Godard est une figure charnière du cinéma aussi révolutionnaire et influente que Joyce l’était pour la littérature et que les cubistes l’étaient pour la peinture. Il a vu une règle et l’a enfreinte. Chaque jour, dans chaque film. Intégrer ce que les professionnels considéraient comme des erreurs (les sauts n’étaient que l’exemple le plus célèbre), mélanger la haute culture et la basse sans distinction snob, démolir le quatrième mur entre se considérer comme un fabricant de documentaires de fiction, de films d’essai et voir ses films comme une extension inséparable de son travail pionnier de critique de cinéma pour les Cahiers du Cinéma dans les années 1950.
Voici six films de sa période extrêmement productive des années 1960, où il a construit un chef-d’œuvre après l’autre, 14 en seulement sept ans. Ne vous sentez pas limité à cette décennie, cependant, le reste de sa carrière n’est pas moins fascinant, exaspérant et magistral.
À Bout de Souffle
La révolution commence ici. Une intrigue de sous-Série Noire à peine là impliquant un petit criminel vain et nihiliste (Jean-Paul Belmondo) avec un fétiche de Bogie, et sa petite amie américaine (Jean Seberg). Il tire sur un flic et s’enfuit – en quelque sorte – puis se fait tirer dessus lui-même. La vraie révolution est formelle, stylistique. Tout comme le Velvet Underground intégrait « l’accident » de la rétroaction, Godard utilisait les défauts et les no-nos formels du cinéma conventionnel pour réinventer le cinéma. Filmant sans permis, sans script réel (les dialogues ont été post-doublés), et libéré par les mêmes nouvelles caméras légères qui ont alimenté le boom du documentaire des années 60, Godard a atteint une sensation de documentaire libre et libre qui semblait totalement nouvelle et vivifiante en 1960. Il a également brisé les notions de haute culture et de basse, prouvant qu’on pouvait infuser des déchets de films B miteux avec Apollinaire et Les Palmiers sauvages, Shakespeare et les ours en peluche, Dovzhenko et Frank Tashlin. Et rien n’était plus jamais pareil.
Le Mépris)
Aux Studios Cinecittà à Rome, un film de L’Odyssée, réalisé par Fritz Lang lui-même (l’un des quatre ou cinq géants qui ont verrouillé la grammaire du cinéma, de peur qu’on ne l’oublie), et financé par le producteur américain brut de Jack Palance, échoue peu à peu à se faire. Le mariage du scénariste (Michel Piccoli) avec une Brigitte Bardot souvent nue, quant à lui, se défait lentement. Tourné en grand écran et en couleur par Coutard, Le mépris est presque ridiculement magnifique à regarder, principalement influencé par l’obsession de Godard pour la couleur rouge (JLG aime le rouge presque autant que Michael Powell), et orné de plans de suivi incroyablement lisses et élégants, certains d’une longueur et d’une complexité énormes. Et bien que travaillant avec un budget plus élevé (de Carlo Ponti, de tous les gens), on ne perd jamais l’impression que Godard est arrivé le matin avec une idée ou deux, a trouvé un décor ou un lieu préexistant, et vient de commencer le tournage. Le résultat, cependant, est l’un des chefs-d’œuvre du cinéma français.
Bande à part
Le plus « mignon » et le plus accessible de tous les premiers films de Godard, Bande à part s’est ancré dans la mémoire populaire internationale du cinéma, et est référencé dans des dizaines d’autres films, que ce soit directement, comme dans Les Rêveurs de Bertolucci, qui reconstitue la célèbre course de neuf minutes de Bande à travers le Louvre, ou indirectement, comme dans la production de Tarantino, A Band Apart Films. Au centre se trouve l’épouse de Godard et muse des années 1960, la très séduisante Anna Karina, qui s’en prend à deux criminels qui envisagent de voler son riche employeur. La plupart du temps, ils se baladent dans le Paris parfait de 1964, en voiture, en train de faire des conneries dans les cafés – y compris un moment où un personnage demande une minute de silence, et toute la bande–son disparaît pour cette période – et échouent généralement à être des escrocs. C’est le Godard accessible, antic et amusant qui a largement disparu pendant sa décennie maoïste radicale après mai 68. Encore une joie à dévorer.
Une Femme Mariée)
Godard a réalisé un certain nombre de films intrigants et provocants sur la vie des femmes dans les années 60: Une Femme est Une Femme, Vivre Sa Vie, Deux ou Trois choses que Je Sais d’Elle, et ce long portrait hors circulation de 1964 d’une femme lentement mais régulièrement éclipsée par la publicité, les biens de consommation, les propagandes de la mode et le consumérisme en général. Dans le mélange sont jetés les procès d’Auschwitz du début des années 60 en Allemagne de l’Ouest, les montages étendus de la photographie de mode et la fétichisation du corps de la grande dame Macha Meril, qui devient peu à peu indiscernable de la publicité qui l’assaille constamment. Pour des raisons non rendues publiques, Une Femme mariée a d’abord été interdite par les censeurs français. Godard pensait que l’interdiction ne découlait pas des cas bénins de nudité dans le film, mais parce qu’il s’agissait » d’une attaque contre un certain mode de vie, celui de la climatisation, celui du préfabriqué, de la publicité « . Toutes les horreurs de la vie moderne, en d’autres termes, transformées en grand art.
Alphaville
Un fantasme de science-fiction magique et bizarre, quelque part entre les films Orphée de Cocteau et le Dr Mabuse de Lang, mettant en vedette l’acteur américain expatrié Eddie Constantine – avec son visage et sa manière d’œil privé Warner Bros – dans le rôle de Lemmy Caution, un enquêteur envoyé pour détruire le fameux Alpha 60, un ordinateur sensible, moitié HAL 9000, moitié l’ordinateur du Prisonnier, bien donné à citer Borges, qui contrôle la ville d’Alphaville, absorbant l’âme du prisonnier. individuel dans la masse insensée du collectif. Avec son légendaire directeur de la photographie Raoul Coutard, Godard découvre le futur – inégalement réparti, alors comme aujourd’hui – dans le Paris contemporain sans construire un seul décor. Dans Alphaville, on peut convoquer une « Séductrice de Troisième Classe » pour des assignations, mais personne ne comprend le sens de « l’amour » ou de « conscience ». Les armes de Lemmy sont la poésie et la littérature, leurs significations ambiguës et toujours en mouvement, et donc intolérables et rebarbatives à Alpha 60, qui est finalement détruite par les mots « Je t’aime. »
La Chinoise
La Chinoise – avec Week–end, un autre chef–d’œuvre de 1967 – clôt la première période de la carrière de Godard – l’ère accessible – et préfigure sa période Dziga Vertov politiquement engagée, quasi maoïste, en partenariat avec Jean-Pierre Gorin, au cours de laquelle il semblait déterminé à s’aliéner tous ceux qui avaient aimé ses premières œuvres. La Chinoise (très librement inspirée du Possédé de Dostoïevski) est une comédie noire sur l’engagement politique, mettant en vedette l’icône de la Nouvelle Vague Jean-Pierre Léaud et la future seconde épouse de Godard, Anne Wiazemsky (vedette d’Au Hasard Balthasar de Bresson), et regorge de blagues visuelles et de montage audacieux (gardez un œil sur les quantités toujours croissantes et décroissantes du Petit Livre Rouge de Mao qui apparaissent sur les étagères derrière les haut-parleurs directs). Week-end, qui est extrêmement formellement agressif, contient l’un des plans de suivi les plus frappants et hilarants de l’histoire du cinéma, un embouteillage sans fin qui contient en quelque sorte toute la vie – naissance, repas, combats de poing, arguments philosophiques, sexe et mort.
Une femme mariée de Jean-Luc Godard se produit à la Brooklyn Academy of Music du 4 au 10 décembre
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