Impressionismo óptico realismo: Monet

Claude Monet, Camille Monet e um Filho do Artista Jardim em Argenteuil, 1875, óleo sobre tela, que 55,3 x 64.7 cm (Museu de Artes Finas, Boston)

Mais realista?

o tema da pintura de Monet de 1875 de sua esposa Camille Monet e uma criança no Jardim do artista em Argenteuil é imediatamente reconhecível. Ambas as figuras estão revestidas de roupas listradas azuis e são absorvidas por uma atividade: Camille costura, a criança olha para um livro. Um cavalo de brinquedo está em primeiro plano, e uma parede virtual de folhagem verde e flores vermelhas e rosadas florescem atrás deles.

o espectador recebe informação visual suficiente para reconhecer os principais componentes da cena, mas em vez de fornecer detalhes finos que forneceriam mais detalhes específicos, Monet enfatiza suas pinceladas coloridas. Se queremos saber de que tipo de tecido as roupas retratadas são feitas, que tipo de flores estão florescendo, ou mesmo a textura da pele das figuras, não podemos descobrir olhando de perto. Um estudo atento da pintura só nos ensinará mais sobre a pincelada de Monet, não mais sobre a cena retratada. Como resultado, se avaliarmos a verdade da pintura para a natureza em termos de uma representação cuidadosa dos detalhes, não é muito realista. No entanto, pinturas impressionistas como esta foram muitas vezes descritas por críticos compreensivos como representações realistas, e às vezes mesmo mais realistas do que as pinturas acadêmicas tradicionais com figuras meticulosamente detalhadas e cenas. Como assim?O Impressionismo levanta questões complexas e interessantes sobre a representação realista. Embora tendamos a ter juízos reflexivos poderosos sobre o que é realista na arte e o que não é, a base para tais julgamentos é frequentemente incerta. Apoiantes da pintura impressionista subtilmente, mas substancialmente mudou os critérios para julgar a verdade para a realidade na pintura. No Renascimento tradicional e no naturalismo Acadêmico, a verdade à realidade implicava a inclusão não só do que vemos, mas também evidência visível proeminente das propriedades do toque e do espaço: a massa dos objetos, suas texturas, e o terreno tridimensional em que eles estão localizados. Como as pinturas não podem reproduzir literalmente espaço, massa e textura, elas devem dar uma ilusão dessas qualidades—e frequentemente exageram a evidência visual que contribui para essa ilusão.

Jacques-Louis David, o Juramento dos Horácios, de 1784, óleo sobre tela, 3,3 x 4.25 m, pintado em Roma, exposta no salão de 1785 (Musée du Louvre)

O mais linhas ortogonais são incluídos em uma pintura, o mais convincente a terra em uma pintura parece recuar como um piso, em vez de ficar de pé como uma parede, daí o francês Acadêmico pintor Jacques-Louis David inclui um assoalho de telha e paredes de alvenaria com muitas linhas ortogonais no Juramento dos Horácios. Os efeitos do chiaroscuro no naturalismo tradicional também são frequentemente exagerados em relação ao que realmente vemos, a fim de afirmar o volume tangível do que na verdade são apenas renderizações bidimensionais. O contraste dramático criado pelas figuras acesas contra as sombras muito escuras e o fundo da pintura de David aumenta a ilusão de formas tridimensionais no espaço.

apenas o que vemos, não o que sabemos

a relação das figuras com o espaço em Camille Monet e uma criança no Jardim do artista é marcadamente diferente. Não há uso de chiaroscuro para definir as formas das figuras ou perspectiva linear para definir o espaço em que elas estão situadas. As figuras sentam-se diretamente na frente da folhagem, criando um espaço muito raso, que é ainda mais achatado pelas pinceladas texturizadas proeminentes ao longo de toda a pintura. A fonte de luz é difundida, e há muito pouca modelagem das figuras, apenas algumas áreas escuras na roupa que distinguem os braços dos torsos.

Claude Monet, Camille Monet e um Filho do Artista Jardim em Argenteuil (detalhe), 1875, óleo sobre tela, que 55,3 x 64.7 cm (Museu de Artes Finas, Boston)

O estilo Impressionista, como exemplificado aqui por Monet consiste na prestação de apenas óptico de dados, reproduzindo apenas o que vemos, não é o que sabemos sobre o espaço, massa e outros detalhes físicos do mundo. Em 1883, o crítico Jules Laforgue sugeriu: “o Impressionista vê e torna a natureza como ela é—isto é, totalmente em termos de vibrações de cor. Sem desenho, sem luz, sem modelagem, sem perspectiva, sem chiaroscuro, nenhuma dessas classificações pueril: todas elas se tornam vibrações de cor e devem ser representadas na tela por meio de vibrações de cor.”Este apelo à maior verdade do impressionismo, é claro, tem algumas artimanhas. Laforgue afirma que o Impressionista “torna a natureza como ela é”, mas talvez devesse dizer com mais precisão que o Impressionista se concentra em tornar a natureza como ela parece aos olhos. Neste sentido, os impressionistas limitaram o projeto de pintura a um objetivo mais estreito do que o perseguido pelo naturalismo tradicional, e aumentaram sua precisão em relação a esse objetivo.

Lilla Cabot Perry, Um Fluxo Baixo de Choupos, c. 1890-1900, óleo sobre tela, 65,4 x 81.3 cm (Hunter Museum of American Art)

Mudança nos padrões de cor

A importância dessa noção para a abordagem Impressionista da pintura, é claro no artista Americano Lilla Cabot Perry recolhimento de Monet os conselhos da sua:

“Quando você vai para a pintura, tente se esqueça de que objetos que você tem antes de você—uma árvore, uma casa, um campo, ou seja o que for. Basta pensar, aqui está um pequeno quadrado de azul, aqui um oblongo de rosa, aqui um traço de amarelo, e pintá-lo exatamente como ele olha para você, a cor exata e forma, até que ele dá sua própria impressão ingênua da cena diante de você…”disse que desejava ter nascido cego e, de repente, ganhou a visão para que ele pudesse ter começado a pintar desta maneira sem saber quais eram os objetos que ele viu diante dele.Lilla Cabot Perry, “Reminiscences of Claude Monet from 1889-1909,” the American Magazine of Art, vol. 18, no. 3 (1927), p. 120. Monet expressa aqui o desejo de uma separação impossível da sensação imediata de sua visão do subsequente processamento de dados visuais por sua mente. Imagina a primeira experiência visual de um bebé. Ela não sabe que os padrões de cor que ela está experimentando correspondem a objetos substanciais lá fora em um mundo tangível; nem sabe onde um objeto termina e outro começa; nem a distinção entre perto ou longe. Uma criança ou uma pessoa cega de repente ganhando sua visão veria apenas um padrão de mudança de cor. Assim, Monet aconselha Perry a não pensar sobre os objetos que ela está pintando, mas para ver apenas um padrão de cor: um “quadrado de azul”, um “oblongo de rosa”, um “traço de amarelo.”

Claude Monet, Haystacks, Midday, 1890, oil on canvas, 65.6 x 100.6 cm (National Gallery of Australia, Camberra)

o conselho de Monet para Perry também começa a explicar o trabalho radical dos impressionistas, que perturbou muitos críticos. Impressionistas construído as suas pinturas em manchas de cor na forma de Monet descrito, como se a pintura óptica mundo como eles experimentaram na superfície de suas retinas, ao invés de tentar criar uma ilusão de espaço, massa e texturas táteis mundo. Os críticos também observaram que a pincelada do estilo impressionista simulou os padrões cintilantes de luz e cor. A aparente rapidez da pincelada indicava a rápida mudança das condições de iluminação, que mudaram antes que o artista tivesse tempo de suavizar a superfície da obra com um acabamento Acadêmico tradicional. Claude Monet, Poplars, 1891, oil on canvas, 36-5 / 8 x 29-3 / 16 inches / 93 x 74.1 cm(Philadelphia Museum of Art)

Claude Monet, Poplars, 1891, oil on canvas, 93 x 74.1 cm (Philadelphia Museum of Art)

as pinturas da série de Monet das décadas de 1880 e 1890 representam a culminação deste aspecto óptico-científico do Impressionismo. Nessa série de Monet registrou a mudar de aparência de um único sujeito—palheiros em Giverny, catedral de Rouen, um banco de choupos—em diferentes momentos do dia, em diferentes condições meteorológicas, e em diferentes estações do ano. Uma vez que a qualidade da luz mudou rapidamente, Monet poderia trabalhar em uma determinada tela por um tempo limitado, retomando-a novamente apenas quando as condições de iluminação eram semelhantes. Perry relatou que um efeito de luz particular na série Poplars durou apenas sete minutos, até que a luz solar atingiu uma determinada folha.

Left: Claude Monet, a Catedral de Rouen (o Portal e O Tour d”Albane em plena luz Solar), também chamado de Harmonia nas cores Azul e Ouro, 1893 (datado de 1894), óleo sobre tela, 107 x 73 cm (Musée d’Orsay (museu); à Direita: Claude Monet, a Catedral de Rouen, Portal, Sol da Manhã, 1893, óleo sobre tela, de 92,2 x 63,0 (Musée d’Orsay)

Embora o assunto é idêntico, o radicalmente diferentes cores utilizadas, aproximadamente, trinta pontos de vista que Monet pintou da Catedral de Rouen em 1893-94 demonstrar as alterações na aparência da cena ao longo do tempo. Dentro da cor local nominalmente acinzentada da alvenaria, Monet encontra uma surpreendente variedade de cores. O primeiro trabalho registra um tempo de pintura por volta do Meio-dia em um dia ensolarado, e a cor dominante é amarelo brilhante, com cintilantes de azul para as sombras em torno da fachada esculpida. A segunda grava uma observação matinal, com todo o elenco da fachada na sombra e renderizado em blues, violetas e pinks. Em ambos os trabalhos a luz refletida salta do chão em frente da catedral para o lado inferior dos arcos profundamente esculpidos dos portais, que são renderizados em laranja brilhante—muito longe da cor local da pedra. (Para uma explicação dos Termos “cor local” e “cor percebida”, veja a cor Impressionista.)

vivendo até o seu nome

para apoiadores do movimento, o nome Impressionismo é singularmente apta, embora tenha sido originalmente aplicado como um termo de escárnio. “Impression” pode ser usado como um termo científico para a estimulação dos nervos sensoriais, como por exemplo o efeito sobre os nervos retinais da luz refletindo objetos fora. Estritamente falando, o termo Isola este estímulo puramente físico de qualquer reação mental ou emocional subseqüente a ele. A impressão retiniana consiste apenas de um padrão de cores, antes que a mente interprete o que está vendo e deduza informações sobre massa, espaço e textura, e antes que o espectador reaja emocionalmente. Para alguns de seus críticos e praticantes, o Impressionismo teve a aura de um projeto científico objetivo, informado e contribuindo para uma riqueza de descobertas contemporâneas na ciência da luz e da cor.