Mejores Álbumes de Herbie Hancock: 20 Essentials Del Legendario Pianista de Jazz

Nacido el 12 de abril de 1940, Herbie Hancock es un pionero musical que ha estado haciendo discos durante casi 60 años. Su larga y sinuosa, pero nunca menos que fascinante, carrera, que comenzó en 1962 cuando hizo su primera grabación como acompañante del trompetista Donald Byrd, lo ha visto explorar una variedad de paisajes musicales. Desde el bebop hasta el hip-hop, Hancock lo ha hecho todo, y los mejores álbumes de Herbie Hancock trazan el camino del pianista a través de una variedad de estilos aparentemente incompatibles que van desde el jazz vanguardista hasta el disco-funk que llena el suelo y las bandas sonoras de películas atmosféricas. Para subrayar su versatilidad, también ha aparecido en discos pop de Joni Mitchell y Simple Minds, y ha grabado junto a Santana, Paul Simon, Norah Jones y Sting.

Aunque comenzó como pianista de jazz, la curiosidad musical de Hancock lo ha llevado a trascender géneros. Aquí rendimos homenaje a Herbie Hancock como líder y acompañante al clasificar sus 20 mejores discos. Creo que nos hemos perdido alguna? Háganoslo saber en la sección de comentarios, a continuación.

Mejor Herbie Hancock Albums: 20 Essentials Del Legendario Pianista de Jazz

20: Blow-Up (MGM, 1966)

El director italiano Michelangelo Antonioni contrató a Hancock, entonces miembro del Quinteto de Miles Davis, para componer Blow-Up, una película de misterio y asesinato ambientada en Londres durante los años 60. música a la vida. Estilísticamente, abarcaba desde azules terrosos de 12 compases (‘Veronica’) hasta piezas de estilo jazz modal más libres (‘The Naked Camera’). El funkificado ‘Bring Down The Birds’ tuvo su intro de bajo y guitarra al unísono sampleado por Deee-Lite en su éxito de baile de 1990, ‘Groove Is In The Heart’.
Pista esencial: ‘La cámara desnuda’

19: 1+1 (con Wayne Shorter; Verve, 1997)

Un álbum a dúo con el viejo amigo y socio musical de Hancock en el crimen, el saxofonista Wayne Shorter (que toca soprano en todo momento), 1+1 es un recital íntimo en el que las dos leyendas interpretan tres nuevas canciones que escribieron, junto con una selección de otro material. También revisan «Joanna’s Theme», que apareció inicialmente en la banda sonora de Death Wish de Hancock en 1974, y «Diana», una canción más corta de su álbum de 1975, Native Dancer.
Pista esencial: ‘Manhattan Lorelei’

18: The Prisoner (Blue Note, 1969)

The Prisoner fue el séptimo y último álbum de Hancock para Blue Note, pero, significativamente, también el primero en abordar las preocupaciones sociopolíticas que afectan a los afroamericanos. Ampliando su paleta de colores tonales, Hancock amplió la línea de tres trompas del anterior Speak Like A Child a una combinación de seis trompas e instrumentos de viento de madera; en términos de su vocabulario musical, Hancock estaba empujando el sobre del jazz con una concepción más libre detrás de su música. La piedra angular del álbum, «I Had A Dream», fue inspirada por el líder de los derechos civiles, Martin Luther King, Jr., que había sido asesinado el año anterior. En El Prisionero, Hancock encontró un poderoso sentido de liberación musical que lo impulsaría a una música más rompedora.
pista Esencial: «El Que Vive Con Miedo’

17: Directions In Music: Live At Massey Hall (Verve, 2002)

A la edad de 62 años, Herbie Hancock demostró en este barnstormer de un álbum en vivo, grabado en Toronto, que todavía estaba trabajando a la vanguardia del jazz. Compartió escenario con un frontline de dos trompas compuesto por el saxofonista Michael Brecker y el trompetista Roy Hargrove, con John Patitucci en el bajo y Brian Blade en la batería. Tocando una mezcla de originales, clásicos del jazz y estándares, el quinteto está en forma fundida. Cubren tres canciones de John Coltrane, incluida ‘Impressions’, que está etiquetada en una versión de ‘So What’de Miles Davis. Hancock ganó un Grammy en la categoría de Mejor Solo de Jazz Improvisado por su interpretación de la canción ‘My Ship’.
Pista esencial: «Mi barco’

16: Invenciones & Dimensions (Blue Note, 1964)

Este, el tercer álbum de Hancock, lo encontró tomando un desvío estilístico de los estilos hard bop y soul-jazz de sus dos primeros álbumes de Blue Note. Haciendo equipo con destacados maestros de percusión latinos Willie Bobo y Osvaldo «Chihuahua» Martínez, el pianista creó composiciones espontáneas sobre sus figuras rítmicas afrocubanas, mientras que las líneas de bajo elásticas del ex miembro de la banda de Miles Davis, Paul Chambers, anclan las cinco canciones del conjunto. ‘Succotash’ es una exploración discursiva del ritmo, mientras que el ‘Triángulo’ de balanceo suave es más melódico con cualidades de jazz modal. ‘Mimosa’, el corte de cierre, tiene una sensación de rumba sensual. Invenciones & Dimensions reveló que Herbie Hancock, de 24 años, era un tomador de riesgos musicales que no estaba satisfecho con las fórmulas probadas y probadas.
Pista esencial: ‘Mimosa’

15: Speak No Evil (con Wayne Shorter; Blue Note, 1965)

Cuando Wayne Shorter se unió al Quinteto de Miles Davis en 1964, Herbie Hancock ya había estado con la banda de The trumpeter por más de un año. La pareja se hizo rápidamente amiga, y el pianista hizo varias apariciones en los álbumes solistas del saxofonista para Blue Note, comenzando con la influyente obra maestra Speak No Evil. Aunque Shorter es la estrella del espectáculo, la contribución de Hancock es notable por la alta calidad de su acompañamiento aparentemente telepático y sus brillantes solos de piano.
Tema esencial: ‘Speak No Evil’

14: Nefertiti (con Miles Davis; Columbia, 1968)

Aunque Wayne Shorter fue el principal compositor del Quinteto de Miles Davis entre 1964 y 1968, Herbie Hancock contribuyó con dos canciones a Nefertiti, que es notable por ser la última grabación acústica de The trumpeter. ‘Madness’ es una pista de ritmo ascendente definida por armonías nebulosas y un solo de piano discursivo extendido, mientras que ‘Riot’ – que, más tarde ese mismo año, apareció en el álbum Speak Like A Child de Hancock-es más enfocado pero aún exhibe un borde pronunciado. Ambos cortes reflejan la evolución de Hancock como pianista y su ascenso como compositor de notas post-bop.
Tema esencial: ‘Madness’

13: Río: The Joni Letters (Verve, 2007)

Esta aventura repleta de estrellas, un homenaje al amigo de Hancock, Joni Mitchell, contó con una galaxia de estrellas, desde viejos stagers como Leonard Cohen, Joni Mitchell y Tina Turner hasta las recién llegadas relativas Norah Jones y Corinne Bailey Rae. Incluso Prince, como guitarrista no acreditado, proporcionó un cameo raro. Aun así, Hancock sigue siendo la estrella del espectáculo, ofreciendo interpretaciones inspiradas de algunas de las canciones más memorables de Mitchell.
pista Esencial: ‘Ambos Lados Ahora’

12: Mwandishi (Warner Bros, 1971)

Después de dejar Blue Note en 1969, Hancock formó una nueva banda, Mwandishi, que incluía al músico de reed Benny Maupin y al trompetista Eddie Henderson, que grabó dos álbumes para Warner Bros y uno para Columbia. El Mwandishi afro-céntrico encuentra a Hancock en el piano eléctrico y crea un modo de fusión espacial y suelto. El álbum constaba de tres piezas extendidas, la más larga de las cuales era la canción de 21 minutos de Wandering Spirit Song. Hay sutiles toques de funk, como en ‘Ostinato’, tocado en tiempo de 15/8 e impulsado por el bajo de Buster Williams, pero el mejor corte es el profundamente atmosférico ‘Lo sabrás cuando llegues’.
Pista esencial: «Lo Sabrás Cuando Llegues Allí’

11: My Point Of View (Blue Note, 1963)

Para su segundo álbum de Blue Note, Hancock reunió a un grupo más grande de músicos, que incluía a su mentor, el trompetista Donald Byrd, junto con el saxofonista Hank Mobley y el trombonista Grachan Moncur III. El guitarrista Grant Green también apareció en dos de los cinco cortes del set. Hancock revisitó el ambiente funky R&B de ‘Watermelon Man’ con el toque soul jazz ‘Blind Man, Blind Man’, pero en el ‘King Cobra’ más episódico y con sabor modal adoptó un enfoque más audaz y menos ortodoxo de la estructura, la melodía y la armonía. Mientras tanto, ‘A Tribute To Someone’ es una encantadora balada conducida por el bajo andante de Chuck Israel y que destaca el lirismo de Byrd.
pista Esencial: ‘King Cobra’

10: Sunlight (Columbia, 1978)

En 1978, Herbie Hancock pasó del hardcore jazz-funk de sus discos de principios a mediados de los 70 al estilo disco-funk más ligero y accesible estrenado en Sunlight. La pieza de resistencia del álbum es el pegadizo «I Thought It Was You», un sencillo de éxito británico que lo encontró cantando usando un vocoder, un proceso de efectos que le dio a la voz humana un sonido robótico. Aunque el álbum consistía principalmente en material de sonido similar, la «Buena pregunta» de cierre era en conjunto más aventurera: un híbrido de jazz y música latina con el bajista de Weather Report, Jaco Pastorius.
Tema esencial: ‘Pensé Que Eras Tú’

9: The New Standard (Verve, 1996)

Al igual que su otrora líder de banda Miles Davis, Hancock nunca se detuvo musicalmente y siempre estaba buscando nuevas vías de autoexpresión. En este brillante álbum que destaca la inclinación del pianista por asumir riesgos, reconfigura canciones de pop y rock contemporáneas y clásicas en obras maestras del jazz. Con la ayuda del saxofonista Michael Brecker y el guitarrista John Scofield, Hancock reutiliza material de The Beatles, Steely Dan y Nirvana junto con números R&B de Stevie Wonder, Prince, Babyface y Sade. Es una selección valiente, pero produce resultados espectaculares.
Tema esencial: «El Amor Es Más Fuerte Que El Orgullo’

8: Fat Albert Rotunda (Warner Bros, 1969)

Hancock cambió de Blue Note a Warner Bros en 1969, y su primer proyecto para su nuevo sello fue la banda sonora de una película animada producida por Bill Cosby llamada Hey, Hey, Hey, It’s Fat Albert. Con un gran elenco de músicos de apoyo, incluidos el saxofonista Joe Henderson, el guitarrista Eric Gale y el baterista Bernard Purdie, la Rotonda de siete canciones de Fat Albert estaba repleta de ritmos funk brassy. También hubo dos grandes baladas: la delicada ‘Jessica’, que Hancock revisitó en 1977, y la lírica y onírica’ Cuéntame un cuento para dormir’, una de las composiciones más elegantes del pianista.
Tema esencial: «Cuéntame Un Cuento Para Dormir’

7: Gershwin’s World (Verve, 1998)

Un homenaje al compositor George Gershwin con motivo de su centenario, Gershwin’s World es un brillante escaparate de la capacidad de Hancock para ir más allá del jazz y llegar a un público más amplio sin sacrificar su integridad musical. Los invitados en el álbum incluyen a Joni Mitchell, que canta en dos canciones, incluida a beautiful ‘Summertime’ con Stevie Wonder en la armónica, Chick Corea y Wayne Shorter. Hancock también contrata los servicios de la Orquesta de Cámara de Orfeo para que lo acompañe en el segundo movimiento del Concierto para Piano en Sol de Ravel.
Pista esencial: ‘Verano’

6: Speak Like A Child (Blue Note, 1968)

A menudo pasado por alto en la obra de Blue Note de Hancock, Speak Like A Child es uno de los álbumes más bellos del pianista. Inspirado en los recuerdos de la infancia, cuenta con un sexteto cuya instrumentación incluye una novedosa mezcla de flauta contralto, fliscorno y trombón: una combinación que impregna el disco con sonoridades inusuales pero seductoras. Hancock es el único solista en seis cortes convincentes que van desde el driving ‘Riot’ y ‘Sorcerer’ (dos canciones también grabadas por Hancock con el Quinteto de Miles Davis) hasta la balada pastoral ‘Goodbye To Childhood’ y la canción lírica del título.
pista Esencial: «Habla Como Un Niño’

5: Future Shock (Columbia, 1983)

Una década después de que Head Hunters lo presentara a un público más amplio, Hancock, que había estado explorando el disco-funk a finales de los 70 y principios de los 80, tomó otro giro inesperado. Fue entonces cuando se asoció con el productor Bill Laswell para crear el funk robótico de ciencia ficción de Future Shock de 1983. Usando cajas de ritmos, secuenciadores y samplers, e incorporando técnicas de scratching de DJ en su música, Hancock creó un nuevo mundo de sonido que encontró el favor instantáneo entre el público que compraba discos. El álbum, que dio lugar al memorable sencillo «Rockit», logró ventas de platino y fue enormemente influyente, especialmente en los círculos de hip-hop.
Pista esencial: ‘Rockit’

4: Takin ‘Off (Blue Note, 1962)

Grabado el 28 de mayo de 1962, Takin’ Off marcó el debut de Hancock como líder de banda. Solo tenía 22 años, pero mostró una notable madurez musical como compositor y conceptualista del jazz. Las cinco canciones del álbum fueron composiciones originales, que van desde la sensación funky de rhythm’n’blues del contagioso ‘Watermelon Man’ hasta ‘The Maze’, un tipo más exploratorio de melodía hard bop. Hancock también tuvo un apoyo estelar en el álbum del saxofonista Dexter Gordon y el trompetista Freddie Hubbard. ‘Watermelon Man’, ahora reconocido como un estándar de jazz, se convirtió en un éxito pop estadounidense para el percusionista cubano Mongo Santamaría en 1964, y ha sido cubierto en numerosas ocasiones.
Tema esencial: ‘Hombre Sandía’

3: Empyrean Isles (Blue Note, 1964)

En junio de 1964, Hancock, entonces de 25 años, entró en el estudio Van Gelder con Freddie Hubbard, Ron Carter y Tony Williams para grabar un álbum conceptual basado en un lugar mítico que lo marcó como un pionero del jazz. Mezclaba hard bop avanzado con elementos de modal, soul-jazz y free jazz, especialmente durante improvisaciones en solitario y colectivas. Aunque el funky ‘Cantaloupe Island’, un primo cercano del anterior’ Watermelon Man’, mostró que Hancock no había olvidado cómo crear melodías infecciosas, el resto del álbum, incluido el estilo radical y vanguardista’ The Egg’, mostró al pianista en un estado de ánimo más aventurero. Para los fanáticos del jazz en 1964, Empyrean Isles confirmó que Herbie Hancock era un maestro en la fabricación.
pista Esencial: ‘Cantaloupe Island’

2: Head Hunters (Columbia, 1973)

Preocupado de que la música esotérica y de sonido abstracto de su banda Mwandishi no conectara con muchos oyentes, el segundo álbum de Hancock para Columbia lo encontró cambiando radicalmente de dirección. Con su fusión de improvisación de jazz con grooves de funk eléctrico inspirados en la piedra y James Brown, Head Hunters se convirtió en un best-seller y demostró ser un cambio de juego para Hancock, transformándolo en una auténtica superestrella del jazz.
Pista esencial: ‘Chameleon’

1: Maiden Voyage (Blue Note, 1965)

Encabezando nuestra lista de los 20 mejores álbumes de Herbie Hancock está este, su quinto reord, grabado en 1965. En ese momento, Hancock, de 24 años, estaba tocando en el Quinteto de Miles Davis y tomando un interés activo en expandir los parámetros del jazz con un enfoque más exploratorio de la melodía, el ritmo y la armonía. En el Viaje inaugural de temática náutica, abrazó el jazz modal en compañía del saxofonista George Coleman y el trompetista Freddie Hubbard, junto al bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams. La hermosa canción del título es una de las composiciones más notables y cubiertas de Hancock. El álbum también produjo las canciones clásicas «Dolphin Dance» y «The Eye Of The Hurricane». Sigue siendo una piedra de toque musical en el canon del pianista de Chicago.
pista Esencial: ‘Viaje inaugural’

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