Godard ist eine ebenso revolutionäre und einflussreiche Persönlichkeit im Kino wie Joyce für die Literatur und die Kubisten für die Malerei. Er sah eine Regel und brach sie. Jeden Tag, in jedem Film. Einbeziehung dessen, was Fachleute als Fehler betrachteten (Jump-Cuts waren nur das berühmteste Beispiel), Vermischung von Hochkultur und niedrig ohne snobistische Unterscheidungen, Zerstörung der vierten Mauer zwischen der Betrachtung von sich selbst als Hersteller von fiktiven Dokumentarfilmen, Essayfilmen und der Betrachtung seiner Filme als untrennbare Erweiterung seiner Pionierarbeit als Filmkritiker für Cahiers du Cinéma in den 1950er Jahren.
Hier sind sechs Filme aus seiner enorm produktiven Zeit der 1960er Jahre, als er ein Meisterwerk nach dem anderen schuf, 14 in nur sieben Jahren. Fühlen Sie sich jedoch nicht auf dieses eine Jahrzehnt beschränkt, der Rest seiner Karriere ist nicht weniger faszinierend, ärgerlich und meisterhaft.
À Bout de Souffle (Atemlos)
Die Revolution beginnt hier. Ein kaum existierender Sub-Série-Noire-Plot mit einem eitlen und nihilistischen Kleinkriminellen (Jean-Paul Belmondo) mit einem Drehgestellfetisch und seiner amerikanischen Freundin (Jean Seberg). Er erschießt einen Polizisten und geht auf die Flucht – irgendwie – und wird dann selbst erschossen. Die wahre Revolution ist formal, stilistisch. So wie der Velvet Underground den „Unfall“ des Kinos einbezog, nutzte Godard die Fehler und formalen No-Nos des konventionellen Kinos, um das Kino neu zu erfinden. Dreharbeiten ohne Genehmigung, ohne echtes Drehbuch (Dialog wurde nachsynchronisiert) und befreit von den gleichen neuen leichten Kameras, die den Dokumentarfilm-Boom der 60er Jahre antrieben, erreichte Godard ein Off-the-Cuff, Freiform-Dokumentarfilm-Feeling, das sich 1960 völlig neu und belebend anfühlte. Er zerschmetterte auch Vorstellungen von Hochkultur und Niedrig, was beweist, dass man schäbigen B-Movie-Trash mit Apollinaire und den wilden Palmen, Shakespeare und Teddybären, Dovzhenko und Frank Tashlin infundieren kann. Und nichts war jemals wieder dasselbe.
Le Mépris (Verachtung)
In den Cinecittà Studios in Rom scheitert ein Film über die Odyssee unter der Regie von Fritz Lang selbst (einer der vier oder fünf Giganten, die die Grammatik des Kinos gesperrt haben, damit wir es nicht vergessen), der von Jack Palances rohem amerikanischen Produzenten finanziert wird. Die Ehe des Drehbuchautors (Michel Piccoli) mit einer häufig nackten Brigitte Bardot wird unterdessen langsam aufgelöst. Gedreht in Breitbild und Farbe von Coutard, ist Contempt fast lächerlich wunderschön anzusehen, vor allem durch Godards Karriere-lange Obsession mit der Farbe Rot (JLG liebt Rot fast so sehr wie Michael Powell), und zierte mit beneidenswert glatten und eleganten Kamerafahrten, einige von enormer Länge und Komplexität. Und obwohl man mit einem höheren Budget arbeitet (ausgerechnet von Carlo Ponti), verliert man nie den Eindruck, dass Godard am Morgen mit einer oder zwei Ideen auftauchte, ein bereits vorhandenes Set oder ein Gebietsschema fand und gerade mit den Dreharbeiten begann. Das Ergebnis ist jedoch eines der Meisterwerke des französischen Kinos.
Bande à Teil
Bande à part, der „süßeste“ und zugänglichste aller frühen Filme Godards, hat sich in das internationale Folkgedächtnis des Kinos eingegraben und wird in Dutzenden anderer Filme referenziert, sei es direkt, wie in Bertoluccis The Dreamers, der Bandes berühmtes neunminütiges Rennen durch den Louvre nachstellt, oder indirekt, wie in Tarantinos Produktionsoutfit A Band Apart Films. Im Zentrum steht Godards damalige Frau und Muse der 1960er Jahre, die absolut betörende Anna Karina, die es mit zwei Kriminellen aufnimmt, die planen, ihren reichen Arbeitgeber auszurauben. Meistens lerchen sie nur im perfekten Paris von 1964 herum, fahren Autos, quatschen in Cafes – einschließlich eines Moments, in dem ein Charakter um eine Schweigeminute bittet und der gesamte Soundtrack für diesen Zeitraum ausfällt – und scheitern im Allgemeinen daran, Gauner zu sein. Dies ist der zugängliche, poetische, lebenslustige Godard, der während seines radikalen maoistischen Jahrzehnts nach dem 68. Immer noch eine Freude zu verschlingen.
Une Femme Mariée (Eine verheiratete Frau)
Godard drehte in den 60er Jahren eine Reihe faszinierender und provokanter Filme über das Leben von Frauen: Une Femme est Une Femme, Vivre Sa Vie, Two or Three Things I Know About Her und dieses lange aus dem Verkehr gezogene Porträt einer Frau von 1964, das langsam, aber stetig von Werbung, Konsumgütern, Modestrecken und Konsumismus im Allgemeinen in den Schatten gestellt wurde. Hinzu kommen die Auschwitz-Prozesse der frühen 60er Jahre in Westdeutschland, ausgedehnte Montagen der Modefotografie und die Fetischisierung des Körpers von Hauptdarstellerin Macha Meril, der allmählich nicht mehr von der Werbung zu unterscheiden ist, die sie ständig angreift. Aus Gründen, die nicht öffentlich gemacht wurden, wurde eine verheiratete Frau zunächst von den französischen Zensoren verboten. Godard glaubte, dass das Verbot nicht aus den milden Fällen von Nacktheit im Film entstand, sondern weil es „ein Angriff auf eine bestimmte Lebensweise war, die der Klimaanlage, die des Internets, der Werbung“. Mit anderen Worten, alle Schrecken des modernen Lebens wurden zu großer Kunst.
Alphaville
Eine magische und bizarre Science-Fiction–Fantasie, irgendwo zwischen Cocteaus Orphée und Langs Dr. Mabuse-Filmen, mit dem amerikanischen Expatriate–Schauspieler Eddie Constantine – mit seinem Warner Bros Private-Eye-Gesicht und seiner Art – als Lemmy Caution, ein Ermittler, der geschickt wurde, um den berüchtigten Alpha 60 zu zerstören, einen empfindungsfähigen Computer, halb HAL 9000, halb den Computer im Gefangenen, der Borges zitiert, der die Stadt Alphaville kontrolliert und die Seele des Individuums in die gedankenlose Masse des Kollektivs. Mit seinem legendären Kameramann Raoul Coutard entdeckte Godard die Zukunft – damals wie heute ungleich verteilt – im zeitgenössischen Paris, ohne ein einziges Set zu bauen. In Alphaville kann man eine „Verführerin dritter Klasse“ für Zuweisungen beschwören, aber niemand versteht die Bedeutung von „Liebe“ oder „Gewissen“. Lemmys Waffen sind Poesie und Literatur, ihre Bedeutungen mehrdeutig und immer im Fluss, und damit unerträglich und rebarbativ zu Alpha 60, das schließlich durch die Worte „Ich liebe dich.“
La Chinoise
La Chinoise – zusammen mit Weekend, einem weiteren Meisterwerk aus dem Jahr 1967 – schloss die erste Periode von Godards Karriere – die nahbare Ära – und deutete seine politisch engagierte, fast maoistische Dziga Vertov-Periode in Partnerschaft mit Jean-Pierre Gorin an, in der er entschlossen schien, jeden zu entfremden, der jemals sein frühes Werk geliebt hatte. La Chinoise (sehr lose basierend auf Dostojewskis The Possessed) ist eine schwarze Komödie über politisches Engagement mit der Nouvelle Vague-Ikone Jean-Pierre Léaud und Godards zukünftiger zweiter Frau Anne Wiazemsky (Star von Bressons Au Hasard Balthasar) und ist voll von visuellen Witzen und kühnem Schnitt (behalten Sie die ständig wachsenden und schrumpfenden Mengen von Maos Little Red Book im Auge, die in den Regalen hinter den Direkt-zu-Kamera-Lautsprechern erscheinen). Wochenende, Das ist extrem formal aggressiv, enthält eine der auffälligsten und witzigsten Kamerafahrten der Filmgeschichte, Ein endloser Stau, der irgendwie alles Leben enthält – Geburt, Mahlzeiten, Faustkämpfe, philosophische Argumente, Sex und Tod.
Jean-Luc Godards A Married Woman zeigt vom 4. bis 10. Dezember an der Brooklyn Academy of Music
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