera. thecontemporaryaustin.org/